The Best Of Etta Jones • The Prestige Singles

 

Review by Richie Unterberger
While Etta Jones could not be placed into the very top tier of jazz singers, she was a good one. And as this compilation draws 18 tracks from the most commercially and artistically successful phase of her career, it might be the best place to start for hearing her work. Recorded between 1960 and 1963, these did all happen to be released on singles, as the title indicates, though it's sometimes forgotten that there were still jazz tracks being issued as singles in the 1960s. Of course, the most popular of those was "Don't Go to Strangers," which actually made the pop Top 40 in 1960. Jones was a warm and versatile singer with a bit more appeal to pop listeners than most, usually backed by good small combos on this mixture of ballads and up-tempo material, though Oliver Nelson arranged and conducted the strings on a most adventurous, eccentric "Unchained Melody." More satisfying than the ballads, though, are the sassier, faster, and slightly bluesier outings, like "You Came a Long Way From St. Louis," "In the Dark," the sultry "The Gal From Joe's," and (again with Nelson's strings) "Just Friends." The cha cha pass at "Nature Boy" is good, too, with Kenny Burrell handling one of the guitars. 
https://www.allmusic.com/album/the-best-of-etta-jones-the-prestige-singles-mw0000220764

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Reseña de Richie Unterberger
Aunque Etta Jones no podía considerarse una de las mejores cantantes de jazz, era una buena intérprete. Y como esta recopilación reúne 18 temas de la etapa más exitosa de su carrera, tanto comercial como artísticamente, puede que sea el mejor punto de partida para conocer su trabajo. Grabadas entre 1960 y 1963, todas ellas se publicaron en singles, como indica el título, aunque a veces se olvida que en la década de 1960 todavía se publicaban temas de jazz en singles. Por supuesto, el más popular de ellos fue «Don't Go to Strangers», que llegó a entrar en el Top 40 pop en 1960. Jones era una cantante cálida y versátil, con un poco más de atractivo para los oyentes de pop que la mayoría, normalmente acompañada por buenos combos pequeños en esta mezcla de baladas y temas más animados, aunque Oliver Nelson arregló y dirigió las cuerdas en una versión muy atrevida y excéntrica de «Unchained Melody». Sin embargo, más satisfactorias que las baladas son las canciones más atrevidas, rápidas y ligeramente más blueseras, como «You Came a Long Way From St. Louis», «In the Dark», la sensual «The Gal From Joe's» y (de nuevo con las cuerdas de Nelson) «Just Friends». El cha cha cha de «Nature Boy» también es bueno, con Kenny Burrell a la guitarra. 
https://www.allmusic.com/album/the-best-of-etta-jones-the-prestige-singles-mw0000220764

VA • Impulse! 6 Great Jazz Collection

 

 
John Coltrane Quartet: Ballads 
John Coltrane (tenor sax), McCoy Tyner (piano), Jimmy Garrison & Reggie Workman (bass), Elvin Jones (drums)

Sonny Rollins: On Impulse! 
Sonny Rollins (tenor sax), Ray Bryant (piano), Walter Booker (bass), Mickey Roker (drums)

Roy Haynes Quartet: Out of the afternoon 
Roy Haynes (drums), Roland Kirk (tenor sax, flute), Tommy Flanagan (piano), Henry Grimes (bass)

Oliver Nelson: The Blues and the Abstract Truth 
Oliver Nelson (alto sax & tenor sax), Eric Dolphy (alto sax & flute), Freddie Hubbard (trumpet), George Barrow (baritone sax), Bill Evans (piano), Paul Chambers (bass), Roy Haynes (drums)

Count Basie: Count Basie and the Kansas City 7 
Count Basie (piano, organ), Thad Jones (trumpet), Frank Wess (flute), Frank Foster (tenor sax, flute), Eric Dixon (tenor sax, flute), Freddie Green (guitar), Ed Jones (bass), Sonny Payne (drums)

John Coltrane and Johnny Hartman: John Coltrane and Johnny Hartman 
John Coltrane (tenor sax), McCoy Tyner (piano), Jimmy Garrison (bass), Elvin Jones (drums), Johnny Hartman (vocals)

 

VA • Jazz Classics

 

Shirley Scott Trio • Great Scott!!

Born in Philadelphia, Pennsylvania, Scott studied trumpet and piano in school. As a performer in the 1950s, she played the Hammond B-3 organ. Her recordings with Eddie "Lockjaw" Davis included the hit "In the Kitchen". Influenced by gospel and blues, she played soul jazz in the 1960s with Stanley Turrentine, who became her husband during the same decade; the couple divorced in 1971.

Although organ trios declined in popularity during the 1970s, they resurged in the 1980s and she recorded again. In the 1990s, she recorded as pianist in a trio and performed at venues in Philadelphia. She was also a jazz educator.

Scott won an $8 million settlement in 2000 against American Home Products, the manufacturers of the diet drug fen-phen. She died of heart failure in 2002.

On June 25, 2019, The New York Times Magazine listed Shirley Scott among hundreds of artists whose material was reportedly destroyed in the 2008 Universal fire.

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Nacida en Filadelfia, Pensilvania, Scott estudió trompeta y piano en la escuela. Como intérprete en la década de 1950, tocó el órgano de Hammond B-3. Sus grabaciones con Eddie "Lockjaw" Davis incluyeron el éxito "In the Kitchen". Influenciada por el gospel y el blues, tocó soul jazz en los años 60 con Stanley Turrentine, quien se convirtió en su marido durante la misma década; la pareja se divorció en 1971.

Aunque la popularidad de los tríos de órgano disminuyó durante la década de 1970, resurgieron en la década de 1980 y ella grabó de nuevo. En los años 90, grabó como pianista en un trío y actuó en lugares de Filadelfia. También fue educadora de jazz.

Scott ganó un acuerdo de $8 millones en el año 2000 contra American Home Products, los fabricantes del medicamento dietético fen-phen. Murió de insuficiencia cardíaca en 2002.

El 25 de junio de 2019, la revista The New York Times Magazine incluyó a Shirley Scott entre los cientos de artistas cuyo material fue destruido en el incendio de Universal de 2008.

Lem Winchester Sextet featuring Oliver Nelson • Lem's Beat

Review by Scott Yanow

Lem Winchester, an ill-fated vibraphonist who was influenced musically by Milt Jackson, teams up with tenor saxophonist Oliver Nelson, altoist Curtis Peagler and a fine rhythm section for a good straight-ahead date that has been reissued on CD. Nelson emerges as the most distinctive solo voice, and since he contributed three of the six songs, the tenorman's musical personality dominates this set. Winchester shows much potential that, due to his untimely death in early 1961, was never fulfilled. Good bop-based music.

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Revisión por Scott Yanow

Lem Winchester, un vibrafonista maleducado que fue influenciado musicalmente por Milt Jackson, se une al saxofonista Oliver Nelson, al granista Curtis Peagler y a una sección de buen ritmo para una buena fecha directa que se ha reeditado en CD. Nelson emerge como la voz solista más distintiva, y ya que contribuyó con tres de las seis canciones, la personalidad musical del tenorman domina este conjunto. Winchester muestra un gran potencial que, debido a su prematura muerte a principios de 1961, nunca se cumplió. Buena música basada en el bop.

Frank Wess • Southern Comfort

 

Mundell Lowe • Blues For A Stripper

Mundell Lowe, Eddie Costa, George Duvivier, Clark Terry, Joe Newman, Urbie Green, Al Cohn, Phil Woods, Oliver Nelson ...

Lem Winchester • Another Opus

 

Review by Scott Yanow

Vibraphonist Lem Winchester died on January 13, 1961, after an accident with a gun. Although he did not stick around long enough to carve out his own original voice (remaining influenced to a large degree by Milt Jackson), Winchester did record several worthy albums during his final couple of years. This set, which has been reissued on CD in the OJC series, was one of his last and best. Winchester -- in a quintet with flutist Frank Wess, pianist Hank Jones, bassist Eddie Jones, and drummer Gus Johnson -- is in swinging and creative form on three of his originals, Oliver Nelson's "The Meetin'," and the standard "Like Someone in Love." A bonus cut from October 14, 1960, finds Winchester playing "Lid Flippin'" with a quintet that features organist Johnny "Hammond" Smith. Overall this album is one of Lem Winchester's definitive sets.

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Revisión por Scott Yanow

El vibrafonista Lem Winchester murió el 13 de enero de 1961, después de un accidente con un arma. Aunque no se quedó el tiempo suficiente para grabar su propia voz original (que se mantuvo influenciado en gran medida por Milt Jackson), Winchester grabó varios álbumes dignos durante sus últimos dos años. Este conjunto, que ha sido reeditado en CD en la serie OJC, fue uno de sus últimos y mejores. Winchester, en un quinteto con el flautista Frank Wess, el pianista Hank Jones, el bajista Eddie Jones y el baterista Gus Johnson, se encuentra en tres de sus originales, "The Meetin '" de Oliver y el estándar "Like". Alguien en el amor ". Una reducción adicional del 14 de octubre de 1960, encuentra a Winchester tocando "Lid Flippin '" con un quinteto que presenta al organista Johnny "Hammond" Smith. En general, este album es uno de los conjuntos definitivos de Lem Winchester.

 

Wes Montgomery • Goin' Out of My Head

Artist Biography

Born in Indianapolis, Indiana, United States (where he also died of a heart attack in 1968), Montgomery came from a musical family, in which his brothers, Monk (string bass and electric bass) and Buddy (vibraphone, and piano), were jazz performers. Although Wes was not skilled at reading music, he could learn complex melodies and riffs by ear. Montgomery started learning guitar in his late teens, listening to and learning recordings of his idol, the guitarist Charlie Christian.

Along with the use of octaves (playing the same note on two strings one octave apart) for which he is widely known, Montgomery was also an excellent “single-line” or “single-note” player, and was very influential in the use of block chords in his solos. His playing on the jazz standard “Lover Man” is an example of his single-note, octave and block chord soloing. (”Lover Man” appears on the Fantasy album THE MONTGOMERY BROTHERS.)

Instead of using a guitar pick, Montgomery plucked the strings with the fleshy part of his thumb, using downstrokes for single notes and a combination of upstrokes and downstrokes for chords and octaves. This technique enabled him to get a mellow, expressive tone from his guitar. George Benson, in the liner notes of the Ultimate Wes Montgomery album, wrote that “Wes had a corn on his thumb, which gave his sound that point. He would get one sound for the soft parts, and then that point by using the corn. That's why no one will ever match Wes. And his thumb was double- jointed. He could bend it all the way back to touch his wrist, which he would do to shock people.”

He generally played a Gibson L-5CES guitar. In his later years he played one of two guitars that Gibson custom made for him. In his early years, Montgomery had a tube amp, often a Fender. In his later years he played a Standel.

Montgomery toured with vibraphonist Lionel Hampton's orchestra from July 1948 to January 1950, and can be heard on recordings from this period. Montgomery then returned to Indianapolis and did not record again until December 1957 (save for one session in 1955), when he took part in a session that included his brothers Monk and Buddy, as well as trumpeter Freddie Hubbard, who made his recording debut with Montgomery. Most of the recordings made by Montgomery and his brothers from 1957-1959 were released on the Pacific Jazz label.

From 1959 Montgomery was signed to the Riverside Records label, and remained there until late 1963, just before the company went bankrupt. The recordings made during this period are widely considered by fans and jazz historians to be Montgomery's best and most influential. Two sessions in January 1960 yielded The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery, which was recorded as a quartet with pianist Tommy Flanagan, bassist Percy Heath and drummer Albert “Tootie” Heath. The album featured one of Montgomery's most well-known compositions, “Four on Six.”

Almost all of Montgomery's output on Riverside featured the guitarist in a small group setting, usually a quartet or quintet, playing a mixture of hard- swinging uptempo jazz numbers and quiet ballads. In 1964 Montgomery moved to Verve Records for two years. His stay at Verve yielded a number of albums where he was featured with an orchestra, and during this period Montgomery's music started to shift in to the territory of pop music. One notable exception is 1965's Smokin' at the Half Note, which showcased two memorable appearances at the famous New York City club with the Wynton Kelly Trio. Wes continued to play outstanding live jazz guitar, as evidenced by surviving audio and video recordings from his 1965 tour of Europe.

As a considered founder of the Smooth Jazz school the album “Bumpin'” (1965) represents a model from which many modern recording are derived. In it, a full orchestral type of scoring goes beyond the artist's own ability to riff creating a wholistic concept of music and of Jazz. Longer clips from all of the tracks tracks on “Bumpin'” and other Wes Montgomery albums are found on Verve Records website.

By the time Montgomery released his first album for A&M Records, he had seemingly totally abandoned the straightforward jazz of his earlier career for the more lucrative pop market. The three albums released during his A&M period (1967-68) feature orchestral renditions of famous pop songs (”Scarborough Fair,” “I Say a Little Prayer for You,” “Eleanor Rigby,” etc.) with Montgomery reciting the melody with his guitar. While these records were the most commercially successful of his career, they are now poorly regarded by some fans and critics.

Montgomery's home town of Indianapolis has named a park in his honor.

Many jazz and rock guitarists today list Montgomery among their influences including: Carlos Santana, Jimi Hendrix, Pat Martino, Lee Ritenour, Pat Metheny, George Benson, Pete Smyser, Chris Standring, Eric Johnson, Yoshiaki Miyanoue and Joe Satriani.

By some accounts, Montgomery has been the most influential jazz guitarist of all time, whose style has transcended into other forms of music, including Rock 'n' Roll, Soul, and Rhythm and Blues.[citation needed] Many songwriters and composers have written musical tributes to him, including Stevie Wonder and Eric Johnson.

https://musicians.allaboutjazz.com/wesmontgomery

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Biografía del artista

Nacido en Indianápolis, Indiana, Estados Unidos (donde también murió de un ataque al corazón en 1968), Montgomery provenía de una familia de músicos, en la que sus hermanos, Monk (bajo de cuerda y bajo eléctrico) y Buddy (vibráfono y piano), eran intérpretes de jazz. Aunque Wes no era hábil en la lectura de música, podía aprender de oído melodías complejas y riffs. Montgomery comenzó a aprender guitarra en su adolescencia, escuchando y aprendiendo grabaciones de su ídolo, el guitarrista Charlie Christian.

Junto con el uso de octavas (tocando la misma nota en dos cuerdas separadas por una octava) por lo que es ampliamente conocido, Montgomery fue también un excelente intérprete de "una sola línea" o "una sola nota", y fue muy influyente en el uso de acordes de bloque en sus solos. Su interpretación en el estándar de jazz "Lover Man" es un ejemplo de sus solos de una sola nota, octava y acorde de bloque. ("Lover Man" aparece en el álbum de fantasía THE MONTGOMERY BROTHERS.)

En lugar de usar una púa de guitarra, Montgomery desplumó las cuerdas con la parte carnosa de su pulgar, usando las pulsaciones hacia abajo para notas simples y una combinación de pulsaciones hacia arriba y hacia abajo para acordes y octavas. Esta técnica le permitió obtener un tono suave y expresivo de su guitarra. George Benson, en las notas del disco Ultimate Wes Montgomery, escribió que "Wes tenía una mazorca en el pulgar, lo que le dio ese punto a su sonido. Obtenía un sonido para las partes blandas, y luego ese punto usando el maíz. Por eso nadie podrá igualar a Wes. Y su pulgar estaba doblemente articulado. Podía doblarlo todo para tocarse la muñeca, lo que hacía para sorprender a la gente".

Generalmente tocaba una guitarra Gibson L-5CES. En sus últimos años tocó una de las dos guitarras que Gibson fabricó para él. En sus primeros años, Montgomery tenía un amplificador a válvulas, a menudo un Fender. En sus últimos años tocó un Standel.

Montgomery realizó una gira con la orquesta del vibrafonista Lionel Hampton desde julio de 1948 hasta enero de 1950, y se puede escuchar en grabaciones de este período. Montgomery regresó a Indianápolis y no volvió a grabar hasta diciembre de 1957 (salvo una sesión en 1955), cuando participó en una sesión que incluyó a sus hermanos Monk y Buddy, así como al trompetista Freddie Hubbard, quien hizo su debut discográfico con Montgomery. La mayoría de las grabaciones hechas por Montgomery y sus hermanos entre 1957 y 1959 fueron editadas por el sello Pacific Jazz.

A partir de 1959, Montgomery fue fichado por el sello Riverside Records y permaneció allí hasta finales de 1963, justo antes de que la empresa quebrara. Las grabaciones realizadas durante este período son ampliamente consideradas por los aficionados y los historiadores del jazz como las mejores y más influyentes de Montgomery. Dos sesiones en enero de 1960 dieron como resultado The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery, que fue grabado como un cuarteto con el pianista Tommy Flanagan, el bajista Percy Heath y el baterista Albert "Tootie" Heath. El álbum contenía una de las composiciones más conocidas de Montgomery, "Four on Six".

Casi toda la producción de Montgomery en Riverside presentaba al guitarrista en un pequeño grupo, generalmente un cuarteto o quinteto, tocando una mezcla de números de jazz y baladas tranquilas. En 1964 Montgomery se mudó a Verve Records por dos años. Su estancia en Verve produjo varios álbumes donde fue presentado con una orquesta, y durante este período la música de Montgomery comenzó a cambiar hacia el territorio de la música pop. Una excepción notable es el Smokin' at the Half Note de 1965, que mostró dos apariciones memorables en el famoso club de la ciudad de Nueva York con el Wynton Kelly Trio. Wes continuó tocando la guitarra de jazz en vivo, como lo demuestran las grabaciones de audio y video de su gira por Europa en 1965.

Como considerado fundador de la escuela de Smooth Jazz, el álbum "Bumpin'" (1965) representa un modelo del que se derivan muchas grabaciones modernas. En ella, un tipo de partitura orquestal completa va más allá de la propia capacidad del artista para riffar, creando un concepto holístico de la música y del Jazz. Los clips más largos de todas las canciones de "Bumpin'" y otros álbumes de Wes Montgomery se encuentran en el sitio web de Verve Records.

Para cuando Montgomery lanzó su primer álbum para A&M Records, había abandonado totalmente el jazz directo de su carrera anterior por el mercado pop más lucrativo. Los tres álbumes publicados durante su periodo A&M (1967-68) incluyen interpretaciones orquestales de famosas canciones pop ("Scarborough Fair", "I Say a Little Prayer for You", "Eleanor Rigby", etc.) con Montgomery recitando la melodía con su guitarra. Aunque estos discos fueron los más exitosos comercialmente de su carrera, ahora son mal vistos por algunos aficionados y críticos.

La ciudad natal de Montgomery, Indianápolis, ha nombrado un parque en su honor.

Muchos guitarristas de jazz y rock hoy en día incluyen a Montgomery entre sus influencias, incluyendo: Carlos Santana, Jimi Hendrix, Pat Martino, Lee Ritenour, Pat Metheny, George Benson, Pete Smyser, Chris Standring, Eric Johnson, Yoshiaki Miyanoue y Joe Satriani.

Según algunos relatos, Montgomery ha sido el guitarrista de jazz más influyente de todos los tiempos, cuyo estilo ha trascendido a otras formas de música, incluyendo el Rock'n' Roll, Soul, y Rhythm and Blues[se necesitan citas] Muchos compositores y compositores le han escrito tributos musicales, incluyendo a Stevie Wonder y Eric Johnson. 

https://musicians.allaboutjazz.com/wesmontgomery

Eddie Lockjaw Davis Big Band • Trane Whistle

This CD reissue brings back an Eddie "Lockjaw" Davis session in which the distinctive tenor saxophonist is joined by a 13-piece big band arranged by Oliver Nelson. Most significant is the inclusion of the original version of "Stolen Moments" (here called "The Stolen Moment" and predating the more famous Oliver Nelson recording by several months). Eric Dolphy is in the backup group but is not heard from in a solo capacity. There are some spots for trumpeters Richard Williams, Clark Terry and Bobby Bryant along with Nelson on alto but this is primarily Davis' showcase. On a set comprised of four Oliver Nelson originals, the ballad "You Are Too Beautiful" and the leader's "Jaws," Lockjaw as usual shows plenty of emotion during his driving solos.

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Esta reedición de CD trae de regreso una sesión de Eddie "Lockjaw" Davis en la que el saxofonista tenor se une a una banda grande de 13 piezas organizada por Oliver Nelson. Lo más significativo es la inclusión de la versión original de "Stolen Moments" (aquí llamada "The Stolen Moment" y que precede a la grabación más famosa de Oliver Nelson por varios meses). Eric Dolphy está en el grupo de copia de seguridad, pero no se oye de él en forma individual. Hay algunos lugares para los trompetistas Richard Williams, Clark Terry y Bobby Bryant junto con Nelson en alto, pero esto es principalmente el escaparate de Davis. En un set compuesto por cuatro originales de Oliver Nelson, la balada "You Are Too Beautiful" y las "Jaws" del líder, Lockjaw, como siempre, muestra mucha emoción durante sus solos de conducción.

Hank Jones-Oliver Nelson • Happenings

 

 

Jimmy Smith • Hoochie Coochie Man

 

 

Cannonball Adderley • Domination

 

Review
by Michael G. Nastos  
Following suit with several other great jazz soloists, Cannonball Adderley teamed with Oliver Nelson and a star-studded 18-piece big band plus percussionists for this program of big-band-coerced modern post-bop. Brother Nat Adderley joins Cannonball, in many instances playing tandem lines, while the alto saxophonist plays solos on many of these selections, all originals written by a variety of authors. If you remember Cannonball Adderley's first album in collaboration with Quincy Jones, you can easily correlate the similarities between the two recordings. The difference is that because of the larger choice of composers, the music has a larger palette, but not necessarily one that is focused. Bop is the central character, as heard during the title track in its truly collaborative sound and the exceptional track "Gon Gong," based in a two-note vehicle that supports the alto saxophonist and the horn section. Both Adderley brothers play together quite a bit on head melodies, with the exotic, self-explanatory "Introduction to a Samba" and the boppish "Interlude" as the best examples. Getting more into the Latin bit, "Shake a Lady" simmers slowly in a hip and sexy Afro-Cuban cha-cha, while "Cyclops," despite the unwieldy title, is a typical soul-jazz number that Nelson regularly doled out, with counterpointed brass and woodwinds battling it out. While not an essential or pivotal recording in Cannonball Adderley's career, Domination is one of his few big-band joint efforts, an intriguing studio-produced sidebar in his otherwise stellar discography.
https://www.allmusic.com/album/domination-mw0000210528

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Reseña
por Michael G. Nastos  
Siguiendo el ejemplo de otros grandes solistas de jazz, Cannonball Adderley se asoció con Oliver Nelson y una big band de 18 músicos más percusionistas para este programa de post-bop moderno forzado por big-band. El hermano Nat Adderley se une a Cannonball, en muchos casos tocando líneas en tándem, mientras que el saxofonista alto toca solos en muchas de estas selecciones, todas originales escritas por diversos autores. Si recuerda el primer álbum de Cannonball Adderley en colaboración con Quincy Jones, podrá correlacionar fácilmente las similitudes entre ambas grabaciones. La diferencia es que, debido a la mayor elección de compositores, la música tiene una paleta más amplia, pero no necesariamente centrada. El bop es el personaje central, como se escucha durante el tema que da título al disco en su sonido verdaderamente colaborativo y en el excepcional tema "Gon Gong", basado en un vehículo de dos notas que sostiene al saxofonista alto y a la sección de vientos. Los dos hermanos Adderley colaboran bastante en las melodías de cabeza, con la exótica y autoexplicativa "Introduction to a Samba" y el boppish "Interlude" como mejores ejemplos. Entrando más en la parte latina, "Shake a Lady" se sumerge lentamente en un moderno y sexy cha-cha-cha afrocubano, mientras que "Cyclops", a pesar de su difícil título, es un típico número de soul-jazz que Nelson interpreta regularmente, con metales y maderas contrapunteando. Aunque no se trata de una grabación esencial o fundamental en la carrera de Cannonball Adderley, Domination es uno de sus pocos trabajos conjuntos con big-band, una intrigante nota secundaria producida en estudio en su discografía, por lo demás estelar.
https://www.allmusic.com/album/domination-mw0000210528

VA • This Is Flying Dutchman 1969-1975

 

 

Editorial Review:
Bob Thiele is one of the great producers. For his work with John Coltrane alone, where he gave free reign to the saxophone great's wildest musical visions including 'A Love Supreme', ignoring the usual cost consciousness of a major label, he deserves to be lauded. In addition to this his 8 years at Impulse saw him recording seminal works by scores of musicians including late blooming masterpieces by Ellington and Hodges, and a whole wave of 'new thing' jazzers such as Archie Shepp and Pharoah Sanders. He didn't stop there and when he launched his own label Flying Dutchman in 1969, he continued to innovate and record music that reflected its times, but that also resonates down through the ages.
 
It is to Flying Dutchman that we are paying tribute in our latest 'This Is' compilation. We of course turn the focus on the label's two main stars. Gil Scott-Heron's recordings for the label ran to three records, which sold well but not spectacularly at the time. They have since taken on a resonance that makes the album "Pieces Of A Man" in particular one of the most important recordings of the last century, and its opening track 'The Revolution Will Not Be Televised' an anthem. Pianist Lonnie Liston Smith had been on Thiele's final important Impulse recording Pharoah Sanders "Karma", and continued to appear on Flying Dutchman first as a sideman and then as a leader. His 1975 album "Expansions" was the perfect encapsulation of his 'Cosmic aware jazz' and the titles track a moment of near perfection which has become one of the foundation pieces of modern dance music.
 
Flying Dutchman's other great discoveries are here. Vocalist Leon Thomas found a new route for jazz vocals in the early 70s, which made him a star and earned him a place in Santana. Gato Barbieri became one of the major saxophone stars of the era, after Thiele enabled him to meld his free jazz leanings to the rhythms of South America. The label also made important recordings with Tom Scott (featured on Thiele's own 'Head Start'), Ornette Coleman and Oliver Nelson, whilst interesting records appeared by Esther Marrow, Harold Alexander and many more.
 
This is Flying Dutchman is a considered tribute to the label, and features in depth and fully illustrated sleeve notes. In the year when Bob Thiele's son is gearing up to release the first new music on the label since 1976, it is an apt & timely reminder of the power of the music.
https://acerecords.co.uk/this-is-flying-dutchman-1969-1975

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Reseña editorial:
Bob Thiele es uno de los grandes productores. Sólo por su trabajo con John Coltrane, en el que dio rienda suelta a las visiones musicales más salvajes del gran saxofonista, como "A Love Supreme", ignorando la habitual conciencia de costes de las grandes discográficas, merece ser alabado. Además, sus 8 años en Impulse le permitieron grabar obras seminales de decenas de músicos, incluidas obras maestras de Ellington y Hodges, y toda una oleada de jazzistas "novedosos" como Archie Shepp y Pharoah Sanders. No se detuvo ahí y cuando lanzó su propio sello Flying Dutchman en 1969, continuó innovando y grabando música que reflejaba su época, pero que también resonaba a través de los tiempos.
 
Es a Flying Dutchman a quien rendimos homenaje en nuestro último recopilatorio "This Is". Por supuesto, nos centramos en las dos principales estrellas del sello. Gil Scott-Heron grabó tres discos para el sello, que se vendieron bien pero no de forma espectacular en su momento. Desde entonces han adquirido una resonancia que hace del álbum "Pieces Of A Man" en particular una de las grabaciones más importantes del siglo pasado, y de su tema de apertura 'The Revolution Will Not Be Televised' un himno. El pianista Lonnie Liston Smith había participado en la última grabación importante de Thiele para Impulse, Pharoah Sanders "Karma", y siguió apareciendo en Flying Dutchman primero como músico de acompañamiento y luego como líder. Su álbum de 1975 "Expansions" fue la encapsulación perfecta de su "Cosmic aware jazz" y la canción del título un momento de casi perfección que se ha convertido en una de las piezas fundamentales de la música de baile moderna.
 
Los otros grandes descubrimientos de Flying Dutchman están aquí. El vocalista Leon Thomas encontró una nueva vía para las voces de jazz a principios de los 70, lo que le convirtió en una estrella y le valió un puesto en Santana. Gato Barbieri se convirtió en una de las principales estrellas del saxofón de la época, después de que Thiele le permitiera fusionar sus inclinaciones por el free jazz con los ritmos de Sudamérica. El sello también realizó importantes grabaciones con Tom Scott (que aparece en "Head Start" del propio Thiele), Ornette Coleman y Oliver Nelson, mientras que aparecieron interesantes discos de Esther Marrow, Harold Alexander y muchos más.
 
This is Flying Dutchman es un considerado tributo al sello, y cuenta con notas en la carátula detalladas y completamente ilustradas. En el año en que el hijo de Bob Thiele se prepara para publicar la primera música nueva del sello desde 1976, es un oportuno recordatorio del poder de la música.
https://acerecords.co.uk/this-is-flying-dutchman-1969-1975


acerecords.co.uk ...

Paul Horn • Monday, Monday

 

 

Paul Horn began playing the piano at the age of four, the clarinet at ten, and the saxophone at twelve. He studied the clarinet and flute at the Oberlin Conservatory of Music in Ohio, earning a bachelor's degree. He gained a master's degree from the Manhattan School of Music. Moving to Los Angeles he played with Chico Hamilton's Quintet from 1956 to 1958 and recorded his debut album Something Blue in 1960. By now an established West Coast session player he played on the Duke Ellington Orchestra's Suite Thursday and worked with Nat King Cole, Tony Bennett and others. In 1970, he moved with his second wife Tryntje and two sons Marlen and Robin from his first marriage to Victoria, British Columbia on Vancouver Island. He formed his own quintet and has recorded film scores for the National Film Board of Canada. He was known for his innovations on both metal and traditional wooden flutes. Best known of his albums are his "Inside" recordings, which feature airy, echoing sounds created in places of spiritual importance. The series began with Horn sneaking a tape recorder into the Taj Mahal during a trip to India in 1968, (released as Inside) where he was with The Beatles at Rishikesh, and continued later with recordings inside the Great Pyramid of Giza, and a return to the Taj Mahal in 1989. Horn later made similar recordings in a cathedral, in the canyons of the Southwestern United States with Native American flautist R. Carlos Nakai, and with Orcas. In 1998 he was able to record within the walls of the Potala Palace in Lhasa, Tibet. Horn was the first westerner to be granted permission to perform inside this massive structure, considered the spiritual nexus of Tibetan Buddhism. Horn returned to Tibet in 2003 to film on the holy Mount Kailash, where he scattered the ashes of his former travelling companion, Buddhist monk Lama Tenzin. While well practiced as a jazz musician, many of his works defy such categorization. As well as the Inside series, he recorded other albums of jazz with musicians from a range of cultures and backgrounds including China and Africa. He lived in British Columbia and the American Southwest. He was married to the Canadian singer and songwriter Ann Mortifee.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/paul-horn/

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Paul Horn empezó a tocar el piano a los cuatro años, el clarinete a los diez y el saxofón a los doce. Estudió clarinete y flauta en el Conservatorio de Música de Oberlin (Ohio), donde se licenció. Obtuvo un máster en la Manhattan School of Music. Se trasladó a Los Ángeles, donde tocó con el Quinteto de Chico Hamilton de 1956 a 1958 y grabó su álbum debut Something Blue en 1960. Convertido ya en un músico de sesión consolidado en la Costa Oeste, tocó en la Suite Thursday de la Orquesta de Duke Ellington y trabajó con Nat King Cole, Tony Bennett y otros. En 1970 se trasladó con su segunda esposa, Tryntje, y los dos hijos de su primer matrimonio, Marlen y Robin, a Victoria, en la Columbia Británica, en la isla de Vancouver. Formó su propio quinteto y grabó partituras para el National Film Board de Canadá. Fue conocido por sus innovaciones tanto en flautas de metal como en las tradicionales de madera. Sus álbumes más conocidos son las grabaciones «Inside», con sonidos aéreos y resonantes creados en lugares de importancia espiritual. La serie comenzó con Horn colando una grabadora en el Taj Mahal durante un viaje a la India en 1968 (publicado como Inside), donde estuvo con los Beatles en Rishikesh, y continuó después con grabaciones en el interior de la Gran Pirámide de Giza, y un regreso al Taj Mahal en 1989. Horn realizó grabaciones similares en una catedral, en los cañones del suroeste de Estados Unidos con el flautista nativo americano R. Carlos Nakai, y con Orcas. En 1998 pudo grabar entre los muros del Palacio de Potala, en Lhasa (Tíbet). Horn fue el primer occidental que obtuvo permiso para actuar en el interior de esta enorme estructura, considerada el nexo espiritual del budismo tibetano. Horn regresó al Tíbet en 2003 para rodar en el sagrado monte Kailash, donde esparció las cenizas de su antiguo compañero de viaje, el monje budista Lama Tenzin. Aunque se le conoce bien como músico de jazz, muchas de sus obras desafían tal categorización. Además de la serie Inside, grabó otros álbumes de jazz con músicos de diversas culturas y procedencias, como China y África. Vivió en la Columbia Británica y en el suroeste de Estados Unidos. Estuvo casado con la cantante y compositora canadiense Ann Mortifee.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/paul-horn/

Oliver Nelson with Eric Dolphy • Straight Ahead

Review by Scott Yanow

A very interesting quintet set, Straight Ahead matches together Oliver Nelson (on alto and tenor) and Eric Dolphy (tripling on alto, flute, and bass clarinet). With the assistance of pianist Richard Wyands, bassist George Duvivier, and drummer Roy Haynes, the two reedmen battle it out on six compositions (five of Nelson's originals plus Milt Jackson's "Ralph's New Blues." Although none of Nelson's tunes caught on, this is a pretty memorable date. It certainly took a lot of courage for Oliver Nelson to share the front line with the colorful Eric Dolphy, but his own strong musical personality holds its own on this straight-ahead date.

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Reseña de Scott Yanow

Un conjunto de quinteto muy interesante, Straight Ahead combina a Oliver Nelson (en contralto y tenor) y Eric Dolphy (triplicando en contralto, flauta y clarinete bajo). Con la ayuda del pianista Richard Wyands, el bajista George Duvivier y el baterista Roy Haynes, los dos juncos se enfrentan en seis composiciones (cinco de los originales de Nelson más "Ralph's New Blues" de Milt Jackson). Aunque ninguna de las canciones de Nelson se hizo popular, esta es una cita memorable. Sin duda, Oliver Nelson tuvo que tener mucho valor para compartir la primera línea con el colorido Eric Dolphy, pero su fuerte personalidad musical se mantiene intacta en esta cita.

Shirley Scott • Now's The Time

 

Review:

Now's the Time is an album by organist Shirley Scott compiling several tracks recorded between 1958 and 1964 and released on the Prestige label in 1967. "This is early Scott, several takes from different sessions for this Prestige release", Allmusic.

Yes once upon a time jazz was a man's world but with gals like Shirley Scott around some of the cats are beginning to get inferiority complexes. Like isn't a woman's place in the kitchen! Not when she happens to be Shirley Scott. Her latest cooking is done on a Hammond, not a stove. ~ extract from Liner Notes by Mark Gardner.

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Revisión:

Now's the Time es un álbum de la organista Shirley Scott que recopila varios temas grabados entre 1958 y 1964 y publicados en el sello Prestige en 1967. "Este es el primer Scott, varias tomas de diferentes sesiones para este disco de Prestige", Allmusic.

Sí, hace mucho tiempo el jazz era un mundo de hombres, pero con chicas como Shirley Scott alrededor, algunos de los gatos están empezando a tener complejos de inferioridad. ¡Como si no fuera el lugar de una mujer en la cocina! No cuando resulta que ella es Shirley Scott. Su última cocina se hace en un Hammond, no en una estufa. ~ extracto de Liner Notes de Mark Gardner.

 

Lee Morgan • Delightfulee

 

Review by Michael G. Nastos
As Lee Morgan's career moved from hard and post-bop to soul-jazz, Delightfulee serves as a further bridge in a half-and-half fashion. Four of the seven cuts feature his potent quintet with a young and emerging tenor saxophonist, Joe Henderson, as his front line mate, McCoy Tyner ever brilliant on piano, and Billy Higgins firing up the rhythm as only the drummer could. The remainder of the date consists of tracks orchestrated by Oliver Nelson featuring an 11-piece ensemble. There are two selections that feature versions of compositions with both configurations. "Zambia" is a post-bop classic in Morgan's repertoire, sporting a memorable, concise, no-nonsense melody line punctuated by Tyner's piano chords, but in big-band style, it is full and rich, maybe too much so. The easy, deep waltz "Delightful Deggie," may benefit from the orchestration. Wayne Shorter is the featured tenor on the larger group tracks, while saxophonists Danny Bank and Phil Woods (both doubling on flute, a rarity for Woods),trombonist Tom McIntosh, tuba player Don Butterfield,and French Horn icon James Buffington supply the depth. The drummer for the big-and cuts is Philly Joe Jones, and again, is quite a contrast to the smoother Higgins. Of the small ensemble cuts, the fun calypso boogaloo "Ca-Lee-So" is a postscript for Morgan's big hit "The Sidewinder," recorded three years prior. Tyner strokes out kinetic forms during "Nite Flite," and dips into deep blues for "Deggie." Morgan and Henderson's solos are always spot on. The best big-band track, "Sunrise, Sunset" from Fiddler on the Roof, is extremely hip and features a relaxed Shorter, while the worst, a somber samba take on the Beatles' "Yesterday," seems a throwaway. For some this will always be an oddball release of Morgan's, but it does suggest moving on into what would be a fruitful and successful final five years.
https://www.allmusic.com/album/delightfulee-mw0000205302

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Reseña de Michael G. Nastos
Cuando la carrera de Lee Morgan pasó del hard y el post-bop al soul-jazz, Delightfulee sirve como un puente más a medias. Cuatro de los siete cortes presentan su potente quinteto con un joven y emergente saxofonista tenor, Joe Henderson, como compañero de primera línea, McCoy Tyner siempre brillante al piano, y Billy Higgins disparando el ritmo como sólo el baterista podría hacerlo. El resto de la fecha consiste en temas orquestados por Oliver Nelson con un conjunto de 11 músicos. Hay dos selecciones que presentan versiones de composiciones con ambas configuraciones. "Zambia" es un clásico post-bop en el repertorio de Morgan, con una línea melódica memorable, concisa y sin complicaciones, puntuada por los acordes de piano de Tyner, pero en el estilo de la big band, es plena y rica, quizás demasiado. El vals fácil y profundo "Delightful Deggie" puede beneficiarse de la orquestación. Wayne Shorter es el tenor principal en los temas del grupo más grande, mientras que los saxofonistas Danny Bank y Phil Woods (ambos doblando en flauta, una rareza para Woods), el trombonista Tom McIntosh, el tubista Don Butterfield y el icono de la trompa James Buffington aportan la profundidad. El baterista de los cortes grandes es Philly Joe Jones y, de nuevo, contrasta con el más suave Higgins. De los cortes del pequeño conjunto, el divertido calipso boogaloo "Ca-Lee-So" es un epílogo del gran éxito de Morgan "The Sidewinder", grabado tres años antes. Tyner acaricia formas cinéticas durante "Nite Flite", y se sumerge en un profundo blues para "Deggie". Los solos de Morgan y Henderson son siempre perfectos. El mejor tema de big-band, "Sunrise, Sunset" de Fiddler on the Roof, es extremadamente moderno y cuenta con un relajado Shorter, mientras que el peor, una sombría versión de samba de "Yesterday" de los Beatles, parece un desperdicio. Para algunos, este disco siempre será una rareza de Morgan, pero sugiere el paso a lo que sería un fructífero y exitoso último lustro.
https://www.allmusic.com/album/delightfulee-mw0000205302

Oliver Nelson • Screamin' The Blues

 

Screamin' the Blues is an apt description of the soloists' approach on this 1960 session, here reissued as an RVG remaster, the first of three matching leader Oliver Nelson with avant-gardist Eric Dolphy. Although not as well-known as Nelson's masterpiece, Blues and the Abstract Truth (1961), the date is characterized, above all, by "generosity" on the part of all three principals, including the underrated trumpeter Richard Williams.

Nelson's tenor solo on the title tune is the equivalent of an operatic tenor aria—full-throated, dramatic, played to the back row. It alone is testimony to the remarkable player he was before putting the horn aside and arranging for everyone from Ringo Starr to Thelonious Monk to opera diva Rise Stevens. Add to these activities his film scores for Last Tango in Paris, Lady Sings the Blues, and Alfie, with a sound-track featuring Sonny Rollins, and you begin to wonder less at why he died so young than how he accomplished so much in his forty-three years.

On both tenor and alto Nelson favored a pure but powerful sound. His vibrato spins tightly and he's forward on the beat, but otherwise the decisiveness and absolute assurance with which he "sticks" every note is prime-time Dexter Gordon. Moreover, he thinks like a composer—constructing solos with a beginning, middle, and end, each musical narrative culminating in a majestic but hard-earned climax. As harmonically grounded as he is, no player is more averse to "running the changes"; in fact, Nelson incorporates the principle of tension and release practically to the extreme. He will repeat an identical phrase derived from a chord's "extension notes" to the point of discomfort before relinquishing it to the harmonic mainstream. Especially striking examples are his solos on "Perdido (Soul Battle, 1960) and "Mainstem (Mainstem, 1961).

Following the stentorian statements of Nelson's tenor and Williams' trumpet on the title tune, Dolphy's squawking bass clarinet sounds like an odd duck. But once moving to alto for "March On, March On" he reveals the aggressive technique and bold harmonies that caused Nelson, a harmonic experimenter and virtuoso player in his own right, to see in Dolphy an adventurous musical soul and kindred spirit, someone capable of pushing the leader to greater risks and potentially greater rewards.

Dolphy remains on alto for the next five tunes, frequently raising the bar for Nelson, whose musical-emotional rhetoric, fueled by Dolphy's range-busting top tones and volcanic technique, is not about to give an inch. After a particularly blistering solo by the guest alto player on the leader's "Alto-itis," Nelson starts his solo tenuously, as though planning his attack carefully before executing with breathtaking surgical precision, leaving the "screamin'" to the entire ensemble on the out chorus. Sounding no less eruptive than the Count Basie band—from the Wyands-Duvivier-Haynes power plant to the three explosive horns each impersonating an entire section—it's a fitting finale by musicians for whom feeling blue is an occasion for celebrating.

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Traducción Automática:

Screamin 'the Blues es una descripción acertada del enfoque de los solistas en esta sesión de 1960, aquí reeditado como un remaster RVG, el primero de los tres líderes a juego Oliver Nelson con el vanguardista Eric Dolphy. Aunque no es tan conocida como la obra maestra de Nelson, Blues and the Abstract Truth (1961), la fecha se caracteriza, sobre todo, por la "generosidad" de los tres directores, incluido el subvalorado trompetista Richard Williams.

El solo de tenor de Nelson en la melodía del título es el equivalente a una aria de tenor operística: de garganta completa, dramática, tocada en la fila de atrás. Solo es un testimonio del notable jugador que fue antes de poner a un lado la bocina y organizar a todos, desde Ringo Starr hasta Thelonious Monk hasta la diva de la ópera Rise Stevens. Agregue a estas actividades sus partituras para Last Tango en París, Lady Sings the Blues y Alfie, con una banda sonora con Sonny Rollins, y usted comienza a preguntarse menos por qué murió tan joven que cómo logró tanto en su cuarenta y tres años

Tanto el tenor como el alto Nelson favorecieron un sonido puro pero poderoso. Su vibrato gira con fuerza y ​​está adelantado en el ritmo, pero por lo demás, la decisión y la absoluta seguridad con la que "pega" cada nota es la hora de máxima audiencia de Dexter Gordon. Además, piensa como un compositor: construyendo solos con un principio, medio y final, y cada narración musical culmina en un clímax majestuoso pero difícilmente ganado. Tan armónicamente conectado como está, ningún jugador es más reacio a "ejecutar los cambios"; De hecho, Nelson incorpora el principio de tensión y liberación prácticamente al extremo. Repetirá una frase idéntica derivada de las "notas de extensión" de un acorde hasta el punto de incomodidad antes de entregarla a la corriente armónica. Ejemplos especialmente llamativos son sus solos en "Perdido (Soul Battle, 1960) y" Mainstem (Mainstem, 1961).

Siguiendo las declaraciones estentorianas del tenor de Nelson y la trompeta de Williams en la melodía del título, el clarinete bajo de Dolphy suena como un pato extraño. Pero una vez que se movió a alto para "March On, March On", revela la técnica agresiva y las audaces armonías que causaron que Nelson, un experimentador armónico y un jugador virtuoso por derecho propio, viera en Dolphy un espíritu musical aventurero y un espíritu afín, alguien capaz de empujar al líder a mayores riesgos y potencialmente mayores recompensas.

Dolphy permanece en alto para las próximas cinco melodías, elevando con frecuencia el nivel de Nelson, cuya retórica musical y emocional, impulsada por la gama de tonos de Dolphy y la técnica volcánica, no está a punto de ceder. Después de un solista particularmente intenso por parte del jugador alto invitado en "Alto-itis" del líder, Nelson comienza su solo tenuamente, como si estuviera planeando su ataque con cuidado antes de ejecutar con una precisión quirúrgica impresionante, dejando el "grito" a todo el conjunto en el fuera coro Suena no menos eruptiva que la banda de Count Basie, desde la central eléctrica Wyands-Duvivier-Haynes hasta los tres cuernos explosivos que se hacen pasar por una sección completa, es un final apropiado para los músicos para quienes sentirse mal es una ocasión para celebrar.

Oliver Nelson & Steve Allen • Soulful Brass