Warne Marsh & Kenny Drew Trio • I Got A Good One For You

 

Herb Geller • European Rebirth. 1962 Paris Sessions

 

Los Angeles native Herb Geller (1928-2017) was an accomplished and respected alto saxophonist who started his professional career in the late 1940s, influenced by Charlie Parker. He recorded with such leaders as Earle Spencer, Claude Thornhill, Stan Kenton, Billy May, Shorty Rogers, Bill Holman, Clifford Brown, Maynard Ferguson, Marty Paich and the whole West Coast clique.

In 1958 his life turned upside down. While on tour with Benny Goodman, he got news that his young wife, pianist Lorraine Geller had died. They had been married and performing together for seven years, and had high hopes for their future jazz careers. Her unexpected death hit Geller hard, and he dug in to forget. He went on two more tours with Benny Goodman, the last of them to South America under the aegis of the U.S. State Department, and upon his return he played many gigs on the West Coast. But sadness lingered.

Finally, Geller decided to find himself, and like Dexter Gordon, Kenny Clarke and a host of other jazz musicians who embraced the expatriate life —he moved to Europe in March 1962. “I wanted to see new things and get away fromit all,” he said. Things started to look up for the 34-years old altoist. He played clubs and concert halls all over Europe— in Paris, East Berlin, Geneva, Monte Carlo, Copenhagen, Stockholm, Rome. “I’m having a ball,” he said. “It’s much more fun than in the States. And I’ve played with some great musicians.”

During the spring and part of the summer of 1962, Herb was residing in Paris, where he performed in concert with groups led by the pianist Henri Renaud. Together, they also recorded music for commercials and short films. He also did radio work with All Star groups organized by fellow pianist Jack Dieval. The excellent recordings compiled here come from this period, and in them we can hear the altoist in his best form. The first examples of Herb Geller’s rebirth, playing with some of the best jazzmen on the French and European scene.
https://www.freshsoundrecords.com/herb-geller-albums/55314-european-rebirth-1962-paris-sessions.html

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Herb Geller (1928-2017), natural de Los Ángeles, fue un consumado y respetado saxofonista alto que comenzó su carrera profesional a finales de los años 40, influenciado por Charlie Parker. Grabó con líderes como Earle Spencer, Claude Thornhill, Stan Kenton, Billy May, Shorty Rogers, Bill Holman, Clifford Brown, Maynard Ferguson, Marty Paich y toda la camarilla de la Costa Oeste.

En 1958 su vida dio un vuelco. Mientras estaba de gira con Benny Goodman, recibió la noticia de que su joven esposa, la pianista Lorraine Geller, había muerto. Llevaban siete años casados y actuando juntos, y tenían grandes esperanzas en sus futuras carreras de jazz. Su inesperada muerte golpeó fuertemente a Geller, que se empeñó en olvidar. Realizó dos giras más con Benny Goodman, la última de ellas a Sudamérica bajo los auspicios del Departamento de Estado de EE.UU., y a su regreso dio muchos conciertos en la Costa Oeste. Pero la tristeza persistía.

Finalmente, Geller decidió encontrarse a sí mismo y, al igual que Dexter Gordon, Kenny Clarke y una serie de otros músicos de jazz que abrazaron la vida de expatriado, se trasladó a Europa en marzo de 1962. "Quería ver cosas nuevas y alejarme de todo", dijo. Las cosas empezaron a mejorar para el contralto de 34 años. Tocó en clubes y salas de concierto de toda Europa: en París, Berlín Oriental, Ginebra, Montecarlo, Copenhague, Estocolmo y Roma. "Me lo paso en grande", dice. "Es mucho más divertido que en Estados Unidos. Y he tocado con grandes músicos".

Durante la primavera y parte del verano de 1962, Herb residió en París, donde actuó en concierto con grupos dirigidos por el pianista Henri Renaud. Juntos, también grabaron música para anuncios y cortometrajes. También realizó trabajos radiofónicos con grupos All Star organizados por el también pianista Jack Dieval. Las excelentes grabaciones aquí recopiladas proceden de este periodo, y en ellas podemos escuchar al contralto en su mejor forma. Los primeros ejemplos del renacimiento de Herb Geller, tocando con algunos de los mejores jazzistas de la escena francesa y europea.
https://www.freshsoundrecords.com/herb-geller-albums/55314-european-rebirth-1962-paris-sessions.html


https://www.freshsoundrecords.com/herb-geller-albums/55314-european-rebirth-1962-paris-sessions.html

Sahib Shihab • Sentiments

 

Review by Ken Dryden
Like many Americans who opt to live and work in Europe, the recorded legacy of multi-reed player Sahib Shihab tends to be overlooked by fans in his native land. Sentiments pairs recordings he made for two separate albums between 1965 and 1971. On the 1971 session, he's accompanied by fellow expatriate Kenny Drew, bassist Niels-Henning Ørsted Pedersen, and drummer Jimmy Hopps. Most of the compositions are by the leader, starting with the exotic blend of hard bop and African rhythm, featuring Shihab's dancing soprano sax and Pedersen's bass solo. Drew switches to organ and Pedersen makes a relatively rare appearance on electric bass on the funky "Sentiments." The leader switches to baritone sax for Drew's exuberant ballad "Extase." The 1965 sessions feature Shihab as a guest with the Danish Radio Jazz Group, playing six of his originals. "Di-Da" is a catchy hard bop tune in which one note is repeatedly echoed by members of the group, though the pattern disappears as he launches his powerful baritone sax. The moody "Tenth Lament" and the perky "Harvey's Tune" are also highlights, with Shihab switching to flute for the latter piece. The supporting cast has a number of top European musicians, including Niels Pedersen, pianist Bent Axen, trumpeters Palle Mikkelborg and Allan Botschinsky, and drummer Alex Riel.
https://www.allmusic.com/album/sentiments-mw0000206402

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Reseña de Ken Dryden
Al igual que muchos estadounidenses que optan por vivir y trabajar en Europa, el legado discográfico del multirepetidor Sahib Shihab tiende a ser pasado por alto por los aficionados de su tierra natal. Sentiments reúne grabaciones que realizó para dos álbumes distintos entre 1965 y 1971. En la sesión de 1971, le acompañan su compatriota Kenny Drew, el bajista Niels-Henning Ørsted Pedersen y el batería Jimmy Hopps. La mayoría de las composiciones son del líder, empezando por la exótica mezcla de hard bop y ritmo africano, con el saxo soprano danzante de Shihab y el solo de bajo de Pedersen. Drew cambia al órgano y Pedersen hace una aparición relativamente rara con el bajo eléctrico en la funky «Sentiments». El líder cambia al saxo barítono para la exuberante balada de Drew «Extase». Las sesiones de 1965 presentan a Shihab como invitado con el Danish Radio Jazz Group, tocando seis de sus originales. «Di-Da» es un pegadizo tema de hard bop en el que una nota es repetidamente repetida por los miembros del grupo, aunque el patrón desaparece cuando él lanza su poderoso saxo barítono. El malhumorado «Tenth Lament» y la alegre «Harvey's Tune» son también temas destacados, con Shihab cambiando a la flauta para esta última pieza. El elenco de acompañantes cuenta con músicos europeos de primera fila, como Niels Pedersen, el pianista Bent Axen, los trompetistas Palle Mikkelborg y Allan Botschinsky, y el batería Alex Riel.
https://www.allmusic.com/album/sentiments-mw0000206402

VA • Jazz Classics

 

Dexter Gordon • Jazz At Highschool

 

Review by Ken Dryden
Dexter Gordon is represented by a large discography, though the late '60s are little documented. The discovery of this previously unissued radio broadcast from 1969 is a real treasure, as the tenor saxophonist is in superb form, accompanied by some of his favorite musicians: pianist Kenny Drew, bassist Niels-Henning Ørsted Pedersen, and drummer Albert "Tootie" Heath. He revisits "Soy Califa," an original written for a Blue Note session earlier in the decade; this hard bop vehicle opens the show with a flourish. Gordon and Drew share the spotlight in a sensitive treatment of "The Shadow of Your Smile." His loping blues "Society Red" features Pedersen's incredible solo work, while "The Blues Up and Down" (co-written by fellow tenor saxophonists Sonny Stitt and Gene Ammons) works perfectly well for Gordon without a sparring partner on his instrument. Beautifully recorded with excellent balance between the musicians and an attentive, respectful audience, it should be considered a mandatory purchase for hard bop fans.
https://www.allmusic.com/album/jazz-at-highschool-mw0000206403

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Reseña de Ken Dryden
Dexter Gordon está representado por una amplia discografía, aunque los últimos años de la década de los 60 están poco documentados. El descubrimiento de esta emisión radiofónica inédita de 1969 es un verdadero tesoro, ya que el saxofonista tenor está en magnífica forma, acompañado por algunos de sus músicos favoritos: el pianista Kenny Drew, el bajista Niels-Henning Ørsted Pedersen y el batería Albert «Tootie» Heath. Vuelve a tocar «Soy Califa», un original escrito para una sesión de Blue Note a principios de la década; este vehículo de hard bop abre el espectáculo con una floritura. Gordon y Drew comparten el protagonismo en un sensible tratamiento de «The Shadow of Your Smile». Su flojo blues «Society Red» cuenta con el increíble trabajo en solitario de Pedersen, mientras que «The Blues Up and Down» (co-escrito por sus compañeros saxofonistas tenores Sonny Stitt y Gene Ammons) funciona perfectamente bien para Gordon sin un sparring en su instrumento. Magníficamente grabado, con un excelente equilibrio entre los músicos y un público atento y respetuoso, debería considerarse una compra obligatoria para los aficionados al hard bop.
https://www.allmusic.com/album/jazz-at-highschool-mw0000206403

Kenny Drew & Hank Jones Great Jazz Trio • New York Stories

 

Kenny Drew Trio • Swingin' Love

Grant Green • Sunday Morning

 

Artist Biography by Michael Erlewine

A severely underrated player during his lifetime, Grant Green is one of the great unsung heroes of jazz guitar. He combined an extensive foundation in R&B with a mastery of bebop and simplicity that put expressiveness ahead of technical expertise. Green was a superb blues interpreter, and while his later material was predominantly blues and R&B, he was also a wondrous ballad and standards soloist. He was a particular admirer of Charlie Parker, and his phrasing often reflected it.

Grant Green was born in St. Louis in 1935 (although many records during his lifetime incorrectly listed 1931). He learned his instrument in grade school from his guitar-playing father, and was playing professionally by the age of thirteen with a gospel group. He worked gigs in his home town and in East St. Louis, Illinois -- playing in the '50s with Jimmy Forrest, Harry Edison, and Lou Donaldson -- until he moved to New York in 1960 at the suggestion of Donaldson. Green told Dan Morgenstern in a Down Beat interview: "The first thing I learned to play was boogie-woogie. Then I had to do a lot of rock & roll. It's all blues, anyhow."

During the early '60s, both his fluid, tasteful playing in organ/guitar/drum combos and his other dates for Blue Note established Green as a star, though he seldom got the critical respect given other players. He collaborated with many organists, among them Brother Jack McDuff, Sam Lazar, Baby Face Willette, Gloria Coleman, Big John Patton, and Larry Young. He was off the scene for a bit in the mid-'60s, but came back strong in the late '60s and '70s. Green played with Stanley Turrentine, Dave Bailey, Yusef Lateef, Joe Henderson, Hank Mobley, Herbie Hancock, McCoy Tyner, and Elvin Jones.

Sadly, drug problems interrupted his career in the '60s, and undoubtedly contributed to the illness he suffered in the late '70s. Green was hospitalized in 1978 and died a year later. Despite some rather uneven LPs near the end of his career, the great body of his work represents marvelous soul-jazz, bebop, and blues.

Although he mentions Charlie Christian and Jimmy Raney as influences, Green always claimed he listened to horn players (Charlie Parker and Miles Davis) and not other guitar players, and it shows. No other player has this kind of single-note linearity (he avoids chordal playing). There is very little of the intellectual element in Green's playing, and his technique is always at the service of his music. And it is music, plain and simple, that makes Green unique.

Green's playing is immediately recognizable -- perhaps more than any other guitarist. Green has been almost systematically ignored by jazz buffs with a bent to the cool side, and he has only recently begun to be appreciated for his incredible musicality. Perhaps no guitarist has ever handled standards and ballads with the brilliance of Grant Green. Mosaic, the nation's premier jazz reissue label, issued a wonderful collection The Complete Blue Note Recordings with Sonny Clark, featuring prime early '60s Green albums plus unissued tracks. Some of the finest examples of Green's work can be found there.

https://www.allmusic.com/artist/grant-green-mn0000738855/biography

Artist Biography

Green was born on June 6, 1931 in St. Louis, Missouri. He first performed in a professional setting at the age of 13. His early influences were Charlie Christian and Charlie Parker; however, he played extensive R & B gigs in his home town and in East Saint Louis, IL while developing his jazz chops. His first recordings in St. Louis were with tenor saxophonist Jimmy Forrest for the Delmark label. Lou Donaldson discovered green playing in a bar in St. Louis. After touring together with Donaldson, Green arrived in New York around 1959-60. In a Down Beat interview from the early 60's, Green said “The first thing I learned to play was boogie-woogie. Then I had to do a lot of rock and roll. It's all blues, anyhow.”

Lou Donaldson introduced Green to Alfred Lion of Blue Note Records. Lion was so impressed that, rather than testing Green as a sideman, as was the usual Blue Note practice, he arranged for him to record as a bandleader first. This recording relationship was to last, with a few exceptions, throughout the 'sixties. From 1961 to 1965 Green made more Blue Note LPs as leader and sideman than anyone else. Green was named best new star in the Down Beat critics' poll, 1962. As a result, his influence spread wider than New York. Green's first session as a leader did not meet the approval of Lion and was shelved, not to be released until 2002 as First Session. Green's first issued album as a leader was Grant's First Stand. This was followed in the same year by two more Blue Note releases: Green Street and Grantstand. He often provided support to many of other great musicians on Blue Note. These included saxophonists Hank Mobley, Ike Quebec, Stanley Turrentine and Harold Vick, as well as organists Larry Young and Big John Patton.

Sunday Mornin' , The Latin Bit and Feelin' the Spirit are all loose concept albums, each taking a musical theme or style: Gospel, Latin and spirituals respectively. Green always carried off his more commercial dates with artistic success during this period. Idle Moments (1963), featuring Joe Henderson and Bobby Hutcherson, and Solid (1964) are acclaimed as two of Green's best recordings. Many of Green's Blue Note recordings, including a series of sessions with pianist Sonny Clark were not released during his lifetime. In 1966 Green left Blue Note and recorded for several other labels, including Verve. From 1967 to 1969 Grant was inactive due to personal problems. In 1969 Green, having relocated to Detroit, returned with a new funk-influenced band. His recordings from this period include the commercially successful Green is Beautiful and Live at the Lighthouse. Grant left Blue Note again in 1974 and once again recorded sporadically for different labels.

Green spent much of 1978 in hospital and, against the advice of doctors, went back on the road. While in New York to play an engagement at George Benson's Breezin' Lounge, Green collapsed in his car of a heart attack on January 31, 1979. He was buried in his hometown of St. Louis, Missouri, and was survived by six children.

https://musicians.allaboutjazz.com/grantgreen

 

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Biografía del artista por Michael Erlewine

Un jugador severamente subestimado durante su vida, Grant Green es uno de los grandes héroes anónimos de la guitarra de jazz. Combinó una amplia base en R&B con un dominio del bebop y la simplicidad que puso la expresividad por encima de la experiencia técnica. Green fue un magnífico intérprete de blues, y aunque su material posterior fue predominantemente blues y R&B, también fue un maravilloso solista de balada y estándares. Era un admirador particular de Charlie Parker, y su fraseo a menudo lo reflejaba.

Grant Green nació en St. Louis en 1935 (aunque muchos registros durante su vida mencionan incorrectamente 1931). Aprendió su instrumento en la escuela primaria de su padre guitarrista, y tocaba profesionalmente a la edad de trece años con un grupo de gospel. Trabajó en conciertos en su ciudad natal y en East St. Louis, Illinois -- tocando en los años 50 con Jimmy Forrest, Harry Edison y Lou Donaldson -- hasta que se mudó a Nueva York en 1960 por sugerencia de Donaldson. Green le dijo a Dan Morgenstern en una entrevista con Down Beat: "Lo primero que aprendí a tocar fue el boogie-boogie. Entonces tuve que hacer mucho rock & roll. Todo es blues, de todos modos."

A principios de los años 60, tanto su fluida y sabrosa interpretación en combos de órgano/guitarra/batería como sus otras fechas para Blue Note establecieron a Green como una estrella, aunque rara vez obtuvo el respeto de la crítica dado a otros músicos. Colaboró con muchos organistas, entre ellos Jack McDuff, Sam Lazar, Baby Face Willette, Gloria Coleman, Big John Patton y Larry Young. Estuvo fuera de escena por un tiempo a mediados de los 60, pero regresó con fuerza a finales de los 60 y 70. Green tocó con Stanley Turrentine, Dave Bailey, Yusef Lateef, Joe Henderson, Hank Mobley, Herbie Hancock, McCoy Tyner y Elvin Jones.

Lamentablemente, los problemas de drogas interrumpieron su carrera en los años 60, y sin duda contribuyeron a la enfermedad que sufrió a finales de los 70. Green fue hospitalizado en 1978 y murió un año después. A pesar de algunos LPs bastante desiguales cerca del final de su carrera, el gran cuerpo de su obra representa un maravilloso soul-jazz, bebop y blues.

Aunque menciona a Charlie Christian y Jimmy Raney como influencias, Green siempre dijo que escuchaba a los trompetistas (Charlie Parker y Miles Davis) y no a otros guitarristas, y se nota. Ningún otro jugador tiene este tipo de linealidad de nota única (evita tocar los acordes). Hay muy poco del elemento intelectual en el toque de Green, y su técnica está siempre al servicio de su música. Y es la música, simple y llanamente, lo que hace que Green sea único.

El toque de Green es inmediatamente reconocible, quizás más que cualquier otro guitarrista. El verde ha sido casi sistemáticamente ignorado por los aficionados al jazz con una inclinación hacia el lado frío, y sólo recientemente ha empezado a ser apreciado por su increíble musicalidad. Quizás ningún guitarrista ha manejado nunca los estándares y baladas con la brillantez de Grant Green. Mosaic, el sello de reedición de jazz más importante del país, publicó una maravillosa colección The Complete Blue Note Recordings con Sonny Clark, que incluye álbumes de los primeros años de la década de los'60, además de temas no publicados. Algunos de los mejores ejemplos del trabajo de Green se pueden encontrar allí.

https://www.allmusic.com/artist/grant-green-mn0000738855/biography

Biografía del artista

Green nació el 6 de junio de 1931 en St. Louis, Missouri. Se presentó por primera vez en un ambiente profesional a la edad de 13. Sus primeras influencias fueron Charlie Christian y Charlie Parker; sin embargo, tocó en extensos conciertos de R & B en su ciudad natal y en East Saint Louis, IL, mientras desarrollaba sus habilidades de jazz. Sus primeras grabaciones en St. Louis fueron con el saxofonista tenor Jimmy Forrest para el sello Delmark. Lou Donaldson descubrió el verde jugando en un bar de St. Louis. Después de viajar con Donaldson, Green llegó a Nueva York alrededor de 1959-60. En una entrevista de Down Beat de principios de los 60, Green dijo: "Lo primero que aprendí a tocar fue el boogie-woogie. Luego tuve que hacer mucho rock and roll. Todo es blues, de todos modos."

Lou Donaldson presentó a Green a Alfred Lion de Blue Note Records. Lion quedó tan impresionado que, en lugar de probar a Green como sideman, como era la práctica habitual de Blue Note, se las arregló para que grabara primero como líder de banda. Esta relación de grabación iba a durar, con algunas excepciones, a lo largo de los años sesenta. De 1961 a 1965 Green hizo más LPs de Blue Note como líder y sideman que cualquier otro. Green fue nombrada mejor nueva estrella en la encuesta de los críticos de Down Beat de 1962. Como resultado, su influencia se extendió más allá de Nueva York. La primera sesión de Green como líder no contó con la aprobación del León y fue archivada, por lo que no fue lanzada hasta 2002 como Primera Sesión. El primer álbum que publicó Green como líder fue "Grant's First Stand". Esto fue seguido en el mismo año por otras dos versiones de Blue Note: Green Street y Grantstand. A menudo proporcionó apoyo a muchos otros grandes músicos en Blue Note. Entre ellos se encontraban los saxofonistas Hank Mobley, Ike Quebec, Stanley Turrentine y Harold Vick, así como los organistas Larry Young y Big John Patton.

The Latin Bit y Feelin' the Spirit son álbumes de concepto sueltos, cada uno con un tema o estilo musical: Evangelio, latín y espirituales respectivamente. Green siempre se llevó sus citas más comerciales con éxito artístico durante este periodo. Idle Moments (1963), con Joe Henderson y Bobby Hutcherson, y Solid (1964) son aclamados como dos de las mejores grabaciones de Green. Muchas de las grabaciones de Blue Note de Green, incluyendo una serie de sesiones con el pianista Sonny Clark no fueron lanzadas durante su vida. En 1966 Green dejó Blue Note y grabó para varios otros sellos, entre ellos Verve. De 1967 a 1969 Grant estuvo inactivo debido a problemas personales. En 1969 Green, después de haberse mudado a Detroit, regresó con una nueva banda influenciada por la música funk. Sus grabaciones de este período incluyen el comercialmente exitoso Green is Beautiful y Live at the Lighthouse. Grant dejó Blue Note de nuevo en 1974 y grabó esporádicamente para diferentes sellos.

Green pasó gran parte de 1978 en el hospital y, en contra de los consejos de los médicos, volvió a la carretera. Mientras estaba en Nueva York para tocar en el Breezin' Lounge de George Benson, Green se desplomó en su coche de un ataque al corazón el 31 de enero de 1979. Fue enterrado en su ciudad natal de St. Louis, Missouri, y le sobrevivieron seis hijos.

https://musicians.allaboutjazz.com/grantgreen

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

 

 

 

Dexter Gordon • One Flight Up

 

Review
by Michael G. Nastos  
When he expatriated to Scandinavia just before this session in Paris was recorded, Dexter Gordon said he was liberated in many ways, as a jazz musician and as a human being. This is reflected in the lengthy track on this album, a testament to that newly found freedom, addressing the restrictions the American music scene placed on artists to do the two- to three-minute hit. With the nearly 18-minute "Tanya" and the 11-minute "Coppin' the Haven," Gordon and his quintet, featuring trumpeter Donald Byrd, were able to jam at length with no thought of being edited, and they fully prolong their instrumental remarks in a way few other musicians -- jazz or otherwise -- would allow themselves. Yes, it would be difficult to hear these tracks on the radio, but the tradeoff was a listening experience for their fans that would also showcase a rare commodity in the lexicon of their style of post-bop mainstream jazz -- consistency. The simple, sweet, and lightly swinging "Tanya" has become a classic song, and it is a staple in most saxophonists' diets, even though the supportive chord structures from pianist Kenny Drew and Byrd's up-front brass are more attractive or noticeable than Gordon's bluesy tenor. Memorable for many reasons, Drew's brilliant composition "Coppin' the Haven" is textbook modern jazz, a modal minor-key delight as Byrd again dominates with a shining, gliding melody tacked on to an easy swing that exemplifies the song form for jazz in its best sense. Gordon steps up apart from the trumpeter on the great ballad "Darn That Dream," and is at his best, wringing every regretful emotion out of his horn as only he can. The CD version contains the bonus track "Kong Neptune" sans Byrd, a good swinger that cops from no other influences, merging the mythical strengths of the two creatures in its title via Gordon's muscular, lithe, and athletic on-land and at-sea horn. At around 47 substantive minutes of music, One Flight Up stands as a testament to Dexter Gordon's viability as a bandleader and teammate, while his individualism is somewhat sublimated. It's a good listen to digest all the way through, especially if you are as patient as the performers, who have a lot to say.}
https://www.allmusic.com/album/one-flight-up-mw0000199303

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Reseña
por Michael G. Nastos  
Cuando se expatrió a Escandinavia justo antes de que se grabara esta sesión en París, Dexter Gordon dijo que se había liberado en muchos sentidos, como músico de jazz y como ser humano. Esto se refleja en el largo tema de este álbum, testimonio de esa libertad recién encontrada, que aborda las restricciones que la escena musical estadounidense imponía a los artistas para hacer el hit de dos o tres minutos. Con "Tanya", de casi 18 minutos, y "Coppin' the Haven", de 11 minutos, Gordon y su quinteto, en el que destaca el trompetista Donald Byrd, pudieron improvisar sin pensar en ser editados, y prolongaron al máximo sus comentarios instrumentales de una forma que pocos músicos, de jazz o no, se permitirían. Sí, sería difícil escuchar estos temas en la radio, pero la compensación era una experiencia auditiva para sus fans que también mostraría un bien raro en el léxico de su estilo de jazz post-bop mainstream: la consistencia. La sencilla, dulce y ligeramente oscilante "Tanya" se ha convertido en una canción clásica, y es un elemento básico en la dieta de la mayoría de los saxofonistas, a pesar de que las estructuras de acordes de apoyo del pianista Kenny Drew y los metales de Byrd son más atractivos o notables que el tenor bluesy de Gordon. Memorable por muchas razones, la brillante composición de Drew "Coppin' the Haven" es jazz moderno de manual, una delicia modal en clave menor en la que Byrd domina de nuevo con una melodía brillante y deslizante unida a un swing fácil que ejemplifica la forma de canción para el jazz en su mejor sentido. Gordon se separa del trompetista en la gran balada "Darn That Dream", y está en su mejor momento, exprimiendo cada emoción lamentosa de su trompa como sólo él puede hacerlo. La versión en CD contiene el tema extra "Kong Neptune" sin Byrd, un buen swinger que no bebe de otras influencias, fusionando las fuerzas míticas de las dos criaturas de su título a través de la musculosa, ágil y atlética trompa de Gordon en tierra y mar. Con unos 47 sustanciosos minutos de música, One Flight Up se erige como un testamento de la viabilidad de Dexter Gordon como líder de banda y compañero de equipo, mientras su individualismo queda algo sublimado. Es una buena escucha para digerir hasta el final, especialmente si se es tan paciente como los intérpretes, que tienen mucho que decir.}
https://www.allmusic.com/album/one-flight-up-mw0000199303

Warne Marsh • Marshlands

 

Review
by Scott Yanow
The music on this collection is consistently brilliant, but all of the 13 performances are easily available elsewhere on seven Warne Marsh Storyville CDs. The cool-toned and always adventurous tenor saxophonist is heard in two different quintets with altoist Lee Konitz, playing trio numbers with bassist Niels Pedersen and drummer Alan Levitt, performing duets with bassist Red Mitchell, and jamming with the Kenny Drew Trio. The music, taken from Marsh's visits to Copenhagen in 1975 and 1980, features Marsh jamming over familiar chord changes and effortlessly coming up with one fresh melodic idea after another. He was in prime form during this period and is quite inspired throughout, making this set a fine introduction to his playing, although veteran fans will want the complete sessions.
https://www.allmusic.com/album/marshlands-mw0000036436

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Reseña
por Scott Yanow
La música de esta colección es consistentemente brillante, pero las 13 interpretaciones están fácilmente disponibles en siete CDs de Warne Marsh Storyville. Se escucha al saxofonista tenor de tono fresco y siempre aventurero en dos quintetos diferentes con el contralto Lee Konitz, tocando números en trío con el bajista Niels Pedersen y el batería Alan Levitt, haciendo dúos con el bajista Red Mitchell, e improvisando con el Kenny Drew Trio. La música, tomada de las visitas de Marsh a Copenhague en 1975 y 1980, muestra a Marsh improvisando sobre cambios de acordes familiares y proponiendo sin esfuerzo una idea melódica fresca tras otra. Marsh estaba en plena forma durante este período y está muy inspirado en todo momento, por lo que este disco es una buena introducción a su forma de tocar, aunque los fans veteranos querrán las sesiones completas.
https://www.allmusic.com/album/marshlands-mw0000036436

Ben Webster • Atmosphere for Lovers and Thieves

 

Ben Webster was considered one of the “big three” of swing tenors along with Coleman Hawkins (his main influence) and Lester Young. He had a tough, raspy, and brutal tone on stomps (with his own distinctive growls) yet on ballads he would turn into a pussy cat and play with warmth and sentiment.

After violin lessons as a child, Webster learned how to play rudimentary piano (his neighbor Pete Johnson taught him to play blues). But after Budd Johnson showed him some basics on the saxophone, Webster played sax in the Young Family Band (which at the time included Lester Young). He had stints with Jap Allen and Blanche Calloway (making his recording debut with the latter) before joining Bennie Moten's Orchestra in time to be one of the stars on a classic session in 1932. Webster spent time with quite a few orchestras in the 1930s (including Andy Kirk, Fletcher Henderson in 1934, Benny Carter, Willie Bryant, Cab Calloway, and the short-lived Teddy Wilson big band).

In 1940 (after short stints in 1935 and 1936), Ben Webster became Duke Ellington's first major tenor soloist. During the next three years he was on many famous recordings, including “Cotton Tail” (which in addition to his memorable solo had a saxophone ensemble arranged by Webster) and “All Too Soon.” After leaving Ellington in 1943 (he would return for a time in 1948-1949), Webster worked on 52nd Street; recorded frequently as both a leader and a sideman; had short periods with Raymond Scott, John Kirby, and Sid Catlett; and toured with Jazz at the Philharmonic during several seasons in the 1950s. Although his sound was considered out-of-style by that decade, Webster's work on ballads became quite popular and Norman Granz recorded him on many memorable sessions.

Webster recorded a classic set with Art Tatum and generally worked steadily, but in 1964 he moved permanently to Copenhagen where he played when he pleased during his last decade. Although not all that flexible, Webster could swing with the best and his tone was a later influence on such diverse players as Archie Shepp, Lew Tabackin, Scott Hamilton, and Bennie Wallace.

https://musicians.allaboutjazz.com/benwebster

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Ben Webster fue considerado uno de los "tres grandes" de los tenores de swing junto con Coleman Hawkins (su principal influencia) y Lester Young. Tenía un tono duro, áspero y brutal en los stomps (con sus propios gruñidos distintivos), pero en las baladas se convertía en un gatito y jugaba con calidez y sentimiento.

Después de las lecciones de violín cuando era niño, Webster aprendió a tocar el piano rudimentario (su vecino Pete Johnson le enseñó a tocar blues). Pero después de que Budd Johnson le enseñó algunos fundamentos del saxofón, Webster tocó el saxofón en la Young Family Band (que en ese momento incluía a Lester Young). Estuvo con Jap Allen y Blanche Calloway (haciendo su debut discográfico con esta última) antes de unirse a la Orquesta de Bennie Moten a tiempo para ser una de las estrellas en una sesión clásica en 1932. Webster pasó tiempo con bastantes orquestas en los años 30 (incluyendo Andy Kirk, Fletcher Henderson en 1934, Benny Carter, Willie Bryant, Cab Calloway, y la efímera big band de Teddy Wilson).

En 1940 (después de breves estancias en 1935 y 1936), Ben Webster se convirtió en el primer gran tenor solista de Duke Ellington. Durante los tres años siguientes participó en muchas grabaciones famosas, incluyendo "Cotton Tail" (que además de su memorable solo tenía un conjunto de saxofones arreglado por Webster) y "All Too Soon". Tras abandonar Ellington en 1943 (volvería por un tiempo en 1948-1949), Webster trabajó en la calle 52; grabó con frecuencia como líder y acompañante; pasó breves períodos con Raymond Scott, John Kirby y Sid Catlett; y realizó giras con Jazz en la Filarmónica durante varias temporadas en la década de 1950. Aunque su sonido se consideraba pasado de moda en esa década, el trabajo de Webster en las baladas se hizo bastante popular y Norman Granz lo grabó en muchas sesiones memorables.

Webster grabó un conjunto clásico con Art Tatum y en general trabajó de forma constante, pero en 1964 se trasladó de forma permanente a Copenhague, donde tocó cuando quiso durante su última década. Aunque no era tan flexible, Webster podía moverse con lo mejor y su tono fue una influencia posterior en jugadores tan diversos como Archie Shepp, Lew Tabackin, Scott Hamilton y Bennie Wallace.

https://musicians.allaboutjazz.com/benwebster

Kenny Drew Trio + 1 • Hush-A-Bye

 

Ben Webster & Kenny Drew Trio • Live In Denmark

 

Ben Webster • Gone With The Wind

 

Nathan Davis • London By Night

 

Biography by Scott Yanow
Nathan Davis split his career between being a fine tenor saxophonist and a jazz educator. He played briefly with Jay McShann in 1955, attended the University of Kansas, spent time in the Army in Berlin (1960-1963), and stayed in Paris where he worked with Kenny Clarke (1963-1969), Eric Dolphy (1964), and Art Taylor. He also toured Europe with Art Blakey (1965) and Ray Charles. Starting in 1969, Davis was a professor of jazz at the University of Pittsburgh and Moorhead State University. His two most important musical associations involved leadership of the Paris Reunion Band (1985-1989) and Roots (which he formed in 1991). After 44 years, Davis retired from the University of Pittsburgh in June 2013. He died of congestive heart failure in Florida in April 2018 at the age of 81.
https://www.allmusic.com/artist/nathan-davis-mn0000377691#biography

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Biografía de Scott Yanow
Nathan Davis dividió su carrera entre ser un excelente saxofonista tenor y un educador de jazz. Tocó brevemente con Jay McShann en 1955, asistió a la Universidad de Kansas, pasó un tiempo en el Ejército en Berlín (1960-1963) y se quedó en París, donde trabajó con Kenny Clarke (1963-1969), Eric Dolphy (1964) y Art Taylor. También realizó una gira por Europa con Art Blakey (1965) y Ray Charles. A partir de 1969, Davis fue profesor de jazz en la Universidad de Pittsburgh y en la Universidad Estatal de Moorhead. Sus dos asociaciones musicales más importantes involucraron el liderazgo de Paris Reunion Band (1985-1989) y Roots (que formó en 1991). Después de 44 años, Davis se retiró de la Universidad de Pittsburgh en junio de 2013. Murió de insuficiencia cardíaca congestiva en Florida en abril de 2018 a la edad de 81 años.
https://www.allmusic.com/artist/nathan-davis-mn0000377691#biography


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Jesper Thilo • Jesper Thilo & The American Stars, Vol. 1

 

Review by Scott Yanow
This excellent sampler features the Zoot Sims-influenced Danish saxophonist Jesper Thilo on previously released performances taken from five LPs recorded during 1980-1987. Thilo is heard in a quintet with flügelhornist Clark Terry and pianist Kenny Drew (their version of Ben Webster's "Did You Call Her Today" is a delight), leading a quartet with Drew and drummer Billy Hart, jamming in a sextet with trumpeter Harry "Sweets" Edison, interacting with pianist Roland Hanna in a quartet, and co-leading a quintet with trombonist Al Grey. In each setting, Thilo holds his own with the better-known Americans, jamming music that falls between swing and bebop. Terry, Edison, and Grey are all fun to hear as usual, since they not only swing hard but are witty improvisers. It would be preferable to have the complete sessions and hopefully they will be reissued on CD eventually, but this sampler will suffice in the meantime, serving as an introduction to the playing of Jesper Thilo.
https://www.allmusic.com/album/jesper-thilo-and-the-american-stars-vol-1-mw0000736368

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Reseña de Scott Yanow
Este excelente muestrario presenta al saxofonista danés Jesper Thilo, influenciado por Zoot Sims, en interpretaciones previamente publicadas extraídas de cinco LPs grabados entre 1980 y 1987. Se escucha a Thilo en un quinteto con el flügelhornista Clark Terry y el pianista Kenny Drew (su versión de "Did You Call Her Today" de Ben Webster es una delicia), liderando un cuarteto con Drew y el baterista Billy Hart, improvisando en un sexteto con el trompetista Harry "Sweets" Edison, interactuando con el pianista Roland Hanna en un cuarteto, y co-liderando un quinteto con el trombonista Al Grey. En todos los casos, Thilo se mantiene a la altura de los estadounidenses más conocidos, tocando música que se sitúa entre el swing y el bebop. Terry, Edison y Grey son divertidos de escuchar como siempre, ya que no sólo hacen swing con fuerza sino que son ingeniosos improvisadores. Sería preferible tener las sesiones completas y ojalá se reediten en CD, pero esta muestra será suficiente mientras tanto, sirviendo de introducción a la forma de tocar de Jesper Thilo.
https://www.allmusic.com/album/jesper-thilo-and-the-american-stars-vol-1-mw0000736368


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VA • Blue Note Hits! Vol 5

 

 

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Kenny Drew Trio • Take the 'A' Train

Niels Henning Ørsted Pedersen • The Bass in the Background

 

Review by Scott Yanow
The death of bassist Niels-Henning Ørsted Pedersen in 2005 when he was one month shy of his 59th birthday was completely unexpected. One of the great bassists to emerge during the '60s, Pedersen could take lightning-fast solos, keeping up with Oscar Peterson during their romps, and yet was a perfect accompanist. He will perhaps be best remembered for his association with Peterson in the '70s and '80s, and for his work in the '60s when he was often part of a rhythm section that accompanied American greats while they made European tours. This sampler of Pedersen's recordings as a sideman for the Danish Storyville label has ten selections from 1962-1968, three from 1972-1978, and one apiece from 1986 and 1992. Pedersen is heard with a who's who of remarkable jazz soloists including Bud Powell (in 1962 when the bassist was just 15), Johnny Griffin, Stuff Smith, Kenny Drew, Ben Webster, Dexter Gordon, Coleman Hawkins, Teddy Wilson, Lee Konitz, Warne Marsh, and Zoot Sims, along with such Europeans as Bent Jaedig, Svend Asmussen, Stéphane Grappelli, Tubby Hayes, and Palle Mikkelborg. The music is primarily straight-ahead and there are some fine solos by Pedersen although the emphasis is more on his playing with groups. The Bass in the Background is a well-conceived set that should whet listeners' appetites to hear many more recordings by this brilliant bassist.
https://www.allmusic.com/album/the-bass-in-the-background-a-great-selection-1962-1992-mw0000643605

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Reseña de Scott Yanow
La muerte del bajista Niels-Henning Ørsted Pedersen en 2005, cuando le faltaba un mes para cumplir 59 años, fue completamente inesperada. Pedersen, uno de los grandes bajistas que surgieron en los años 60, podía hacer solos rapidísimos, siguiendo el ritmo de Oscar Peterson durante sus paseos, y sin embargo era un perfecto acompañante. Tal vez se le recuerde más por su asociación con Peterson en los años 70 y 80, y por su trabajo en los años 60, cuando a menudo formaba parte de la sección rítmica que acompañaba a los grandes americanos cuando hacían giras europeas. Este muestrario de las grabaciones de Pedersen como acompañante para el sello danés Storyville contiene diez selecciones de 1962-1968, tres de 1972-1978 y una de 1986 y 1992. Pedersen se escucha con un "quién es quién" de notables solistas de jazz, como Bud Powell (en 1962, cuando el bajista tenía sólo 15 años), Johnny Griffin, Stuff Smith, Kenny Drew, Ben Webster, Dexter Gordon, Coleman Hawkins, Teddy Wilson, Lee Konitz, Warne Marsh y Zoot Sims, junto con europeos como Bent Jaedig, Svend Asmussen, Stéphane Grappelli, Tubby Hayes y Palle Mikkelborg. La música es principalmente directa y hay algunos buenos solos de Pedersen, aunque el énfasis se pone en su forma de tocar con los grupos. The Bass in the Background es un conjunto bien concebido que debería abrir el apetito de los oyentes para escuchar muchas más grabaciones de este brillante bajista.
https://www.allmusic.com/album/the-bass-in-the-background-a-great-selection-1962-1992-mw0000643605


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Kenny Drew • By Request

 

Kenny Drew was born in New York City in August of 1928. At the age of 5, he began studying classical piano with a private teacher and at 8, gave a recital. This early background is similar to that of Bud Powell, the man who later became his main inspiration as a jazz pianist. After digging Fats Waller, at 12, and then Art Tatum and Teddy Wilson, Drew attended the High School of Music and Art. He was known as a hot boogie woogie player but passed through this phase before graduation.

Kenny's first professional job was as accompanist at Pearl Primus' dance school. At the same time, he was alternating with Walter Bishop Jr. in a neighborhood band that included Sonny Rollins, Jackie McLean and Art Taylor. In this period, he used to hang-out on 52nd Street to listen to Charlie Parker and Powell and began sitting in at various jam sessions around town.

In January of 1950, Drew made his first appearance on record, with Blue Note. Howard McGhee was the leader and the other featured soloists were Brew Moore and J.J. Johnson. One of the six sides released was "I'll Remember April." The label, in addition to stating "Howard McGhee's All Stars", further read, "Introducing Kenny Drew."

Later, in 1953, Kenny made his first album as a leader. Again it was Blue Note who recorded him, this time in a trio with Curly Russell and Art Blakey. But Kenny opted to settle in Los Angeles for the next few years. There in 1955, he formed a quartet with the late Joe Maini, Leroy Vinnegar and Lawrence Marable. The quartet first recorded together in 1955 for Pacific Jazz. In December, Jazz West, a subsidiary of Aladdin Records, brought the quartet as is into Capitol's recording studios for “Talkin' & Walkin'.”

In February of '56, Kenny's band and arrangements were used for another Jazz West release, this one by vocalist Jane Fielding. A month later, Drew, Paul Chambers, John Coltrane and Philly Joe Jones made the great “Chambers' Music” for the same label, which is now reissued on Blue Note.

In early 1957 Kenny made his way back to New York as accompanist for Dinah Washington. That September, he participated in John Coltrane's monumental masterpiece “Blue Train,” but his association with Blue Note did not heat up again until 1960 when he made his own “Undercurrent” as well as Jackie McLean's “Bluesnik,” and “Jackie's Bag,” Kenny Dorham's “Whistle Stop,” Dexter Godon's “Dexter Calling,” Grant Green's “Sunday Mornin'” and a couple of Tina Brooks dates all within the space of a year.

Although Kenny was active on the recording and club scenes in New York and even subbed for Freddie Redd for a while in the successful Off-Broadway run of The Connection, he eventually chose to migrate to Europe. But he again popped up on a classic Blue Note date, Dexter Godon's “One Flight Up,” done in Paris in 1964.

Kenny became a major star in Europe and Japan although his music was sadly neglected at home. He settled in Copenhagen where he ran a publishing company and was the house pianist at the Café Montmartre. He was also the pianist for the Steeplechase label, where he was on countless sessions backing visiting musicians. He left an impressive legacy of recordings both as sideman and leader.

Kenny Drew died on Aug. 4, 1993.
Source: James Nadal

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Kenny Drew nació en Nueva York en agosto de 1928. A los 5 años empezó a estudiar piano clásico con un profesor particular y a los 8 dio un recital. Esta formación temprana es similar a la de Bud Powell, el hombre que más tarde se convertiría en su principal inspiración como pianista de jazz. Tras escuchar a Fats Waller, a los 12 años, y luego a Art Tatum y Teddy Wilson, Drew asistió a la Escuela Superior de Música y Arte. Tenía fama de tocar el boogie woogie, pero pasó por esta fase antes de graduarse.

El primer trabajo profesional de Kenny fue como acompañante en la escuela de baile de Pearl Primus. Al mismo tiempo, alternaba con Walter Bishop Jr. en una banda de barrio que incluía a Sonny Rollins, Jackie McLean y Art Taylor. En esta época, solía frecuentar la calle 52 para escuchar a Charlie Parker y Powell y empezó a participar en varias jam sessions de la ciudad.

En enero de 1950, Drew grabó su primer disco con Blue Note. Howard McGhee era el líder y los otros solistas eran Brew Moore y J.J. Johnson. Una de las seis caras publicadas fue «I'll Remember April». En la etiqueta, además de poner «Howard McGhee's All Stars», se leía «Introducing Kenny Drew».

Más tarde, en 1953, Kenny grabó su primer álbum como líder. De nuevo fue Blue Note quien le grabó, esta vez en un trío con Curly Russell y Art Blakey. Pero Kenny optó por instalarse en Los Ángeles durante los años siguientes. Allí, en 1955, formó un cuarteto con el difunto Joe Maini, Leroy Vinnegar y Lawrence Marable. El cuarteto grabó juntos por primera vez en 1955 para Pacific Jazz. En diciembre, Jazz West, filial de Aladdin Records, llevó al cuarteto tal cual a los estudios de grabación de Capitol para «Talkin“ & Walkin”».

En febrero del 56, la banda y los arreglos de Kenny se utilizaron para otro lanzamiento de Jazz West, éste de la vocalista Jane Fielding. Un mes después, Drew, Paul Chambers, John Coltrane y Philly Joe Jones hicieron el gran «Chambers' Music» para el mismo sello, que ahora se reedita en Blue Note.

A principios de 1957, Kenny regresó a Nueva York como acompañante de Dinah Washington. Ese septiembre participó en la monumental obra maestra de John Coltrane «Blue Train», pero su asociación con Blue Note no volvió a caldearse hasta 1960, cuando grabó su propio «Undercurrent», así como «Bluesnik» de Jackie McLean, y «Jackie's Bag», «Whistle Stop» de Kenny Dorham, «Dexter Calling» de Dexter Godon, «Sunday Mornin'» de Grant Green y un par de fechas de Tina Brooks, todo ello en el espacio de un año.

Aunque Kenny se mantuvo activo en la escena discográfica y de clubes de Nueva York e incluso sustituyó a Freddie Redd durante un tiempo en la exitosa representación de The Connection en Off-Broadway, finalmente optó por emigrar a Europa. Pero volvió a aparecer en una fecha clásica de Blue Note, «One Flight Up» de Dexter Godon, realizada en París en 1964.

Kenny se convirtió en una gran estrella en Europa y Japón, aunque su música fue tristemente olvidada en su país. Se instaló en Copenhague, donde dirigió una editorial y fue pianista del Café Montmartre. También fue pianista del sello Steeplechase, donde participó en innumerables sesiones acompañando a músicos visitantes. Dejó un impresionante legado de grabaciones como músico de acompañamiento y como líder.

Kenny Drew murió el 4 de agosto de 1993.
Fuente: James Nadal