Sonny Rollins • Tour De Force

 

Kenny Drew • Kenny Drew Trio

Art Farmer • Farmer's Market

 

 

Born on Aug. 21, 1928, in Iowa, Farmer was raised in Phoenix, Arizona along with his twin brother Addison. They moved to Los Angeles in 1945 and during the late '40s, Farmer worked with the West Coast based bands of Jay McShann, Johnny Otis, Roy Porter and Benny Carter. He also worked with Wardell Gray and in 1952-'53 he went to Europe on the same Lionel Hampton tour as Clifford Brown, Gigi Gryce and Quincy Jones. Upon his return he decided to settle in New York City and shortly thereafter, he worked with Gryce (1954-'56), Horace Silver (1956-'58) and Gerry Mulligan (1958-'59).

Then, in 1959, he became a co-leader of the Jazztet with Benny Golson, a group that remained together from 1959-'62 and was revived in the early '80s. The Jazztet possibly enjoyed less success than it deserved. The unique combination of Farmer's improvisational talent and leadership combined with Benny Golson's gift for composition and arrangement produced a number of world-class recordings. Apart from Golson, the Jazztet included a young McCoy Tyner and trombonist Curtis Fuller.

Following the first Jazztet, Farmer worked in a quartet format with Jim Hall, which lasted until 1964. In musical terms Farmer's trademarks have always been; carefully built melodic statements, beautifully proportioned solos and a rich and mellow sound. Since the early 60-s Farmer has played the flugelhorn as his primary instrument which has only enhanced the mellowness of his tone. He travelled to Europe in the mid '60s for solo tours and worked with Jimmy Heath at home, before taking a job with the Austrian Radio Orchestra in 1968.

Since then he has toured around the world, often returning home for club dates and recordings. In the 80s he recorded 3 fine albums for Contemporary, Clifford Jordan plays sax on all three. In recent years he has taken up the flumpet, a hybrid blending qualities of the trumpet and flugelhorn.
https://musicians.allaboutjazz.com/artfarmer

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Nacido el 21 de agosto de 1928 en Iowa, Farmer se crió en Phoenix, Arizona, junto con su hermano gemelo Addison. Se trasladaron a Los Ángeles en 1945 y, a finales de los años 40, Farmer trabajó con las bandas de la Costa Oeste de Jay McShann, Johnny Otis, Roy Porter y Benny Carter. También trabajó con Wardell Gray y en 1952-53 fue a Europa en la misma gira de Lionel Hampton que Clifford Brown, Gigi Gryce y Quincy Jones. A su regreso, decidió instalarse en Nueva York y, poco después, trabajó con Gryce (1954-'56), Horace Silver (1956-'58) y Gerry Mulligan (1958-'59).

Luego, en 1959, se convirtió en colíder del Jazztet con Benny Golson, un grupo que permaneció unido desde 1959-'62 y que se recuperó a principios de los 80. El Jazztet posiblemente tuvo menos éxito del que merecía. La combinación única del talento para la improvisación y el liderazgo de Farmer, junto con el don de Benny Golson para la composición y los arreglos, produjo una serie de grabaciones de primera clase. Además de Golson, el Jazztet incluía a un joven McCoy Tyner y al trombonista Curtis Fuller.

Tras el primer Jazztet, Farmer trabajó en formato de cuarteto con Jim Hall, que duró hasta 1964. Desde el punto de vista musical, las marcas de Farmer siempre han sido: declaraciones melódicas cuidadosamente construidas, solos bellamente proporcionados y un sonido rico y suave. Desde principios de los años 60, Farmer ha tocado el flugelhorn como su instrumento principal, lo que no ha hecho más que aumentar la suavidad de su tono. A mediados de los 60 viajó a Europa para hacer giras en solitario y trabajó con Jimmy Heath en su país, antes de aceptar un trabajo en la Orquesta de la Radio Austriaca en 1968.

Desde entonces, ha realizado giras por todo el mundo, volviendo a menudo a su país para participar en clubes y grabaciones. En los años 80 grabó tres excelentes álbumes para Contemporary, en los que Clifford Jordan toca el saxo. En los últimos años se ha dedicado a tocar la flumpet, un híbrido que combina las cualidades de la trompeta y el flugelhorn.
https://musicians.allaboutjazz.com/artfarmer

Sonny Rollins • With The Modern Jazz Quartet

 

Review by Lindsay Planer  
Included here are some of Sonny Rollins' earliest sessions as a bandleader. These are among the fresh and vibrant baker's dozen of selections on Sonny Rollins With the Modern Jazz Quartet (1953). The title is a bit misleading though, since the MJQ -- with John Lewis (piano), Milt Jackson (vibes), Percy Heath (bass), and Kenny Clarke (drums) -- is only accounted for during the first four sides. There is a playful and energetic tone that ricochets from Jackson's fluid vibes, landing firmly in Rollins' musical court. One prime example of this interaction is heard throughout the solos on the opening track, "Stopper." Similarly, "Almost Like Falling in Love" bops, weaves, and swings throughout, with some expressive contributions via Lewis, effectively linking Rollins' and Jackson's solos. "No Moe," which stands as one of the best originals on the disc, also bears their undeniable connection. Another not-to-be-missed reading is the sultry "In a Sentimental Mood." Here, Rollins spirals mature and ethereal lines against Jackson's resonant intonation and shimmer. If just for these tunes, Sonny Rollins With the Modern Jazz Quartet is a vital component in any jazz enthusiasts' collection. The rest of the disc is performed by Rollins and a quartet that also includes the talents of Kenny Drew (piano), the MJQ's Percy Heath (bass), and the main Jazz Messenger, Art Blakey (drums). On the original tune "Scoops," Blakey's hardball antics provide well-placed sonic interjections, punctuating Rollins' highly infectious melodic sense. While on the subject of catchy tunes, all ears should be directed to the biblically derived title "Shadrack," which had been a signature piece for Louis Armstrong. This early incarnation of the Sonny Rollins Quartet has rarely sounded as cohesive, as they collectively percolate with their definitive execution. Of particular note is the inclusion of Miles Davis' "I Know." This extension of Charlie Parker's "Confirmation" features Davis on piano accompanying Rollins with solid chord progressions, allowing the burgeoning player to lead his first-ever quartet with Heath and Roy Haynes (drums).
https://www.allmusic.com/album/sonny-rollins-with-the-modern-jazz-quartet-mw0000195891

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Reseña de Lindsay Planer  
Aquí se incluyen algunas de las primeras sesiones de Sonny Rollins como líder de la banda. Estas están entre la fresca y vibrante docena de selecciones de Sonny Rollins con el Cuarteto de Jazz Moderno (1953). El título es un poco engañoso, ya que el MJQ - con John Lewis (piano), Milt Jackson (vibráfono), Percy Heath (bajo), y Kenny Clarke (batería) - sólo se tiene en cuenta durante los primeros cuatro lados. Hay un tono juguetón y energético que rebota de las fluidas vibras de Jackson, aterrizando firmemente en la corte musical de Rollins. Un ejemplo de esta interacción se escucha a lo largo de los solos de la pista de apertura, "Stopper". De manera similar, "Almost Like Falling in Love" hace bops, teje y se balancea a lo largo de todo, con algunas contribuciones expresivas a través de Lewis, vinculando eficazmente los solos de Rollins y Jackson. "No Moe", que se erige como uno de los mejores originales del disco, también tiene su innegable conexión. Otra lectura que no hay que perderse es la sensual "In a Sentimental Mood". Aquí, las espirales de Rollins maduran y las líneas etéreas contra la entonación resonante y el brillo de Jackson. Si sólo por estas melodías, Sonny Rollins con el Cuarteto de Jazz Moderno es un componente vital en cualquier colección de entusiastas del jazz. El resto del disco es interpretado por Rollins y un cuarteto que también incluye los talentos de Kenny Drew (piano), el Percy Heath de MJQ (bajo), y el principal mensajero del jazz, Art Blakey (batería). En la canción original "Scoops", las payasadas de Blakey proporcionan interjecciones sónicas bien situadas, puntuando el altamente infeccioso sentido melódico de Rollins. En cuanto a las melodías pegadizas, todos los oídos deben dirigirse al título bíblico "Shadrack", que ha sido una pieza emblemática de Louis Armstrong. Esta temprana encarnación del Cuarteto Sonny Rollins rara vez ha sonado tan cohesiva, ya que se filtran colectivamente con su ejecución definitiva. Cabe destacar la inclusión de "I Know" de Miles Davis. Esta extensión de "Confirmation" de Charlie Parker presenta a Davis en el piano acompañando a Rollins con progresiones de acordes sólidos, permitiendo al floreciente intérprete dirigir su primer cuarteto con Heath y Roy Haynes (batería).
https://www.allmusic.com/album/sonny-rollins-with-the-modern-jazz-quartet-mw0000195891

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Jackie McLean • Jackie's Bag

 

Review
by Steve Huey  
Jackie's Bag is split between two different recording sessions: the first, from January 1959, was the first session Jackie McLean ever led for Blue Note, and the second was a sextet date from September 1960 that featured tenor saxophonist Tina Brooks as a co-leader in all but name. According to the liner notes, McLean's first date produced only three songs of releasable quality, which are included here. Six tunes were cut at the Brooks session, which were all issued in Japan as Street Singer, and half appeared on the original Jackie's Bag LP. Given the transitional time period of the first and Brooks' musical taste on the second, the music on Jackie's Bag finds McLean in a staunchly hard bop mode, with occasional hints of adventurousness. While McLean's debut performances are certainly well done, the most distinctive appeal of the album lies in the Brooks collaborations. There are exotic flavors to McLean's terrific "Appointment in Ghana" and Brooks' "Isle of Java"; of the newly added bonus tracks, Brooks' "Medina" has a particularly complex and memorable theme, and his "Street Singer" was actually issued on his own Back to the Tracks album as well. Despite crucial contributions from trumpeter Blue Mitchell and drummer Art Taylor, the real focal point of these performances is the complementary interplay between McLean and Brooks, the latter of whom does a nice job of matching the former's legendarily hard-edged tone. McLean devotees will want this anyway, but the quality of the Street Singer material pushes Jackie's Bag far beyond a simple gap-plugging historical release.
https://www.allmusic.com/album/jackies-bag-mw0000192190

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Reseña
por Steve Huey  
Jackie's Bag se divide en dos sesiones de grabación diferentes: la primera, de enero de 1959, fue la primera sesión que Jackie McLean dirigió para Blue Note, y la segunda fue una fecha de sexteto de septiembre de 1960 que contó con la saxofonista tenor Tina Brooks como co-líder en todo menos en el nombre. Según las notas de presentación, la primera cita de McLean sólo produjo tres canciones de calidad publicable, que se incluyen aquí. En la sesión de Brooks se grabaron seis temas, que se publicaron en Japón como Street Singer, y la mitad aparecieron en el LP original Jackie's Bag. Dado el período de transición del primero y el gusto musical de Brooks en el segundo, la música de Jackie's Bag encuentra a McLean en un modo hard bop incondicional, con ocasionales toques de aventurerismo. Aunque las interpretaciones del debut de McLean están ciertamente bien hechas, el atractivo más distintivo del álbum reside en las colaboraciones de Brooks. Hay sabores exóticos en la estupenda "Appointment in Ghana" de McLean y en "Isle of Java" de Brooks; de las nuevas canciones extra añadidas, "Medina" de Brooks tiene un tema particularmente complejo y memorable, y su "Street Singer" se publicó en su propio álbum Back to the Tracks. A pesar de las contribuciones cruciales del trompetista Blue Mitchell y el batería Art Taylor, el verdadero punto focal de estas actuaciones es la interacción complementaria entre McLean y Brooks, el último de los cuales hace un buen trabajo igualando el legendario tono duro del primero. Los devotos de McLean querrán esto de todos modos, pero la calidad del material de Street Singer empuja a Jackie's Bag mucho más allá de un simple lanzamiento histórico para llenar huecos.
https://www.allmusic.com/album/jackies-bag-mw0000192190

Kenny Drew • Undercurrent

 

Review
by Michael G. Nastos  
Kenny Drew's seventh recording as a leader is significant for many reasons, not the least of which that it is one of the finest Blue Note hard bop statements in either of their catalogs. Teamed with rising young star, trumpeter Freddie Hubbard, and the wonderful tenor saxophonist Hank Mobley fresh off stints with Donald Byrd and Art Blakey, Drew is joining the ranks of the premier mainstream jazz pianists just prior to moving permanently to Europe. He's a complementary piece of the puzzle as a player, but stirs the drink as the composer of all of these very fine hard bop vehicles. Bassist Sam Jones and especially drummer Louis Hayes contribute mightily to the beats that keep Hubbard and Mobley flying on this recording, whose energy runs contrary to the more subtle, suggestive title. The band is roaring out of the gate on the title track in a Blakey-like stance, where Drew's rambling piano fortifies the under-the-surface horns. There's no messing around during the straight-ahead, fleet "Lion's Den," as the steady Hayes drives the combo, and Jones masterfully commands held tension-and-release segments. Toning it down into the blues spectrum, "Funk-Cosity" offers a beautiful melodic line where the identity might be typical, but the individualism of the performers is not. There's deft unison playing between the very compatible Hubbard and Mobley during the simplified "Groovin' the Blues," and even more pronounced on the ultra-melodic "The Pot's On," a gem of a tune that swings with a religious fervor via the adept drumming of Hayes. The lone downtempo track, "Ballade," is a real beauty as the trumpeter and tenor saxophonist wax poetic, but it is Drew whose cascading piano and deeply emotional romantic forays come across symphonically, like a young Erroll Garner. This is an extraordinary recording that reveals more upon repeat listenings. One does wish there was alternate or bonus material from this fine jazz band, but as is, it's the best of Drew as a leader aside from his quintessential work as a consummate sideman.
https://www.allmusic.com/album/undercurrent-mw0000199286

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Reseña
por Michael G. Nastos  
La séptima grabación de Kenny Drew como líder es significativa por muchas razones, entre ellas que es una de las mejores declaraciones de hard bop de Blue Note en cualquiera de sus catálogos. Junto con la joven estrella en ascenso, el trompetista Freddie Hubbard, y el maravilloso saxofonista tenor Hank Mobley, que acaba de trabajar con Donald Byrd y Art Blakey, Drew se une a las filas de los principales pianistas de jazz justo antes de trasladarse definitivamente a Europa. Es una pieza complementaria del rompecabezas como intérprete, pero agita la bebida como compositor de todos estos excelentes vehículos de hard bop. El bajista Sam Jones y especialmente el baterista Louis Hayes contribuyen poderosamente a los ritmos que mantienen a Hubbard y Mobley volando en esta grabación, cuya energía va en contra del título más sutil y sugerente. La banda sale rugiendo por la puerta en el tema que da título al disco, en una postura similar a la de Blakey, en la que el piano divagante de Drew refuerza las trompetas bajo la superficie. No hay ningún problema durante el tema "Lion's Den", en el que el firme Hayes impulsa al combo, y Jones domina con maestría los segmentos de tensión y liberación. Bajando el tono hacia el espectro del blues, "Funk-Cosity" ofrece una hermosa línea melódica donde la identidad puede ser típica, pero el individualismo de los intérpretes no lo es. Hay un hábil juego al unísono entre los muy compatibles Hubbard y Mobley durante la simplificada "Groovin' the Blues", y aún más pronunciado en la ultramelódica "The Pot's On", una joya de melodía que se balancea con un fervor religioso a través de la hábil batería de Hayes. El único tema downtempo, "Ballade", es una verdadera belleza, ya que el trompetista y el saxofonista tenor se ponen poéticos, pero es Drew quien con su piano en cascada y sus incursiones románticas profundamente emotivas se muestra sinfónico, como un joven Erroll Garner. Se trata de una grabación extraordinaria que se revela más al repetir la escucha. Uno desearía que hubiera material alternativo o extra de esta excelente banda de jazz, pero tal y como está, es lo mejor de Drew como líder, aparte de su trabajo por excelencia como consumado músico secundario.
https://www.allmusic.com/album/undercurrent-mw0000199286

Sonny Rollins • Sonny Rollins & Co. 1964

 

 

Review by Scott Yanow
This CD from the Bluebird reissue series fills a lot of gaps in Sonny Rollins' discography. The 13 selections are taken from six different sessions from 1964. The personnel changes from date to date, with either Ron Carter or Bob Cranshaw on bass and Roy McCurdy or Mickey Roker on drums, along with pianist Herbie Hancock on five songs and guitarist Jim Hall on three others. Some of the music comprises alternate takes, and in contrast to a rambling 16-minute version of "Now's the Time," a few of the briefer songs (seven are under four minutes) shut down prematurely. However, the great tenor's improvisations are consistently fascinating, as he reconciles his avant-garde flights to the standards he is performing. "Autumn Nocturne" is a high point.
https://www.allmusic.com/album/sonny-rollins-co-1964-mw0000124581

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Reseña de Scott Yanow
Este CD de la serie de reediciones de Bluebird llena muchos vacíos en la discografía de Sonny Rollins. Las 13 selecciones se toman de seis sesiones diferentes de 1964. El personal cambia de una fecha a otra, con Ron Carter o Bob Cranshaw en el bajo y Roy McCurdy o Mickey Roker en la batería, junto con el pianista Herbie Hancock en cinco canciones y el guitarrista Jim Hall en otras tres. Parte de la música comprende tomas alternativas, y en contraste con una versión laberíntica de 16 minutos de "Now's the Time", algunas de las canciones más breves (siete tienen menos de cuatro minutos) se apagan prematuramente. Sin embargo, las improvisaciones del gran tenor son siempre fascinantes, ya que concilia sus vuelos vanguardistas con los estándares que está interpretando. "Nocturno de otoño" es un punto culminante.
https://www.allmusic.com/album/sonny-rollins-co-1964-mw0000124581

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Stuff Smith • Swingin' Stuff

 

Review by Scott Yanow

Recorded five days after a similar performance at the Montmartre in Copenhagen by the same personnel (violinist Stuff Smith, pianist Kenny Drew, bassist Niels Pedersen and drummer Alex Riel), Stuff and his quartet are once again heard in top form. Four of the nine songs are repeated from the earlier date, but unfortunately, the music on this LP is currently out of print. On such tunes as "Bugle Blues," "Mack the Knife," "One O'Clock Jump" and "Take the 'A' Train," Stuff Smith shows that he was as hard-swinging an improviser as any horn player and that at the age of 55 he had not run out of gas yet.

https://www.allmusic.com/album/swingin-stuff-mw0000655684

Artist Biography

In the era of early jazz and swing, the violin was often an instrument that carried a hint of an old-fashioned sound--a suggestion of classical music, of the high-society dance orchestra, of the gypsy café music of Europe. But Stuff Smith, considered one of the most important jazz violinists of his time, made music that told a different story: Smith's violin was raucous, rhythmically daring, and bluesy, looking toward the future, not the past. Like most great jazz players, Smith pushed the envelope in his playing, and later in his career he adapted with little difficulty to the new musical language of bebop. Smith also sang and was the composer of several jazz standards.

Hezekiah Leroy Gordon Smith was born in Portsmouth, Ohio, on August 14, 1909, but grew up in Cleveland. His father taught him to play the violin and encouraged him to study classical music. Smith took some music lessons but switched to jazz after hearing Louis Armstrong play the trumpet; Armstrong influenced Smith's own style at a fundamental level. Although he had received a scholarship to study at Johnson C. Smith University, Smith opted for a musical life instead. At age 15 he joined a touring minstrel show, the Aunt Jemima Revue.

In 1926 Smith joined the Dallas-based band of Alphonso Trent; this was one of the so-called “territory” bands that grew from the improvisatory and bluesy roots of jazz rather than moving toward the more composed and arranged style of the eastern seaboard. He stayed with Trent for four years, moving briefly to the band of Ferdinand “Jelly Roll” Morton but returning after becoming frustrated that his violin could not be heard over the dense sound of Morton's group. In 1930 Smith formed his own band in Buffalo, New York.

During his Buffalo years Smith cast one eye on New York, and he got there in late 1935 and 1936 after he composed a scat-like novelty song called “I'se a Muggin'” (the words seem to have no specific meaning). The song caught on, and musician-impresario Dick Stabile booked Smith and his band, which now included drummer “Cozy” Cole, into the Onyx Club on 52nd Street. Rechristened Stuff Smith and His Onyx Club Boys, the band was a successful fixture of the New York scene for several years. The main attraction was Smith himself, attired in a worn-out top hat and sometimes sporting a parrot on his shoulder. Smith and his band also recorded several sides for the Vocalion label in 1936. “I'se a Muggin'” became a moderate hit, but another recording of that year turned out to have longer-lasting resonances--”You'se a Viper,” was covered by vocalist “Fats” Waller in 1943 and enjoyed renewed popularity in the counterculture of the ‘60s and ‘70s.

In musical terms, Smith's Onyx Club years were historically significant; he pioneered the use of the amplified violin, and he developed a bluesy, speech-inflected style that was quite distinct from the European-influenced approaches of Swing Era violinists Joe Venuti, Stephane Grappelli, and Eddie South.

In 1938 Smith appeared in the film ‘Swing Street,’ taking a hiatus from live performing. That took the momentum out of his New York career, and he dissolved his band after a series of disagreements with players and other industry figures. Smith bounced back with a trio that performed in New York (sometimes at the Onyx) and Chicago in the 1940s, and he briefly took over Fats Waller's band after Waller's death in 1943. A series of trio recordings was made in 1943 and 1944, but by the late 1940s Smith's career seemed to be in decline. In the 1950s, to make things worse, Smith suffered from health problems brought on by years of heavy drinking.

Smith was still much admired by his fellow musicians, and he moved to California and continued to perform on what was said to be a centuries-old Guarneri violin. Among his fans was big-time jazz producer Norman Granz, who teamed Smith with bebop trumpeter Dizzy Gillespie and pianist Oscar Peterson for a recording on the Verve label in 1957. It was a measure of the originality of Smith's style that his playing fit as well with this new generation of players as it had with the swing bands of the 1930s. Smith made several albums for Verve and continued to record until shortly before his death.

Touring widely in the 1960s, Smith, like so many other jazz musicians, found that European audiences were especially appreciative of his music. He settled in Copenhagen, Denmark, in 1965 and made several recordings in Europe. Smith fell seriously ill on tour in Paris. Doctors placed him on the critical list; but Smith recovered and continued to perform. He died in Munich, Germany, on September 25, 1967, and was remembered, as “the cat that took the apron-strings off the fiddle.”

Source: James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com/stuffsmith

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Reseña de Scott Yanow

Grabado cinco días después de una actuación similar en el Montmartre de Copenhague por el mismo personal (el violinista Stuff Smith, el pianista Kenny Drew, el bajista Niels Pedersen y el batería Alex Riel), Stuff y su cuarteto vuelven a ser escuchados en plena forma. Cuatro de las nueve canciones se repiten de la fecha anterior, pero desafortunadamente, la música de este LP está actualmente agotada. En temas como "Bugle Blues", "Mack the Knife", "One O'Clock Jump" y "Take the'A' Train", Stuff Smith demuestra que era un improvisador tan duro como cualquier trompetista y que a la edad de 55 años todavía no se le había acabado el combustible.

https://www.allmusic.com/album/swingin-stuff-mw0000655684

Biografía del artista

En la era del jazz y el swing tempranos, el violín era a menudo un instrumento que llevaba un toque de un sonido anticuado, una sugerencia de la música clásica, de la orquesta de baile de la alta sociedad, de la música gitana de los cafés de Europa. Pero Stuff Smith, considerado uno de los violinistas de jazz más importantes de su tiempo, hizo una música que contaba una historia diferente: El violín de Smith era estridente, rítmicamente atrevido y azul, mirando hacia el futuro, no hacia el pasado. Como la mayoría de los grandes músicos de jazz, Smith traspasó los límites de su forma de tocar, y más tarde en su carrera se adaptó con poca dificultad al nuevo lenguaje musical del bebop. Smith también cantó y fue el compositor de varios estándares de jazz.

Hezekiah Leroy Gordon Smith nació en Portsmouth, Ohio, el 14 de agosto de 1909, pero creció en Cleveland. Su padre le enseñó a tocar el violín y le animó a estudiar música clásica. Smith tomó algunas clases de música pero se cambió al jazz después de escuchar a Louis Armstrong tocar la trompeta; Armstrong influyó en el estilo propio de Smith a un nivel fundamental. Aunque había recibido una beca para estudiar en la Universidad Johnson C. Smith, Smith optó por una vida musical. A los 15 años se unió a un espectáculo de trovadores en gira, la revista Aunt Jemima Revue.

En 1926 Smith se unió a la banda de Alphonso Trent, con sede en Dallas; ésta era una de las llamadas bandas de "territorio" que crecieron a partir de las raíces improvisadas y azules del jazz en lugar de moverse hacia el estilo más compuesto y arreglado de la costa oriental. Permaneció con Trent durante cuatro años, pasando brevemente a la banda de Ferdinand "Jelly Roll" Morton, pero regresó después de frustrarse porque su violín no podía ser escuchado por el denso sonido del grupo de Morton. En 1930 Smith formó su propia banda en Buffalo, Nueva York.

Durante sus años en Buffalo Smith puso un ojo en Nueva York, y llegó allí a finales de 1935 y 1936 después de que compusiera una canción novedosa llamada "I'se a Muggin'" (las palabras parecen no tener un significado específico). La canción se popularizó y el músico e impresionario Dick Stabile contrató a Smith y su banda, que ahora incluía al baterista "Cozy" Cole, en el Onyx Club de la calle 52. Recristened Stuff Smith and His Onyx Club Boys, la banda fue un éxito en la escena neoyorquina durante varios años. La principal atracción era el propio Smith, vestido con un sombrero de copa desgastado y a veces con un loro en el hombro. Smith y su banda también grabaron varios lados para el sello Vocalion en 1936. "I'se a Muggin'" se convirtió en un éxito moderado, pero otra grabación de ese año resultó tener resonancias más duraderas: "You'se a Viper", fue cubierta por el vocalista "Fats" Waller en 1943 y gozó de una renovada popularidad en la contracultura de los años 60 y 70.

En términos musicales, los años del Onyx Club de Smith fueron históricamente significativos; fue pionero en el uso del violín amplificado, y desarrolló un estilo blues y de habla que era muy distinto de los enfoques europeos de los violinistas de la Era del Swing Joe Venuti, Stephane Grappelli y Eddie South.

En 1938 Smith apareció en la película'Swing Street', tomando un descanso de la actuación en vivo. Eso le quitó el impulso a su carrera en Nueva York, y disolvió su banda después de una serie de desacuerdos con jugadores y otras figuras de la industria. Smith se recuperó con un trío que actuó en Nueva York (a veces en el Onyx) y Chicago en la década de 1940, y se hizo cargo brevemente de la banda de Fats Waller después de la muerte de Waller en 1943. Una serie de grabaciones de tríos se hicieron en 1943 y 1944, pero a finales de la década de 1940 la carrera de Smith parecía estar en declive. En la década de 1950, para empeorar las cosas, Smith sufría de problemas de salud causados por años de consumo excesivo de alcohol.

Smith todavía era muy admirado por sus compañeros músicos, y se mudó a California y continuó tocando en lo que se decía era un violín Guarneri de siglos de antigüedad. Entre sus fans se encontraba el gran productor de jazz Norman Granz, que se unió a Smith con el trompetista de bebop Dizzy Gillespie y el pianista Oscar Peterson para una grabación en el sello Verve en 1957. Fue una medida de la originalidad del estilo de Smith que su forma de tocar encajaba tan bien con esta nueva generación de jugadores como con las bandas de swing de la década de 1930. Smith hizo varios discos para Verve y continuó grabando hasta poco antes de su muerte.

Smith todavía era muy admirado por sus compañeros músicos, y se mudó a California y continuó tocando en lo que se decía era un violín Guarneri de siglos de antigüedad. Entre sus fans se encontraba el gran productor de jazz Norman Granz, que se unió a Smith con el trompetista de bebop Dizzy Gillespie y el pianista Oscar Peterson para una grabación en el sello Verve en 1957. Fue una medida de la originalidad del estilo de Smith que su forma de tocar encajaba tan bien con esta nueva generación de jugadores como con las bandas de swing de la década de 1930. Smith hizo varios discos para Verve y continuó grabando hasta poco antes de su muerte.

De gira en los años sesenta, Smith, como tantos otros músicos de jazz, descubrió que el público europeo apreciaba especialmente su música. Se estableció en Copenhague, Dinamarca, en 1965 y realizó varias grabaciones en Europa. Smith cayó gravemente enfermo durante una gira por París. Los médicos lo colocaron en la lista crítica, pero Smith se recuperó y siguió actuando. Murió en Munich, Alemania, el 25 de septiembre de 1967, y fue recordado como "el gato que quitó el delantal del violín".

Fuente: James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com/stuffsmith

VA • Jazz Classics

 

Mal Waldron, Jimmy Heath, Charlie Parker, Lee Konitz, Jimmy Raney, Kenny Drew, Bobby Jaspar, Gerry Mulligan, Clark Terry, Oliver Nelson, Chet Baker, Dizzy Gillespie, Don Byas, Hampton Hawes …

Sonny Criss • Jazz-USA

 

Johnny Coles Quartet • The Warm Sound

 

Review by Scott Yanow
Trumpeter Johnny Coles, best-known for his association with Charles Mingus in 1964, made his recording debut as a leader on this Epic session which was reissued on CD in 1995 by Koch. A bop-based trumpeter with a lyrical sound of his own, Coles is showcased here with an excellent quartet (Kenny Drew or Randy Weston on piano, bassist Peck Morrison and drummer Charlie Persip). He is in top form on a pair of standards (including "If I Should Lose You"), his own blues "Room 3" and four Weston originals; the reissue adds an alternate take of "Hi-Fly" to the original program. A fine outing. 
https://www.allmusic.com/album/the-warm-sound-mw0000645780

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Reseña de Scott Yanow
El trompetista Johnny Coles, conocido sobre todo por su colaboración con Charles Mingus en 1964, debutó como líder en esta sesión de Epic, reeditada en CD en 1995 por Koch. Coles, un trompetista de estilo bop con un sonido lírico propio, se luce aquí con un excelente cuarteto (Kenny Drew o Randy Weston al piano, el bajista Peck Morrison y el baterista Charlie Persip). Está en plena forma en un par de estándares (entre ellos «If I Should Lose You»), su propio blues «Room 3» y cuatro temas originales de Weston; la reedición añade una toma alternativa de «Hi-Fly» al programa original. Una excelente actuación. 
https://www.allmusic.com/album/the-warm-sound-mw0000645780


 

Warne Marsh & Kenny Drew Trio • I Got A Good One For You

 

Herb Geller • European Rebirth. 1962 Paris Sessions

 

Los Angeles native Herb Geller (1928-2017) was an accomplished and respected alto saxophonist who started his professional career in the late 1940s, influenced by Charlie Parker. He recorded with such leaders as Earle Spencer, Claude Thornhill, Stan Kenton, Billy May, Shorty Rogers, Bill Holman, Clifford Brown, Maynard Ferguson, Marty Paich and the whole West Coast clique.

In 1958 his life turned upside down. While on tour with Benny Goodman, he got news that his young wife, pianist Lorraine Geller had died. They had been married and performing together for seven years, and had high hopes for their future jazz careers. Her unexpected death hit Geller hard, and he dug in to forget. He went on two more tours with Benny Goodman, the last of them to South America under the aegis of the U.S. State Department, and upon his return he played many gigs on the West Coast. But sadness lingered.

Finally, Geller decided to find himself, and like Dexter Gordon, Kenny Clarke and a host of other jazz musicians who embraced the expatriate life —he moved to Europe in March 1962. “I wanted to see new things and get away fromit all,” he said. Things started to look up for the 34-years old altoist. He played clubs and concert halls all over Europe— in Paris, East Berlin, Geneva, Monte Carlo, Copenhagen, Stockholm, Rome. “I’m having a ball,” he said. “It’s much more fun than in the States. And I’ve played with some great musicians.”

During the spring and part of the summer of 1962, Herb was residing in Paris, where he performed in concert with groups led by the pianist Henri Renaud. Together, they also recorded music for commercials and short films. He also did radio work with All Star groups organized by fellow pianist Jack Dieval. The excellent recordings compiled here come from this period, and in them we can hear the altoist in his best form. The first examples of Herb Geller’s rebirth, playing with some of the best jazzmen on the French and European scene.
https://www.freshsoundrecords.com/herb-geller-albums/55314-european-rebirth-1962-paris-sessions.html

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Herb Geller (1928-2017), natural de Los Ángeles, fue un consumado y respetado saxofonista alto que comenzó su carrera profesional a finales de los años 40, influenciado por Charlie Parker. Grabó con líderes como Earle Spencer, Claude Thornhill, Stan Kenton, Billy May, Shorty Rogers, Bill Holman, Clifford Brown, Maynard Ferguson, Marty Paich y toda la camarilla de la Costa Oeste.

En 1958 su vida dio un vuelco. Mientras estaba de gira con Benny Goodman, recibió la noticia de que su joven esposa, la pianista Lorraine Geller, había muerto. Llevaban siete años casados y actuando juntos, y tenían grandes esperanzas en sus futuras carreras de jazz. Su inesperada muerte golpeó fuertemente a Geller, que se empeñó en olvidar. Realizó dos giras más con Benny Goodman, la última de ellas a Sudamérica bajo los auspicios del Departamento de Estado de EE.UU., y a su regreso dio muchos conciertos en la Costa Oeste. Pero la tristeza persistía.

Finalmente, Geller decidió encontrarse a sí mismo y, al igual que Dexter Gordon, Kenny Clarke y una serie de otros músicos de jazz que abrazaron la vida de expatriado, se trasladó a Europa en marzo de 1962. "Quería ver cosas nuevas y alejarme de todo", dijo. Las cosas empezaron a mejorar para el contralto de 34 años. Tocó en clubes y salas de concierto de toda Europa: en París, Berlín Oriental, Ginebra, Montecarlo, Copenhague, Estocolmo y Roma. "Me lo paso en grande", dice. "Es mucho más divertido que en Estados Unidos. Y he tocado con grandes músicos".

Durante la primavera y parte del verano de 1962, Herb residió en París, donde actuó en concierto con grupos dirigidos por el pianista Henri Renaud. Juntos, también grabaron música para anuncios y cortometrajes. También realizó trabajos radiofónicos con grupos All Star organizados por el también pianista Jack Dieval. Las excelentes grabaciones aquí recopiladas proceden de este periodo, y en ellas podemos escuchar al contralto en su mejor forma. Los primeros ejemplos del renacimiento de Herb Geller, tocando con algunos de los mejores jazzistas de la escena francesa y europea.
https://www.freshsoundrecords.com/herb-geller-albums/55314-european-rebirth-1962-paris-sessions.html


https://www.freshsoundrecords.com/herb-geller-albums/55314-european-rebirth-1962-paris-sessions.html

Sahib Shihab • Sentiments

 

Review by Ken Dryden
Like many Americans who opt to live and work in Europe, the recorded legacy of multi-reed player Sahib Shihab tends to be overlooked by fans in his native land. Sentiments pairs recordings he made for two separate albums between 1965 and 1971. On the 1971 session, he's accompanied by fellow expatriate Kenny Drew, bassist Niels-Henning Ørsted Pedersen, and drummer Jimmy Hopps. Most of the compositions are by the leader, starting with the exotic blend of hard bop and African rhythm, featuring Shihab's dancing soprano sax and Pedersen's bass solo. Drew switches to organ and Pedersen makes a relatively rare appearance on electric bass on the funky "Sentiments." The leader switches to baritone sax for Drew's exuberant ballad "Extase." The 1965 sessions feature Shihab as a guest with the Danish Radio Jazz Group, playing six of his originals. "Di-Da" is a catchy hard bop tune in which one note is repeatedly echoed by members of the group, though the pattern disappears as he launches his powerful baritone sax. The moody "Tenth Lament" and the perky "Harvey's Tune" are also highlights, with Shihab switching to flute for the latter piece. The supporting cast has a number of top European musicians, including Niels Pedersen, pianist Bent Axen, trumpeters Palle Mikkelborg and Allan Botschinsky, and drummer Alex Riel.
https://www.allmusic.com/album/sentiments-mw0000206402

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Reseña de Ken Dryden
Al igual que muchos estadounidenses que optan por vivir y trabajar en Europa, el legado discográfico del multirepetidor Sahib Shihab tiende a ser pasado por alto por los aficionados de su tierra natal. Sentiments reúne grabaciones que realizó para dos álbumes distintos entre 1965 y 1971. En la sesión de 1971, le acompañan su compatriota Kenny Drew, el bajista Niels-Henning Ørsted Pedersen y el batería Jimmy Hopps. La mayoría de las composiciones son del líder, empezando por la exótica mezcla de hard bop y ritmo africano, con el saxo soprano danzante de Shihab y el solo de bajo de Pedersen. Drew cambia al órgano y Pedersen hace una aparición relativamente rara con el bajo eléctrico en la funky «Sentiments». El líder cambia al saxo barítono para la exuberante balada de Drew «Extase». Las sesiones de 1965 presentan a Shihab como invitado con el Danish Radio Jazz Group, tocando seis de sus originales. «Di-Da» es un pegadizo tema de hard bop en el que una nota es repetidamente repetida por los miembros del grupo, aunque el patrón desaparece cuando él lanza su poderoso saxo barítono. El malhumorado «Tenth Lament» y la alegre «Harvey's Tune» son también temas destacados, con Shihab cambiando a la flauta para esta última pieza. El elenco de acompañantes cuenta con músicos europeos de primera fila, como Niels Pedersen, el pianista Bent Axen, los trompetistas Palle Mikkelborg y Allan Botschinsky, y el batería Alex Riel.
https://www.allmusic.com/album/sentiments-mw0000206402

VA • Jazz Classics

 

Dexter Gordon • Jazz At Highschool

 

Review by Ken Dryden
Dexter Gordon is represented by a large discography, though the late '60s are little documented. The discovery of this previously unissued radio broadcast from 1969 is a real treasure, as the tenor saxophonist is in superb form, accompanied by some of his favorite musicians: pianist Kenny Drew, bassist Niels-Henning Ørsted Pedersen, and drummer Albert "Tootie" Heath. He revisits "Soy Califa," an original written for a Blue Note session earlier in the decade; this hard bop vehicle opens the show with a flourish. Gordon and Drew share the spotlight in a sensitive treatment of "The Shadow of Your Smile." His loping blues "Society Red" features Pedersen's incredible solo work, while "The Blues Up and Down" (co-written by fellow tenor saxophonists Sonny Stitt and Gene Ammons) works perfectly well for Gordon without a sparring partner on his instrument. Beautifully recorded with excellent balance between the musicians and an attentive, respectful audience, it should be considered a mandatory purchase for hard bop fans.
https://www.allmusic.com/album/jazz-at-highschool-mw0000206403

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Reseña de Ken Dryden
Dexter Gordon está representado por una amplia discografía, aunque los últimos años de la década de los 60 están poco documentados. El descubrimiento de esta emisión radiofónica inédita de 1969 es un verdadero tesoro, ya que el saxofonista tenor está en magnífica forma, acompañado por algunos de sus músicos favoritos: el pianista Kenny Drew, el bajista Niels-Henning Ørsted Pedersen y el batería Albert «Tootie» Heath. Vuelve a tocar «Soy Califa», un original escrito para una sesión de Blue Note a principios de la década; este vehículo de hard bop abre el espectáculo con una floritura. Gordon y Drew comparten el protagonismo en un sensible tratamiento de «The Shadow of Your Smile». Su flojo blues «Society Red» cuenta con el increíble trabajo en solitario de Pedersen, mientras que «The Blues Up and Down» (co-escrito por sus compañeros saxofonistas tenores Sonny Stitt y Gene Ammons) funciona perfectamente bien para Gordon sin un sparring en su instrumento. Magníficamente grabado, con un excelente equilibrio entre los músicos y un público atento y respetuoso, debería considerarse una compra obligatoria para los aficionados al hard bop.
https://www.allmusic.com/album/jazz-at-highschool-mw0000206403

Kenny Drew & Hank Jones Great Jazz Trio • New York Stories

 

Kenny Drew Trio • Swingin' Love

Grant Green • Sunday Morning

 

Artist Biography by Michael Erlewine

A severely underrated player during his lifetime, Grant Green is one of the great unsung heroes of jazz guitar. He combined an extensive foundation in R&B with a mastery of bebop and simplicity that put expressiveness ahead of technical expertise. Green was a superb blues interpreter, and while his later material was predominantly blues and R&B, he was also a wondrous ballad and standards soloist. He was a particular admirer of Charlie Parker, and his phrasing often reflected it.

Grant Green was born in St. Louis in 1935 (although many records during his lifetime incorrectly listed 1931). He learned his instrument in grade school from his guitar-playing father, and was playing professionally by the age of thirteen with a gospel group. He worked gigs in his home town and in East St. Louis, Illinois -- playing in the '50s with Jimmy Forrest, Harry Edison, and Lou Donaldson -- until he moved to New York in 1960 at the suggestion of Donaldson. Green told Dan Morgenstern in a Down Beat interview: "The first thing I learned to play was boogie-woogie. Then I had to do a lot of rock & roll. It's all blues, anyhow."

During the early '60s, both his fluid, tasteful playing in organ/guitar/drum combos and his other dates for Blue Note established Green as a star, though he seldom got the critical respect given other players. He collaborated with many organists, among them Brother Jack McDuff, Sam Lazar, Baby Face Willette, Gloria Coleman, Big John Patton, and Larry Young. He was off the scene for a bit in the mid-'60s, but came back strong in the late '60s and '70s. Green played with Stanley Turrentine, Dave Bailey, Yusef Lateef, Joe Henderson, Hank Mobley, Herbie Hancock, McCoy Tyner, and Elvin Jones.

Sadly, drug problems interrupted his career in the '60s, and undoubtedly contributed to the illness he suffered in the late '70s. Green was hospitalized in 1978 and died a year later. Despite some rather uneven LPs near the end of his career, the great body of his work represents marvelous soul-jazz, bebop, and blues.

Although he mentions Charlie Christian and Jimmy Raney as influences, Green always claimed he listened to horn players (Charlie Parker and Miles Davis) and not other guitar players, and it shows. No other player has this kind of single-note linearity (he avoids chordal playing). There is very little of the intellectual element in Green's playing, and his technique is always at the service of his music. And it is music, plain and simple, that makes Green unique.

Green's playing is immediately recognizable -- perhaps more than any other guitarist. Green has been almost systematically ignored by jazz buffs with a bent to the cool side, and he has only recently begun to be appreciated for his incredible musicality. Perhaps no guitarist has ever handled standards and ballads with the brilliance of Grant Green. Mosaic, the nation's premier jazz reissue label, issued a wonderful collection The Complete Blue Note Recordings with Sonny Clark, featuring prime early '60s Green albums plus unissued tracks. Some of the finest examples of Green's work can be found there.

https://www.allmusic.com/artist/grant-green-mn0000738855/biography

Artist Biography

Green was born on June 6, 1931 in St. Louis, Missouri. He first performed in a professional setting at the age of 13. His early influences were Charlie Christian and Charlie Parker; however, he played extensive R & B gigs in his home town and in East Saint Louis, IL while developing his jazz chops. His first recordings in St. Louis were with tenor saxophonist Jimmy Forrest for the Delmark label. Lou Donaldson discovered green playing in a bar in St. Louis. After touring together with Donaldson, Green arrived in New York around 1959-60. In a Down Beat interview from the early 60's, Green said “The first thing I learned to play was boogie-woogie. Then I had to do a lot of rock and roll. It's all blues, anyhow.”

Lou Donaldson introduced Green to Alfred Lion of Blue Note Records. Lion was so impressed that, rather than testing Green as a sideman, as was the usual Blue Note practice, he arranged for him to record as a bandleader first. This recording relationship was to last, with a few exceptions, throughout the 'sixties. From 1961 to 1965 Green made more Blue Note LPs as leader and sideman than anyone else. Green was named best new star in the Down Beat critics' poll, 1962. As a result, his influence spread wider than New York. Green's first session as a leader did not meet the approval of Lion and was shelved, not to be released until 2002 as First Session. Green's first issued album as a leader was Grant's First Stand. This was followed in the same year by two more Blue Note releases: Green Street and Grantstand. He often provided support to many of other great musicians on Blue Note. These included saxophonists Hank Mobley, Ike Quebec, Stanley Turrentine and Harold Vick, as well as organists Larry Young and Big John Patton.

Sunday Mornin' , The Latin Bit and Feelin' the Spirit are all loose concept albums, each taking a musical theme or style: Gospel, Latin and spirituals respectively. Green always carried off his more commercial dates with artistic success during this period. Idle Moments (1963), featuring Joe Henderson and Bobby Hutcherson, and Solid (1964) are acclaimed as two of Green's best recordings. Many of Green's Blue Note recordings, including a series of sessions with pianist Sonny Clark were not released during his lifetime. In 1966 Green left Blue Note and recorded for several other labels, including Verve. From 1967 to 1969 Grant was inactive due to personal problems. In 1969 Green, having relocated to Detroit, returned with a new funk-influenced band. His recordings from this period include the commercially successful Green is Beautiful and Live at the Lighthouse. Grant left Blue Note again in 1974 and once again recorded sporadically for different labels.

Green spent much of 1978 in hospital and, against the advice of doctors, went back on the road. While in New York to play an engagement at George Benson's Breezin' Lounge, Green collapsed in his car of a heart attack on January 31, 1979. He was buried in his hometown of St. Louis, Missouri, and was survived by six children.

https://musicians.allaboutjazz.com/grantgreen

 

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Biografía del artista por Michael Erlewine

Un jugador severamente subestimado durante su vida, Grant Green es uno de los grandes héroes anónimos de la guitarra de jazz. Combinó una amplia base en R&B con un dominio del bebop y la simplicidad que puso la expresividad por encima de la experiencia técnica. Green fue un magnífico intérprete de blues, y aunque su material posterior fue predominantemente blues y R&B, también fue un maravilloso solista de balada y estándares. Era un admirador particular de Charlie Parker, y su fraseo a menudo lo reflejaba.

Grant Green nació en St. Louis en 1935 (aunque muchos registros durante su vida mencionan incorrectamente 1931). Aprendió su instrumento en la escuela primaria de su padre guitarrista, y tocaba profesionalmente a la edad de trece años con un grupo de gospel. Trabajó en conciertos en su ciudad natal y en East St. Louis, Illinois -- tocando en los años 50 con Jimmy Forrest, Harry Edison y Lou Donaldson -- hasta que se mudó a Nueva York en 1960 por sugerencia de Donaldson. Green le dijo a Dan Morgenstern en una entrevista con Down Beat: "Lo primero que aprendí a tocar fue el boogie-boogie. Entonces tuve que hacer mucho rock & roll. Todo es blues, de todos modos."

A principios de los años 60, tanto su fluida y sabrosa interpretación en combos de órgano/guitarra/batería como sus otras fechas para Blue Note establecieron a Green como una estrella, aunque rara vez obtuvo el respeto de la crítica dado a otros músicos. Colaboró con muchos organistas, entre ellos Jack McDuff, Sam Lazar, Baby Face Willette, Gloria Coleman, Big John Patton y Larry Young. Estuvo fuera de escena por un tiempo a mediados de los 60, pero regresó con fuerza a finales de los 60 y 70. Green tocó con Stanley Turrentine, Dave Bailey, Yusef Lateef, Joe Henderson, Hank Mobley, Herbie Hancock, McCoy Tyner y Elvin Jones.

Lamentablemente, los problemas de drogas interrumpieron su carrera en los años 60, y sin duda contribuyeron a la enfermedad que sufrió a finales de los 70. Green fue hospitalizado en 1978 y murió un año después. A pesar de algunos LPs bastante desiguales cerca del final de su carrera, el gran cuerpo de su obra representa un maravilloso soul-jazz, bebop y blues.

Aunque menciona a Charlie Christian y Jimmy Raney como influencias, Green siempre dijo que escuchaba a los trompetistas (Charlie Parker y Miles Davis) y no a otros guitarristas, y se nota. Ningún otro jugador tiene este tipo de linealidad de nota única (evita tocar los acordes). Hay muy poco del elemento intelectual en el toque de Green, y su técnica está siempre al servicio de su música. Y es la música, simple y llanamente, lo que hace que Green sea único.

El toque de Green es inmediatamente reconocible, quizás más que cualquier otro guitarrista. El verde ha sido casi sistemáticamente ignorado por los aficionados al jazz con una inclinación hacia el lado frío, y sólo recientemente ha empezado a ser apreciado por su increíble musicalidad. Quizás ningún guitarrista ha manejado nunca los estándares y baladas con la brillantez de Grant Green. Mosaic, el sello de reedición de jazz más importante del país, publicó una maravillosa colección The Complete Blue Note Recordings con Sonny Clark, que incluye álbumes de los primeros años de la década de los'60, además de temas no publicados. Algunos de los mejores ejemplos del trabajo de Green se pueden encontrar allí.

https://www.allmusic.com/artist/grant-green-mn0000738855/biography

Biografía del artista

Green nació el 6 de junio de 1931 en St. Louis, Missouri. Se presentó por primera vez en un ambiente profesional a la edad de 13. Sus primeras influencias fueron Charlie Christian y Charlie Parker; sin embargo, tocó en extensos conciertos de R & B en su ciudad natal y en East Saint Louis, IL, mientras desarrollaba sus habilidades de jazz. Sus primeras grabaciones en St. Louis fueron con el saxofonista tenor Jimmy Forrest para el sello Delmark. Lou Donaldson descubrió el verde jugando en un bar de St. Louis. Después de viajar con Donaldson, Green llegó a Nueva York alrededor de 1959-60. En una entrevista de Down Beat de principios de los 60, Green dijo: "Lo primero que aprendí a tocar fue el boogie-woogie. Luego tuve que hacer mucho rock and roll. Todo es blues, de todos modos."

Lou Donaldson presentó a Green a Alfred Lion de Blue Note Records. Lion quedó tan impresionado que, en lugar de probar a Green como sideman, como era la práctica habitual de Blue Note, se las arregló para que grabara primero como líder de banda. Esta relación de grabación iba a durar, con algunas excepciones, a lo largo de los años sesenta. De 1961 a 1965 Green hizo más LPs de Blue Note como líder y sideman que cualquier otro. Green fue nombrada mejor nueva estrella en la encuesta de los críticos de Down Beat de 1962. Como resultado, su influencia se extendió más allá de Nueva York. La primera sesión de Green como líder no contó con la aprobación del León y fue archivada, por lo que no fue lanzada hasta 2002 como Primera Sesión. El primer álbum que publicó Green como líder fue "Grant's First Stand". Esto fue seguido en el mismo año por otras dos versiones de Blue Note: Green Street y Grantstand. A menudo proporcionó apoyo a muchos otros grandes músicos en Blue Note. Entre ellos se encontraban los saxofonistas Hank Mobley, Ike Quebec, Stanley Turrentine y Harold Vick, así como los organistas Larry Young y Big John Patton.

The Latin Bit y Feelin' the Spirit son álbumes de concepto sueltos, cada uno con un tema o estilo musical: Evangelio, latín y espirituales respectivamente. Green siempre se llevó sus citas más comerciales con éxito artístico durante este periodo. Idle Moments (1963), con Joe Henderson y Bobby Hutcherson, y Solid (1964) son aclamados como dos de las mejores grabaciones de Green. Muchas de las grabaciones de Blue Note de Green, incluyendo una serie de sesiones con el pianista Sonny Clark no fueron lanzadas durante su vida. En 1966 Green dejó Blue Note y grabó para varios otros sellos, entre ellos Verve. De 1967 a 1969 Grant estuvo inactivo debido a problemas personales. En 1969 Green, después de haberse mudado a Detroit, regresó con una nueva banda influenciada por la música funk. Sus grabaciones de este período incluyen el comercialmente exitoso Green is Beautiful y Live at the Lighthouse. Grant dejó Blue Note de nuevo en 1974 y grabó esporádicamente para diferentes sellos.

Green pasó gran parte de 1978 en el hospital y, en contra de los consejos de los médicos, volvió a la carretera. Mientras estaba en Nueva York para tocar en el Breezin' Lounge de George Benson, Green se desplomó en su coche de un ataque al corazón el 31 de enero de 1979. Fue enterrado en su ciudad natal de St. Louis, Missouri, y le sobrevivieron seis hijos.

https://musicians.allaboutjazz.com/grantgreen

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

 

 

 

Dexter Gordon • One Flight Up

 

Review
by Michael G. Nastos  
When he expatriated to Scandinavia just before this session in Paris was recorded, Dexter Gordon said he was liberated in many ways, as a jazz musician and as a human being. This is reflected in the lengthy track on this album, a testament to that newly found freedom, addressing the restrictions the American music scene placed on artists to do the two- to three-minute hit. With the nearly 18-minute "Tanya" and the 11-minute "Coppin' the Haven," Gordon and his quintet, featuring trumpeter Donald Byrd, were able to jam at length with no thought of being edited, and they fully prolong their instrumental remarks in a way few other musicians -- jazz or otherwise -- would allow themselves. Yes, it would be difficult to hear these tracks on the radio, but the tradeoff was a listening experience for their fans that would also showcase a rare commodity in the lexicon of their style of post-bop mainstream jazz -- consistency. The simple, sweet, and lightly swinging "Tanya" has become a classic song, and it is a staple in most saxophonists' diets, even though the supportive chord structures from pianist Kenny Drew and Byrd's up-front brass are more attractive or noticeable than Gordon's bluesy tenor. Memorable for many reasons, Drew's brilliant composition "Coppin' the Haven" is textbook modern jazz, a modal minor-key delight as Byrd again dominates with a shining, gliding melody tacked on to an easy swing that exemplifies the song form for jazz in its best sense. Gordon steps up apart from the trumpeter on the great ballad "Darn That Dream," and is at his best, wringing every regretful emotion out of his horn as only he can. The CD version contains the bonus track "Kong Neptune" sans Byrd, a good swinger that cops from no other influences, merging the mythical strengths of the two creatures in its title via Gordon's muscular, lithe, and athletic on-land and at-sea horn. At around 47 substantive minutes of music, One Flight Up stands as a testament to Dexter Gordon's viability as a bandleader and teammate, while his individualism is somewhat sublimated. It's a good listen to digest all the way through, especially if you are as patient as the performers, who have a lot to say.}
https://www.allmusic.com/album/one-flight-up-mw0000199303

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Reseña
por Michael G. Nastos  
Cuando se expatrió a Escandinavia justo antes de que se grabara esta sesión en París, Dexter Gordon dijo que se había liberado en muchos sentidos, como músico de jazz y como ser humano. Esto se refleja en el largo tema de este álbum, testimonio de esa libertad recién encontrada, que aborda las restricciones que la escena musical estadounidense imponía a los artistas para hacer el hit de dos o tres minutos. Con "Tanya", de casi 18 minutos, y "Coppin' the Haven", de 11 minutos, Gordon y su quinteto, en el que destaca el trompetista Donald Byrd, pudieron improvisar sin pensar en ser editados, y prolongaron al máximo sus comentarios instrumentales de una forma que pocos músicos, de jazz o no, se permitirían. Sí, sería difícil escuchar estos temas en la radio, pero la compensación era una experiencia auditiva para sus fans que también mostraría un bien raro en el léxico de su estilo de jazz post-bop mainstream: la consistencia. La sencilla, dulce y ligeramente oscilante "Tanya" se ha convertido en una canción clásica, y es un elemento básico en la dieta de la mayoría de los saxofonistas, a pesar de que las estructuras de acordes de apoyo del pianista Kenny Drew y los metales de Byrd son más atractivos o notables que el tenor bluesy de Gordon. Memorable por muchas razones, la brillante composición de Drew "Coppin' the Haven" es jazz moderno de manual, una delicia modal en clave menor en la que Byrd domina de nuevo con una melodía brillante y deslizante unida a un swing fácil que ejemplifica la forma de canción para el jazz en su mejor sentido. Gordon se separa del trompetista en la gran balada "Darn That Dream", y está en su mejor momento, exprimiendo cada emoción lamentosa de su trompa como sólo él puede hacerlo. La versión en CD contiene el tema extra "Kong Neptune" sin Byrd, un buen swinger que no bebe de otras influencias, fusionando las fuerzas míticas de las dos criaturas de su título a través de la musculosa, ágil y atlética trompa de Gordon en tierra y mar. Con unos 47 sustanciosos minutos de música, One Flight Up se erige como un testamento de la viabilidad de Dexter Gordon como líder de banda y compañero de equipo, mientras su individualismo queda algo sublimado. Es una buena escucha para digerir hasta el final, especialmente si se es tan paciente como los intérpretes, que tienen mucho que decir.}
https://www.allmusic.com/album/one-flight-up-mw0000199303