Charles Lloyd • In The Soviet Union

 

Charles Lloyd • Discovery

 

Review from AllMusic (by Scott Yanow):
This superior set by tenor saxophonist Charles Lloyd was recorded two years before Lloyd's quartet achieved great popular success. Lloyd's Coltrane-inspired sound was already in place and although pianist Gabor Szabo would be succeeded by Keith Jarrett, the overall sound of the ensemble would remain unchanged. Lloyd's passionate yet melodic approach is heard at its best on the famous "Forest Flower," but all of the music is quite worthwhile and highly recommended.
https://www.allmusic.com/album/discovery!-the-charles-lloyd-quartet-mw0001882003

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Reseña de AllMusic (por Scott Yanow):
Este conjunto superior del saxofonista tenor Charles Lloyd fue grabado dos años antes de que el cuarteto de Lloyd lograra un gran éxito popular. El sonido inspirado en Coltrane de Lloyd ya estaba en su lugar y aunque el pianista Gabor Szabo sería sucedido por Keith Jarrett, el sonido general del ensamble permanecería sin cambios. El enfoque apasionado pero melódico de Lloyd se escucha en su mejor momento en la famosa "Forest Flower", pero toda la música es bastante valiosa y muy recomendable.
https://www.allmusic.com/album/discovery!-the-charles-lloyd-quartet-mw0001882003

Charles Lloyd • The Flowering

 

Review from AllMusic (by Scott Yanow) - 4.5 Stars:
Released by Atlantic in 1971 when the Charles Lloyd Quartet was already history, these performances (from the same concert that resulted in Charles Lloyd in Europe) contain some excellent remakes ("Love In/Island Blues" and "Goin' to Memphis"), Gabor Szabo's "Gypsy '66," Cecil McBee's "Wilpan's," and a fine rendition of "Speak Low." Lloyd (whether on tenor or flute), the already impressive pianist Keith Jarrett, bassist McBee, and drummer Jack DeJohnette are heard in enthusiastic form. This set is even a bit better than the In Europe album due to the stronger (if more familiar) material.
https://www.allmusic.com/album/the-flowering-mw0000882294

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Reseña de AllMusic (por Scott Yanow) - 4.5 Estrellas:
Lanzado por Atlantic en 1971 cuando el Charles Lloyd Quartet ya era historia, estas interpretaciones (del mismo concierto que resultó en Charles Lloyd in Europe) contienen algunos excelentes remakes ("Love In/Island Blues" y "Goin' to Memphis"), "Gypsy '66" de Gabor Szabo, "Wilpan's" de Cecil McBee y una excelente versión de "Speak Low." Lloyd (ya sea en tenor o flauta), el ya impresionante pianista Keith Jarrett, el bajista McBee y el baterista Jack DeJohnette se escuchan en forma entusiasta. Este set es incluso un poco mejor que el álbum In Europe debido al material más fuerte (aunque más familiar).
https://www.allmusic.com/album/the-flowering-mw0000882294

Herbie Mann • Mann Alone

Herbie Mann & Joao Gilberto • Live In Rio De Janeiro

Herbie Mann • Glory Of Love

This LP by flautist Herbie Mann was released in 1967 on A&M Records, it was produced by Creed Taylor and recorded by Rudy Van Gelder, the line-up includes Herbie Mann on flute, Roy Glover, Roland Hanna and Paul Griffin on piano & organ, Ron Carter and Earl May on bass, Grady Tate and Herb Lovelle on drums, Roy Ayers and Ted Sommers on vibes, Ray Barretto and Johnny Pacheo on percussion, Eric Gale, Jay Berliner and Sunny Sharrock on guitar, Hubert Laws on flute, plus a horn section.

Herbie Mann • Live at the Bottom Line

Hubert Laws • My Time Will Come

 

Review by Scott Yanow (AllMusic):
This is a streaky affair, Hubert Laws's first recording as a leader in quite a few years. Half of the seven selections (including "It's So Crazy," "Shades of Light" and the title cut) find Laws performing a mixture of R&B and pop, with programmed rhythms and synthesizers making the music quite routine and predictable. However the other half of the CD (most notably Chopin's "Valse" and Beethoven's "Moonlight Sonata," both arranged by the flutist) finds Laws adapting some classical works to jazz with guest artists who include pianists George Duke and Joe Sample, baritonist Ronnie Laws and drummer Ndugu Chancler. While that portion has more creativity, only Hubert Laws's most loyal fans will want this release.
https://www.allmusic.com/album/my-time-will-come-mw0000095582

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Reseña de Scott Yanow (AllMusic) 
Este es un asunto irregular, la primera grabación de Hubert Laws como líder en bastantes años. La mitad de las siete selecciones (incluyendo "It's So Crazy", "Shades of Light" y la pieza que da título al álbum) encuentran a Laws interpretando una mezcla de R&B y pop, con ritmos programados y sintetizadores haciendo que la música sea bastante rutinaria y predecible. Sin embargo, la otra mitad del CD (más notablemente la "Valse" de Chopin y la "Moonlight Sonata" de Beethoven, ambas arregladas por el flautista) encuentra a Laws adaptando algunas obras clásicas al jazz con artistas invitados que incluyen a los pianistas George Duke y Joe Sample, el baritonista Ronnie Laws y el baterista Ndugu Chancler. Si bien esa porción tiene más creatividad, solo los fanáticos más leales de Hubert Laws querrán este lanzamiento.
https://www.allmusic.com/album/my-time-will-come-mw0000095582


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Herbie Mann & Tamiko Jones • A Mann and a Woman

Herbie Mann • Do The Bossa Nova & Latin Fever

Ramsey Lewis • Up Pops Ramsey Lewis

 

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The Ramsey Lewis Trio • The In Crowd

The In Crowd is a live album by the Ramsey Lewis Trio which was recorded in 1965 at the Bohemian Caverns nightclub in Washington D.C. and released on the Argo label.

Review by Michael G. Nastos

Ramsey Lewis staked his claim to fame with The In Crowd, an instrumental version of Dobie Gray's Top 40 hit. He also was one of the first soul jazz icons of the mid-'60s, based on the strength of the sales of this recording, done over three days during a club date at the Bohemian Caverns in Washington, D.C. What is not readily acknowledged over the years is that bassist Eldee Young is really the star of the show. He's the one who gets the crowd revved up with his vocalizing in tandem with the notes he is playing. It's on his Ray Charles-like take on "Tennessee Waltz" and a similar treatment of Gale Garnett's minor pop hit "You Been Talkin' 'Bout Me Baby" that gets the patrons off. Of course the quintessential hip shakin' introductory title track gets the groove in motion, but it's Young that lights the fuse. His stellar work with drummer Redd Holt bolsters the style of Lewis, and takes it further for the upbeat bossa "Felicidade." Of course, Lewis is the bluesy centerpiece on "Since I Fell for You," another cover of a pop hit that at the time Lenny Welch did so well. The variant is the dramatic "Theme from Spartacus," which has an up-and-down dynamic more suited for a concert hall than a smoky nightclub. This is the moment where Lewis shined the brightest, the "in crowd" at the club was verbally into it, and the time for this music was right.

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The In Crowd es un álbum en vivo del Ramsey Lewis Trio que fue grabado en 1965 en el club nocturno Bohemian Caverns en Washington D.C. y lanzado en el sello Argo.

Reseña de Michael G. Nastos

Ramsey Lewis se lanzó a la fama con The In Crowd, una versión instrumental del Top 40 de Dobie Gray. También fue uno de los primeros iconos del jazz soul de mediados de los 60, basado en la fuerza de las ventas de esta grabación, realizada durante tres días en una cita en un club de las Bohemian Caverns en Washington, D.C. Lo que no se reconoce fácilmente a lo largo de los años es que la bajista Eldee Young es realmente la estrella del espectáculo. Él es el que hace que la multitud se acelere con su vocalización en tándem con las notas que está tocando. Es en su interpretación de Ray Charles del "Vals de Tennessee" y un tratamiento similar del éxito pop menor de Gale Garnett "You Been Talkin' 'Bout Me Baby" lo que hace que los clientes se sientan satisfechos. Por supuesto, la quintaesencia del tema de introducción del título hace que el ritmo se mueva, pero es Young el que enciende la mecha. Su trabajo estelar con el baterista Redd Holt refuerza el estilo de Lewis, y lo lleva más allá para la animada bossa "Felicidade". Por supuesto, Lewis es la pieza central del blues en "Since I Fell for You", otra versión de un éxito pop que en su momento hizo muy bien Lenny Welch. La variante es el dramático "Tema de Espartaco", que tiene una dinámica de subidas y bajadas más adecuada para una sala de conciertos que para un club nocturno lleno de humo. Este es el momento en el que Lewis brilló más, el "en la multitud" en el club estaba verbalmente en ello, y el momento para esta música era el adecuado. 

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Claus Ogerman • Soul Searchin'

It's really only a short time since Soul emerged from an "in" kind of music and exploded as the "Third World Force" (musically speaking, of course) from America. Ray Charles wrote and recorded What'd I Say. Then it all happened.

I regard Soul as the "Third Force of Music" W ("Pop" rates Number 1, "Jazz" Number 2) from America because there is hardly a jukebox or radio or dance hall in Paris or London, Tokyo or Timbuktu, that programs without it. Soul is vibrant and fresh, emotional and sophisticated. It is stirring; soul-stirring.

For five years now I have had a close identification with a great many of the Soul artists. I arranged and conducted for Dinah Washington, Ben E. King, The Drifters, Solomon Burke, Jimmy Smith and so many others. My rapport with them sparked the idea to record this album of famous and authentically arranged instrumentals.

Here is Soul Searchin', my musical tribute to Soul. As I hear it, it is a brew of rhythm and blues and jazz-oriented emotion. It blends the exceptional excitement of heat with heart. It swaggers and boils. It sustains moments of meaning. It feels good.

When I listen to Ray Charles I get the message. It is loud and clear in his writing, his singing and his performance on piano and occasionally on alto saxophone. What'd I Say, naturally, is included in this album.

There are other well-known Soul songs dedicated to the artists who made them famous. We include Green Onions which was first recorded by Booker T. and the M.G.'s; Comin Home Baby, which Mel Torme did originally (I arranged and conducted his record); Fever, launched by Little Willie John; House of the Rising Sun from The Animals; Shindig from The Shadows; The Sidewinder, which gained note from the Lee Morgan record; Vinny Bell started The End of the Line; Memphis is a tribute from Chuck Berry and Watermelon Man found its beginning with Mongo Santa-Maria. Soul Searchin' and Tell It As It Is are original compositions.

This, then, is Soul Searchin', an instrumental album dedicated to Soul and the sense of good feeling it has spread around the world. This Soul music reaches the hearts of young dancers. It's stimulating, pulsating, with a rhythm common to "Soul Searchers" everywhere. The young enthusiasts who have made Soul music their own may dance in the spirit of Soul to our instrumental variations of their Soul favorites.

It's really only a short time since Soul has locked the world in a passionate embrace. I share the great enthusiasm for it. Soul Searchin' is my dedication to it.

CLAUS OGERMAN - © 1965, Radio Corporation of America

Review by Tony Wilds

Of Claus Ogerman's four mod albums for Victor, Soul Searchin' is a favorite for many because the theme, and certainly the tunes, are hip. As Ogerman's liner notes explain, he ranks soul third in significance after pop and jazz. In any case, Ogerman does a competent job covering all these songs; the title track (an Ogerman original) can be called funky, even. A large factor is Dick Hyman's Lowrey organ; his facility with both jazz and soul is in full evidence here. "The End of the Line" was a hit for Vinnie Bell, but the greater significance is that it was written by Pat Williams and Phil Ramone. The Ogerman albums on Victor share a great deal with the mod albums on Verve by Williams, Kai Winding, and others. Veering away from pop and toward soul-jazz, Soul Searchin' has a peppy jazz-boogaloo beat that feels neither constrained nor ponderous. The surprise is that it works.

En realidad, hace poco tiempo que Soul surgió de un tipo de música "in" y explotó como la "Fuerza del Tercer Mundo" (musicalmente hablando, por supuesto) de América. Ray Charles escribió y grabó What'd I Say. Entonces todo sucedió.

Considero a Soul como la "Tercera Fuerza de la Música" W ("Pop" valora el número 1, "Jazz" el número 2) de América porque apenas hay una rocola o radio o salón de baile en París o Londres, Tokio o Tombuctú, que se programe sin ella. El alma es vibrante y fresca, emocional y sofisticada. Es conmovedor, conmovedor del alma.

Desde hace cinco años me identifico con muchos de los artistas de Soul. Arreglé y dirigí para Dinah Washington, Ben E. King, The Drifters, Solomon Burke, Jimmy Smith y muchos otros. Mi relación con ellos me dio la idea de grabar este álbum de famosos y auténticos arreglos instrumentales.

Aquí está Soul Searchin', mi tributo musical a Soul. Según lo oigo, es una mezcla de rhythm and blues y emociones orientadas al jazz. Mezcla la excepcional emoción del calor con el corazón. Se pavonea y hierve. Sostiene momentos de significado. Se siente bien.

Cuando escucho a Ray Charles recibo el mensaje. Es alto y claro en su escritura, su canto y su actuación en el piano y ocasionalmente en el saxofón alto. Lo que dije, naturalmente, está incluido en este álbum.

Hay otras canciones conocidas de Soul dedicadas a los artistas que los hicieron famosos. Incluimos Green Onions, que fue grabada por primera vez por Booker T. y los M.G.'s; Comin Home Baby, que Mel Torme hizo originalmente (yo arreglé y dirigí su disco); Fever, lanzada por Little Willie John; House of the Rising Sun de The Animals; Shindig de The Shadows; The Sidewinder, que ganó nota en el disco de Lee Morgan; Vinny Bell comenzó The End of the Line; Memphis es un tributo de Chuck Berry y Watermelon Man encontró su inicio con Mongo Santa-Maria. Soul Searchin' y Tell It As It Is son composiciones originales.

Esto, entonces, es Soul Searchin', un álbum instrumental dedicado a Soul y a la sensación de buen sentimiento que se ha extendido por todo el mundo. Esta música de Soul llega a los corazones de los jóvenes bailarines. Es estimulante, pulsante, con un ritmo común a "Soul Searchers" en todas partes. Los jóvenes entusiastas que han hecho suya la música Soul pueden bailar en el espíritu de Soul con nuestras variaciones instrumentales de sus favoritos de Soul.

Es realmente sólo un corto tiempo desde que Soul ha encerrado al mundo en un apasionado abrazo. Comparto el gran entusiasmo por ello. Soul Searchin' es mi dedicación a ella.

CLAUS OGERMAN - © 1965, Radio Corporation of America

Reseña de Tony Wilds

De los cuatro álbumes de Claus Ogerman para Victor, Soul Searchin' es uno de los favoritos de muchos porque el tema, y ciertamente las canciones, están de moda. Como explican las notas de Ogerman, el soul ocupa el tercer lugar en importancia después del pop y el jazz. En cualquier caso, Ogerman hace un trabajo competente cubriendo todas estas canciones; el tema del título (un original de Ogerman) puede llamarse funky, incluso. Un factor importante es el órgano Lowrey de Dick Hyman; su facilidad para el jazz y el soul es evidente aquí. "The End of the Line" fue un éxito para Vinnie Bell, pero lo más importante es que fue escrito por Pat Williams y Phil Ramone. Los álbumes Ogerman de Victor comparten mucho con los álbumes mod de Verve de Williams, Kai Winding y otros. Alejándose del pop y acercándose al soul-jazz, Soul Searchin' tiene un alegre ritmo de jazz-boogaloo que no se siente ni limitado ni pesado. La sorpresa es que funciona.

Herbie Mann • Introducing Herbie Mann

A seminal figure in the New York jazz scene of the '50s & '60s, Herbie Mann's quest for authenticity led him to many corners of the musical world, from Cuba to Brazil to the Middle East and Africa. His adventures in soul and R&B throughout the ...    Full Description'60s and '70s also resulted in remarkable recordings, from his hit single 'Comin' Home Baby', to the albums Memphis Underground and Muscle Shoals Nitty Gritty. Music. 

 

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Figura fundamental de la escena jazzística neoyorquina de los años 50 y 60, la búsqueda de autenticidad de Herbie Mann le llevó a muchos rincones del mundo musical, desde Cuba hasta Brasil, pasando por Oriente Medio y África. Sus aventuras en el soul y el R&B a lo largo de los ...    Full Description'60s y '70s también dieron lugar a notables grabaciones, desde su exitoso single 'Comin' Home Baby', hasta los álbumes Memphis Underground y Muscle Shoals Nitty Gritty. Música. 

Herbie Mann • Jasil Brazz

Herbie Mann • Impressions Of The Middle East

Herbie Mann • Latin Fever

 

Herbie Mann interviewed in 1964
You see, Brazilian music has shown me that music in general can still remain exciting and dramatic without having an overabundance of drums. In other words, the rhythm can be implied, rather than made obvious. We now have a more subtle approach, playing more straight jazz and bossa novas than anything else.
Sometime ago I spoke rather sharply about the many inferior and unsympathetic bossa nova recordings. I have changed my opinions slightly. I now feel that even though most of the non–Brazilian bossa nova records didn’t manage to capture the subtleties and warmth of the authentic Brazilian article, they shouldn’t be put down completely.
Jazz is a medium for individual approach to a song depending on the feeling or the interpretation of the musicians concerned—and that’s what I feel the majority of American produced bossa nova albums amount to.
In all honesty I think that our own group gets closer to the original than anyone else for a number of reasons. I believe that my own temperament is closer to that of the Brazilians than any American musicians who have entered this particular field. Moreover, the group has had more opportunities of hearing and playing new Brazilian compositions, and my guitarist, Attila Zoller, learned how to play bossa nova and other rhythms from listening to the recordings of guitarist Baden Powell. I consider Baden Powell to be the finest exponent in the world of authentic contemporary Brazilian music. In fact, I used Baden Powell as both musician and composer on the sessions I cut in Rio de Janeiro for Atlantic. I feel that the sessions I cut in Rio are the best examples of the bossa nova and the progressive samba on disc. It’s the only album that really captures the true feeling of this wonderful music.
As far as I am concerned, the bossa nova is a modern samba. Most of the rhythm players in Brazil don’t play set patterns, but improvise as they feel. And do they swing! Unfortunately, many American percussionists stick to repetitious patterns, making for stodgy and uninspired results. During the first week I was in Rio I listened to well over 75 compositions. From these I picked the ones I wished to record, then fixed arrangers, musicians and groups.
The numbers of Baden Powell and Antonio Carlos Jobim which I cut are true bossa novas, while the pieces of Sergio Mendez and Luis Carlos Vinhas are progressive sambas, for which the jazz group improvises on a progressive samba beat. For example, I recorded the late Clifford Brown’s “Blues Walk” with the Sergio Mendez Bossa Nova Rio Group. This fine sextet comprises Mendez on piano, Paulo Moura (alto sax), Pedro Paulo (trumpet), Duval Ferreira (guitar), Otavio Bailly, Jnr. (bass) and Dom Um on drums. On the sides I cut with Baden Powell we used a bass player called Gabriel and alternated with two drummers, Papao and Juquinha.
Besides recording with Powell and Mendez I also cut sides with pianist Luis Carlos Vinhas and his trio and with a large string orchestra conducted by Antonio Carlos Jobim, who also sang and played piano on his now famous composition, “Samba De Una Nota So” (One Note Samba). The other large group with which I recorded was the 17– piece Zezinho E Sua Escola De Samba (Zezinho and His School of Samba). This group is made up of carnival samba players who perform in the streets at a carnival or mardi gras, playing traditional music on such instruments as cuica, reco– reco, pandeiro, frigideira and surdo, among many others.
During trips taking me to South America and the African continent I have collected over a hundred different flutes. For public appearances and recordings I use a concert flute in C, alto flute in G and E flat flute, plus a number of hand– made native flutes. In the future I intend to incorporate more and more folk music from various countries into our programme. The bossa nova will stay a part of my catalogue, along with the music I have gathered from other parts of the world combined with jazz. I feel that gypsy music and the folk music of Eastern Europe and the Middle East contains some wonderful rhythms and melodies to improvise on.

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 Entrevista a Herbie Mann en 1964
La música brasileña me ha demostrado que la música en general puede seguir siendo emocionante y dramática sin tener una sobreabundancia de tambores. En otras palabras, el ritmo puede estar implícito, en lugar de hacerse evidente. Ahora tenemos un enfoque más sutil, tocando más jazz y bossa novas que otra cosa.
Hace algún tiempo hablé con bastante dureza sobre las numerosas grabaciones de bossa nova de calidad inferior y poco comprensivas. He cambiado ligeramente mi opinión. Ahora creo que, aunque la mayoría de los discos de bossa nova no consiguen captar las sutilezas y la calidez del auténtico artículo brasileño, no hay que menospreciarlos del todo.
El jazz es un medio de aproximación individual a una canción en función del sentimiento o la interpretación de los músicos en cuestión, y eso es lo que me parece que la mayoría de los discos de bossa nova producidos en Estados Unidos equivalen.
Sinceramente, creo que nuestro grupo se acerca más al original que cualquier otro por varias razones. Creo que mi propio temperamento está más cerca del de los brasileños que el de cualquier músico estadounidense que haya entrado en este campo concreto. Además, el grupo ha tenido más oportunidades de escuchar y tocar nuevas composiciones brasileñas, y mi guitarrista, Attila Zoller, aprendió a tocar bossa nova y otros ritmos escuchando las grabaciones del guitarrista Baden Powell. Considero que Baden Powell es el mejor exponente en el mundo de la auténtica música brasileña contemporánea. De hecho, utilicé a Baden Powell como músico y compositor en las sesiones que grabé en Río de Janeiro para Atlantic. Creo que las sesiones que grabé en Río son los mejores ejemplos de la bossa nova y la samba progresiva en disco. Es el único álbum que realmente capta el verdadero sentimiento de esta maravillosa música.
Para mí, la bossa nova es una samba moderna. La mayoría de los rítmicos de Brasil no tocan patrones fijos, sino que improvisan según sus sentimientos. Y se balancean. Desgraciadamente, muchos percusionistas estadounidenses se ciñen a patrones repetitivos, lo que da lugar a resultados aburridos y poco inspirados. Durante la primera semana que estuve en Río escuché más de 75 composiciones. De ellas elegí las que quería grabar, y luego fijé arreglistas, músicos y grupos.
Los números de Baden Powell y Antonio Carlos Jobim que corté son verdaderas bossa novas, mientras que las piezas de Sergio Méndez y Luis Carlos Vinhas son sambas progresivas, en las que el grupo de jazz improvisa sobre un ritmo de samba progresivo. Por ejemplo, grabé el "Blues Walk" de Clifford Brown, ya fallecido, con el grupo Sergio Méndez Bossa Nova Río. Este excelente sexteto está formado por Méndez al piano, Paulo Moura (saxo alto), Pedro Paulo (trompeta), Duval Ferreira (guitarra), Otavio Bailly, Jnr. (bajo) y Dom Um en la batería. En los lados que grabé con Baden Powell utilizamos un bajista llamado Gabriel y alternamos con dos bateristas, Papao y Juquinha.
Además de grabar con Powell y Mendez, también grabé con el pianista Luis Carlos Vinhas y su trío y con una gran orquesta de cuerdas dirigida por Antonio Carlos Jobim, que también cantó y tocó el piano en su ahora famosa composición, "Samba De Una Nota So". El otro gran grupo con el que grabé fue el de 17 piezas Zezinho E Sua Escola De Samba (Zezinho y su escuela de samba). Este grupo está formado por músicos de samba de carnaval que actúan en las calles en un carnaval o mardi gras, tocando música tradicional con instrumentos como la cuica, el reco- reco, el pandeiro, la frigideira y el surdo, entre otros muchos.
En los viajes que he realizado a Sudamérica y al continente africano he reunido más de cien flautas diferentes. Para las apariciones en público y las grabaciones utilizo una flauta de concierto en do, una flauta contralto en sol y una flauta en mi bemol, además de varias flautas autóctonas hechas a mano. En el futuro tengo la intención de incorporar a nuestro programa cada vez más música folclórica de diversos países. La bossa nova seguirá formando parte de mi catálogo, junto con la música que he recogido de otras partes del mundo combinada con el jazz. Creo que la música gitana y la música folclórica de Europa del Este y Oriente Medio contienen algunos ritmos y melodías maravillosos sobre los que improvisar.

 

Kenny Burrell • The Common Ground

 

Review by Ronnie D. Lankford, Jr.
When it comes to Kenny Burrell, a title like Blues -- The Common Ground speaks volumes. His approach always keeps in mind the connection of jazz to the blues, infusing his guitar with a soulful, hard bop edge. Recorded in 1967 and 1968, Blues -- The Common Ground finds Burrell backed by lots of brass and wind instruments for most of the album, hardly his usual setting. But his guitar successfully weaves in and out of songs like "Every Day (I Have the Blues)" and "Burning Spear," blending with the band and creating a pleasant balance. Much of this works thanks to arranger Don Sebesky's tasteful settings. Sebesky seems to have an instinctive grasp of when to sit on the band and when to let it fly loose. There's the late-night, gentle feel of "Angel Eyes," and the more animated setup on the title cut. The only time this doesn't work is on pieces like "The Preacher" and "See See Rider," where the upbeat horns and shrill flutes remind one of a "groovy" soundtrack from a bad '60s movie. It's also interesting to note that the album's unusual song choices, like "Everydays" by Stephen Stills, do find common ground in the blues. There's a beautiful, short solo piece, "Were You There?," and two quartet pieces, "Sausalito Nights" and "Soulful Brothers." Blues -- The Common Ground holds up well, and the 2001 reissue offers Burrell fans a cleaned-up version of this fine album.
https://www.allmusic.com/album/blues-the-common-ground-mw0000015010

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Reseña de Ronnie D. Lankford, Jr.
Cuando se trata de Kenny Burrell, un título como Blues -- The Common Ground dice mucho. Su enfoque siempre tiene en cuenta la conexión del jazz con el blues, infundiendo su guitarra con un toque de bop duro y conmovedor. Grabado en 1967 y 1968, Blues -- The Common Ground encuentra a Burrell respaldado por muchos instrumentos de viento y de metal durante la mayor parte del álbum, difícilmente su escenario habitual. Pero su guitarra se entreteje con éxito en canciones como "Every Day (I Have the Blues)" y "Burning Spear", mezclándose con la banda y creando un agradable equilibrio. Mucho de esto funciona gracias a los arreglos de buen gusto del arreglista Don Sebesky. Sebesky parece tener una comprensión instintiva de cuándo sentarse en la banda y cuándo dejarla volar libremente. Está la sensación de "Ojos de Ángel", y la configuración más animada en el corte del título. La única vez que esto no funciona es en piezas como "The Preacher" y "See See Rider", donde los animados cuernos y las estridentes flautas recuerdan una banda sonora "groovy" de una mala película de los 60. También es interesante notar que las inusuales elecciones de canciones del álbum, como "Everydays" de Stephen Stills, encuentran un terreno común en el blues. Hay una hermosa y corta pieza solista, "Were You There?", y dos piezas para cuarteto, "Sausalito Nights" y "Soulful Brothers". Blues -- The Common Ground se mantiene bien, y la reedición de 2001 ofrece a los fans de Burrell una versión depurada de este fino álbum.
https://www.allmusic.com/album/blues-the-common-ground-mw0000015010

 

 

  

Kenny Burrell • Jazz For A Lazy Day

One of the leading exponents of straight-ahead jazz guitar, Kenny Burrell is a highly influential artist whose understated and melodic style, grounded in bebop and blues, made him in an in-demand sideman from the mid-'50s onward and a standard by which many jazz guitarists gauge themselves to this day. Born in Detroit in 1931, Burrell grew up in a musical family in which his mother played piano and sang in the Second Baptist Church choir and his father favored the banjo and ukulele. Burrell began playing guitar at age 12 and quickly fell under the influence of such artists as Charlie Christian, Django Reinhardt, Oscar Moore, T-Bone Walker, and Muddy Waters. Surrounded by the vibrant jazz and blues scene of Detroit, Burrell began to play gigs around town and counted among his friends and bandmates pianist Tommy Flanagan, saxophonists Pepper Adams and Yusef Lateef, drummer Elvin Jones, and others. In 1951, Burrell made his recording debut on a combo session that featured trumpeter Dizzy Gillespie as well as saxophonist John Coltrane, vibraphonist Milt Jackson, and bassist Percy Heath. Although his talent ranked among the best of the professional jazz players at the time, Burrell continued to study privately with renowned classical guitarist Joe Fava and enrolled in the music program at Wayne State University. Upon graduating in 1955 with a B.A. in music composition and theory, Burrell was hired for a six-month stint touring with pianist Oscar Peterson's trio. Then, in 1956, Burrell and Flanagan moved to New York City and immediately became two of the most sought-after sidemen in town, performing on gigs with such luminaries as singers Tony Bennett and Lena Horne, playing in Broadway pit orchestras, as well as recording with an array of legendary musicians including Coltrane, trumpeter Kenny Dorham, organist Jimmy Smith, vocalist Billie Holiday, and many others. Burrell made his recorded debut as a leader on the 1956 Blue Note session Introducing Kenny Burrell -- technically his second session for the label, but the first to see release. From the late '50s onward, Burrell continued to record by himself and with others, and has appeared on countless albums over the years including such notable albums as 1957's The Cats featuring Coltrane, 1963's Midnight Blue featuring saxophonist Stanley Turrentine, 1965's Guitar Forms with arrangements by Gil Evans, and 1968's Blues -- The Common Ground. Beginning in 1971, Burrell started leading various college seminars including the first regular course to be held in the United States on the music of composer, pianist, and bandleader Duke Ellington. He continued performing, recording, and teaching throughout the '80s and '90s, releasing several albums including 1989's Guiding Spirit, 1991's Sunup to Sundown, 1994's Collaboration with pianist LaMont Johnson, 1995's Primal Blue, and 1998's church music-inspired Love Is the Answer. In 2001, Burrell released the relaxed quartet date A Lucky So and So on Concord and followed it up in 2003 with Blue Muse. He celebrated turning 75 years old in 2006 by recording a live date, released a year later as 75th Birthday Bash Live! In 2010, Burrell released the live album Be Yourself: Live at Dizzy's Club Coca-Cola, recorded at Lincoln Center's smaller club-like venue, followed two years later by Special Requests (And Other Favorites): Live at Catalina's. In 2015, Burrell released The Road to Love, recorded live at Catalina's Jazz Club in Hollywood. Besides continuing to perform, Burrell is the founder and director of the Jazz Studies Program at UCLA as well as president emeritus of the Jazz Heritage Foundation

 

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Kenny Burrell, uno de los principales exponentes de la guitarra de jazz directa, es un artista muy influyente cuyo estilo discreto y melódico, basado en el bebop y el blues, le convirtió en un acompañante muy solicitado desde mediados de los años 50 y en un referente para muchos guitarristas de jazz hasta el día de hoy. Nacido en Detroit en 1931, Burrell creció en una familia musical en la que su madre tocaba el piano y cantaba en el coro de la Segunda Iglesia Bautista, y su padre tocaba el banjo y el ukelele. Burrell comenzó a tocar la guitarra a los 12 años y rápidamente cayó bajo la influencia de artistas como Charlie Christian, Django Reinhardt, Oscar Moore, T-Bone Walker y Muddy Waters. Rodeado por la vibrante escena del jazz y el blues de Detroit, Burrell empezó a dar conciertos por la ciudad y contaba entre sus amigos y compañeros de banda con el pianista Tommy Flanagan, los saxofonistas Pepper Adams y Yusef Lateef, el batería Elvin Jones y otros. En 1951, Burrell hizo su debut discográfico en una sesión de combo en la que participaron el trompetista Dizzy Gillespie, así como el saxofonista John Coltrane, el vibrafonista Milt Jackson y el bajista Percy Heath. A pesar de que su talento se situaba entre los mejores intérpretes profesionales de jazz de la época, Burrell siguió estudiando en privado con el renombrado guitarrista clásico Joe Fava y se matriculó en el programa de música de la Wayne State University. Al graduarse en 1955 con una licenciatura en composición y teoría musical, Burrell fue contratado para una gira de seis meses con el trío del pianista Oscar Peterson. Después, en 1956, Burrell y Flanagan se trasladaron a Nueva York e inmediatamente se convirtieron en dos de los acompañantes más solicitados de la ciudad, actuando en conciertos con luminarias como los cantantes Tony Bennett y Lena Horne, tocando en las orquestas del foso de Broadway, así como grabando con una serie de músicos legendarios como Coltrane, el trompetista Kenny Dorham, el organista Jimmy Smith, la vocalista Billie Holiday y muchos otros. Burrell hizo su debut como líder en la sesión de Blue Note de 1956 Introducing Kenny Burrell, técnicamente su segunda sesión para el sello, pero la primera que se publicó. A partir de finales de los años 50, Burrell continuó grabando por sí mismo y con otros, y ha aparecido en innumerables álbumes a lo largo de los años, incluyendo álbumes tan notables como The Cats de 1957 con Coltrane, Midnight Blue de 1963 con el saxofonista Stanley Turrentine, Guitar Forms de 1965 con arreglos de Gil Evans, y Blues -- The Common Ground de 1968. A partir de 1971, Burrell comenzó a dirigir varios seminarios universitarios, incluido el primer curso regular que se celebró en Estados Unidos sobre la música del compositor, pianista y director de orquesta Duke Ellington. Siguió actuando, grabando y enseñando durante los años 80 y 90, y publicó varios álbumes, como Guiding Spirit (1989), Sunup to Sundown (1991), Collaboration (1994) con el pianista LaMont Johnson, Primal Blue (1995) y Love Is the Answer (1998), inspirado en la música religiosa. En 2001, Burrell publicó en Concord el relajado cuarteto A Lucky So and So, al que siguió en 2003 Blue Muse. ¡En 2006 celebró su 75º aniversario grabando una fecha en directo, que se publicó un año después como 75th Birthday Bash Live! En 2010, Burrell publicó el álbum en directo Be Yourself: Live at Dizzy's Club Coca-Cola, grabado en el local más pequeño del Lincoln Center, seguido dos años después por Special Requests (And Other Favorites): Live at Catalina's. En 2015, Burrell publicó The Road to Love, grabado en directo en el Catalina's Jazz Club de Hollywood. Además de seguir actuando, Burrell es el fundador y director del Programa de Estudios de Jazz de la UCLA, así como presidente emérito de la Jazz Heritage Foundation

Herbie Mann • Herbie Mann and Fire Island

Whenever a jazz artist embraces more commercial music, he/she is bound to be lambasted by purists in the jazz press. Herbie Mann was no exception -- when he tried to sell more records by embracing commercial funk, soul and disco in the mid- to late 1970s, the flutist was denounced as a sellout by many jazz critics and received one scathing review after another from them. One of the albums that was attacked the most was Herbie Mann and Fire Island, an overtly commercial, club-minded disco/soul LP. Because this release has nothing to do with jazz, it's silly to judge it by jazz standards -- although many jazz critics of the late 1970s did exactly that. Instead, one must judge Herbie Mann and Fire Island by disco/soul standards, and when those standards are applied, it's clear that the album is generally likable, if unspectacular and uneven. Although Mann produced the LP, most of the writing was done by the vocal trio Fire Island (which consists of Carmine Calabro, Jr. Googie Coppola, and Arnold McCuller). The best track is the dreamy yet funky "Welcome Sunrise," which brings to mind the R&B that Roy Ayers was providing at the time. Lush disco numbers like "Summer Strut" and "Rhythmatism" are fairly catchy, although not breathtaking. Herbie Mann and Fire Island isn't the atrocity that many jazz critics described it as being -- however, it isn't one of Mann's more memorable commercial projects either.

 

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Cada vez que un artista de jazz adopta una música más comercial, está destinado a ser atacado por los puristas de la prensa de jazz. Herbie Mann no fue una excepción: cuando trató de vender más discos adoptando el funk, el soul y la música disco comerciales a mediados y finales de la década de 1970, el flautista fue denunciado como un vendido por muchos críticos de jazz y recibió una crítica mordaz tras otra. Uno de los álbumes más atacados fue Herbie Mann and Fire Island, un LP de disco/soul abiertamente comercial y orientado a los clubes. Dado que este disco no tiene nada que ver con el jazz, es una tontería juzgarlo según los estándares del jazz, aunque muchos críticos de jazz de finales de los años 70 hicieron exactamente eso. En cambio, hay que juzgar a Herbie Mann y Fire Island según los estándares del disco/soul, y cuando se aplican esos estándares, está claro que el álbum es en general agradable, aunque poco espectacular y desigual. Aunque Mann produjo el LP, la mayor parte de la composición corrió a cargo del trío vocal Fire Island (formado por Carmine Calabro, Jr. Googie Coppola y Arnold McCuller). El mejor tema es el ensoñador pero funky "Welcome Sunrise", que recuerda al R&B que Roy Ayers proporcionaba en aquella época. Números discotequeros exuberantes como "Summer Strut" y "Rhythmatism" son bastante pegadizos, aunque no impresionantes. Herbie Mann and Fire Island no es la atrocidad que muchos críticos de jazz describen como tal, pero tampoco es uno de los proyectos comerciales más memorables de Mann.