Mongo Santamaría • Afro-American Latin

 

Review by Richie Unterberger
Santamaria recorded an entire album in March 1969 that was inspired by the Afro-Cuban religion Santeria with encouragement from producer David Rubinson. It was done, however, in an era when Santamaria was being marketed by Columbia as a jazz-pop-soul crossover artist. The label rejected the album and it was shelved until 2000, when it finally appeared as a CD. While it's a solid record, and certainly closer to Santamaria's roots than much of his Columbia work was, one would be hard-pressed to say that its failure to appear when it was first made was a tragedy. Really, it's not too much different than the less soul-pop-oriented Latin jazz Santamaria has done throughout his career. Perhaps it's at times a little looser and bolder than Santamaria was wont to be, as with Sonny Fortune's squealing alto sax lines on "Mambo Leah" or the ten-minute "Obatala," a rave-up that moves from an opening conga/bata duet through several sections into a hyper-tempo charanga. But it's not all along these lines: "Sheila" is just a mellow jazz ballad (not that there's anything wrong with that) while "Me and You Baby" and "Boogaloo Wow" are more in line with the boogaloo that was raking in the sales for Mongo and Columbia. It's nice that Mongo fans have an opportunity to hear it after the passage of 30 years, but it's difficult to say that it would have made any difference to the trajectory of his career had it appeared as Santamaria and Rubinson intended, although the success of Santana right after its cancellation might have helped draw attention to it. One of the songs, the aforementioned "Me and You Baby," did appear on the 1970 album All Strung Out; otherwise, everything else was previously unreleased. In addition, there are five bonus live tracks recorded in 1968.
https://www.allmusic.com/album/afro-american-latin-mw0000609382

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Reseña de Richie Unterberger
Santamaría grabó un álbum completo en marzo de 1969 que se inspiró en la religión afrocubana Santería con el estímulo del productor David Rubinson. Se hizo, sin embargo, en una época en que Santamaría estaba siendo comercializado por Columbia como un artista crossover de jazz-pop-soul. El sello rechazó el álbum y fue archivado hasta el año 2000, cuando finalmente apareció como un CD. Si bien es un disco sólido, y ciertamente más cercano a las raíces de Santamaría que gran parte de su trabajo en Columbia, sería difícil decir que su fracaso en aparecer cuando se hizo por primera vez fue una tragedia. En realidad, no es muy diferente del jazz latino menos orientado al soul-pop que Santamaría ha hecho a lo largo de su carrera. Tal vez sea a veces un poco más suelto y audaz de lo que Santamaría solía ser, como con las chirriantes líneas de saxo alto de Sonny Fortune en "Mambo Leah" o el "Obatala" de diez minutos, un delirio que se mueve de un dúo de conga/bata de apertura a través de varias secciones en una charanga hipertemporal. Pero no todo es en esta línea: "Sheila" es solo una suave balada de jazz (no es que haya nada de malo en eso), mientras que "Me and You Baby" y "Boogaloo Wow" están más en línea con el boogaloo que estaba acumulando ventas para Mongo y Columbia. Es bueno que los fanáticos de Mongo tengan la oportunidad de escucharlo después del paso de 30 años, pero es difícil decir que hubiera hecho alguna diferencia en la trayectoria de su carrera si hubiera aparecido como Santamaría y Rubinson pretendían, aunque el éxito de Santana justo después de su cancelación podría haber ayudado a llamar la atención sobre él. Una de las canciones, la mencionada "Me and You Baby", apareció en el álbum de 1970 All Strung Out; de lo contrario, todo lo demás era inédito. Además, hay cinco pistas extra en vivo grabadas en 1968.
https://www.allmusic.com/album/afro-american-latin-mw0000609382

VA • Nu Yorica! Culture Clash In New York City Experiments In Latin Music 1970-77

 

Review from The Guardian (CD of the Week):
An inspired selection. Soul Jazz deserve credit for delving further into the murky background of popular dance and jazz music. If ever a CD was worth buying, this is it.
https://www.theguardian.com

Review from Record Collector:
Some compilations are so influential and universally loved that they become classic albums in their own right. Just as Harry Smith cemented forever the underground sound of the US between the wars, so did the then young Soul Jazz imprint immortalise the Latin music emerging from 1970s New York with Nu Yorica! This anniversary reissue retains what was always a sensational collection of almighty Latin grooves. Make no mistake, this album is extraordinary. Infectious, revolutionary, inspirational and funkier than a mosquito's tweeter, Nu Yorica! fuses jazz, soul, funk and every kind of Latin music, all the while infusing it with the energy and freedom of the Big Apple.
https://recordcollectormag.com/reviews/album/nu-yorica-culture-clash-new-york-city-experiments-latin-music-1970-77

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Resena de The Guardian (CD de la Semana):
Una seleccion inspirada. Soul Jazz merece credito por profundizar en los oscuros antecedentes de la musica popular de baile y el jazz. Si algun dia vale la pena comprar un CD, este es el caso.
https://www.theguardian.com

Resena de Record Collector:
Algunas compilaciones son tan influyentes y universalmente amadas que se convierten en albumes clasicos por derecho propio. Asi como Harry Smith cimento para siempre el sonido underground de los EE.UU. entre guerras, el entonces joven sello Soul Jazz inmortalizo la musica latina emergente del Nueva York de los anos 70 con Nu Yorica! Esta reedicion aniversario conserva lo que siempre fue una coleccion sensacional de poderosos grooves latinos. Sin lugar a dudas, este album es extraordinario. Infeccioso, revolucionario, inspirador y mas funky que nada, Nu Yorica! fusiona jazz, soul, funk y todo tipo de musica latina, impregnandola con la energia y la libertad de la Gran Manzana.
https://recordcollectormag.com/reviews/album/nu-yorica-culture-clash-new-york-city-experiments-latin-music-1970-77

VA • Nu Yorica 2! Further Adventures In Latin Music-Chango In The New World 1976-1985

 

James Brown • James Brown Plays New Breed (The Boo-Ga-Loo)

Instrumental of James at the Hammond.

 

 

www.jamesbrown.com ...

Willie Bobo • Juicy

Biography by Richard S. Ginell
Willie Bobo was one of the great Latin percussionists of his time, a relentless swinger on the congas and timbales, a flamboyant showman onstage, and an engaging if modestly endowed singer. He also made serious inroads into the pop, R&B and straight jazz worlds, and he always said that his favorite song was Antonio Carlos Jobim's "Dindi." Growing up in Spanish Harlem, Bobo began on the bongos at age 14, only to find himself performing with Perez Prado a year later, studying with Mongo Santamaria while serving as his translator, and joining Tito Puente for a four-year stint at age 19. Mary Lou Williams gave Correa his nickname Bobo when they recorded together in the early '50s. After working with Cal Tjader, Herbie Mann and Santamaria with whom he recorded the evergreen Latin standard "Afro-Blue" -- Bobo stepped forward in 1963 with his first recording as a leader, with Clark Terry and Joe Farrell as sidemen. Recording for Verve in the mid-'60s, Bobo achieved his highest solo visibility with albums that enlivened pop hits of the day with Latin rhythms, spelled by sauntering originals like "Spanish Grease" and "Fried Neck Bones and Some Home Fries." In addition, Bobo played on innumerable sessions in New York, recording with artists like Miles Davis, Cannonball Adderley, Herbie Hancock, Wes Montgomery, Chico Hamilton and Sonny Stitt. In 1969, he moved to Los Angeles where he led jazz and Latin jazz combos, appeared on Bill Cosby's first comedy series (1969-1971) and short-lived 1976 variety show, and recorded on his own for Sussex, Blue Note and Columbia. One of Bobo's last appearances, only three months before his death from cancer, was at the 1983 Playboy Jazz Festival where he reunited with Santamaria for the first time in 15 years.
https://www.allmusic.com/artist/willie-bobo-mn0000688804/biography

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Biografía de Richard S. Ginell
Willie Bobo fue uno de los grandes percusionistas latinos de su tiempo, un incesante bailarín de congas y timbales, un extravagante showman en el escenario, y un atractivo aunque modesto cantante. También hizo serias incursiones en el mundo del pop, R&B y el jazz hetero, y siempre dijo que su canción favorita era "Dindi" de Antonio Carlos Jobim. Creciendo en el Spanish Harlem, Bobo comenzó con los bongos a los 14 años, sólo para encontrarse actuando con Pérez Prado un año más tarde, estudiando con Mongo Santamaría mientras servía como su traductor, y uniéndose a Tito Puente por un período de cuatro años a la edad de 19 años. Mary Lou Williams le dio a Correa su apodo de Bobo cuando grabaron juntos a principios de los 50. Después de trabajar con Cal Tjader, Herbie Mann y Santamaría con quienes grabó el estándar latino siempre verde "Afro-Blue" -- Bobo dio un paso adelante en 1963 con su primera grabación como líder, con Clark Terry y Joe Farrell como acompañantes. Grabando para Verve a mediados de los 60, Bobo alcanzó su mayor visibilidad como solista con álbumes que animaron los éxitos pop del día con ritmos latinos, deletreados por originales como "Spanish Grease" y "Fried Neck Bones and Some Home Fries". Además, Bobo tocó en innumerables sesiones en Nueva York, grabando con artistas como Miles Davis, Cannonball Adderley, Herbie Hancock, Wes Montgomery, Chico Hamilton y Sonny Stitt. En 1969, se trasladó a Los Ángeles donde dirigió combos de jazz y de jazz latino, apareció en la primera serie de comedia de Bill Cosby (1969-1971) y en el efímero espectáculo de variedades de 1976, y grabó por su cuenta para Sussex, Blue Note y Columbia. Una de las últimas apariciones de Bobo, sólo tres meses antes de su muerte por cáncer, fue en el Festival de Jazz de Playboy de 1983 donde se reunió con Santamaría por primera vez en 15 años.
https://www.allmusic.com/artist/willie-bobo-mn0000688804/biography

  

Eddie Palmieri • Essentials

 

2025 compilation gathering essential tracks from Eddie Palmieri’s catalog, covering salsa, Latin jazz, boogaloo, and classic repertoire. The collection spans Palmieri’s career and includes well-known compositions such as Vámonos Pa’l Monte, Ay Qué Rico and Azúcar, featuring collaborations with vocalists like Ismael Quintana. 

palmierimusic.com ...

Ray Barretto • On Fire Again

 

VA • Fania Records The Latin Sound of New York [1964-1978]

 

The Latin Sound of New York (1964–1978) es un extraordinario e inédito recopilatorio que conmemora el 60º aniversario de Fania a través de Craft / Concord.

El histórico legado de Fania es tan relevante para la música latina como Stax y Motown para el soul o Prestige y Blue Note para el jazz. Para reivindicarlo esta joya incluye dieciséis de los sencillos más importantes grabados por Willie Colón, Héctor Lavoe, Rubén Blades, Johnny Pacheco, Ray Barretto, Celia Cruz, Fania All Stars, Joe Bataan, Eddie Palmieri, Pete Rodríguez, Ismael Rivera, Cheo Feliciano, Richie Ray, Bobby Cruz y Joe Cuba para el sello neoyorquino y subsidiarias durante su época dorada que logró popularizar la salsa, el latin-soul o el boogaloo por todo el planeta.

Brian Auger • Get Auger-Nized! The Anthology

Artist Biography

Brian Auger arrived on the London scene in the early '60s, right in the thick of the blues and R&B revival that led directly to the British Invasion of 1964. Auger wasn't directly part of that trend, but his swinging, jazzy keyboards remained at the fringes of British rock through the 1960s. His roots were in R&B-inflected jazz (a sound identified with the first two-thirds of the '60s), and he thrived during the late '60s and into the 1970s by playing adventurous, progressive music, either with his Oblivion Express or as a duet with a rotating group of singers. Auger kept on this track for decades, swinging between jazz, rock, and R&B, playing regular gigs (either on his own or as support) and recording on occasion.

Brian Auger was raised in London, where he took up the keyboards as a child and began to hear jazz by way of the American Armed Forces Network and an older brother's record collection. By his teens, he was playing piano in clubs, and by 1962 he had formed the Brian Auger Trio with bass player Rick Laird and drummer Phil Knorra. In 1964, he won first place in the categories of "New Star" and "Jazz Piano" in a reader's poll in the Melody Maker music paper, but the same year he abandoned jazz for a more R&B-oriented approach and expanded his group to include John McLaughlin (guitar) and Glen Hughes (baritone saxophone) as the Brian Auger Trinity. This group split up at the end of 1964, and Auger moved over to Hammond B-3 organ, teaming with bass player Rick Brown and drummer Mickey Waller. After a few singles, he recorded his first LP on a session organized to spotlight blues singer Sonny Boy Williamson that featured his group, saxophonists Joe Harriott and Alan Skidmore, and guitarist Jimmy Page; it was Don't Send Me No Flowers, released in 1968.

By mid-1965, Auger's band had grown to include guitarist Vic Briggs and vocalists Long John Baldry, Rod Stewart, and Julie Driscoll, and was renamed Steampacket. More a loosely organized musical revue than a group, Steampacket lasted a year before Stewart and Baldry left and the band split. Auger retained Driscoll and brought in bass player Dave Ambrose and drummer Clive Thacker to form a unit that was billed as Julie Driscoll, Brian Auger & the Trinity. Their first album, Open, was released in 1967 on Marmalade Records (owned by Auger's manager, Giorgio Gomelsky), but they didn't attract attention on record until the release of their single "This Wheel's on Fire," (music and lyrics by Bob Dylan and Rick Danko) in the spring of 1968, which preceded the appearance of the song on the Band's Music from Big Pink album. The disc hit the Top Five in the U.K., after which Open belatedly reached the British charts. Auger & the Trinity recorded the instrumental album Definitely What! (1968) without Driscoll, then brought her back for the double LP Streetnoise (1968), which reached the U.S. charts on Atco Records shortly after a singles compilation, Jools & Brian, gave them their American debut on Capitol in 1969. Driscoll quit during a U.S. tour, but the Trinity stayed together long enough to record Befour (1970), which charted in the U.S. on RCA Records, before disbanding in July 1970.

Auger put together a new band to play less commercial jazz-rock and facetiously called it the Oblivion Express, since he didn't think it would last; instead, it became his perennial band name. The initial unit was a quartet filled out by guitarist Jim Mullen, bass player Barry Dean, and drummer Robbie McIntosh. Their initial LP, Brian Auger's Oblivion Express, was released in 1971, followed later the same year by A Better Land, but their first U.S. chart LP was Second Wind in June 1972, the album that marked the debut of singer Alex Ligertwood with the band. Personnel changes occurred frequently, but the Oblivion Express continued to figure in the U.S. charts consistently over the next several years with Closer to It! (August 1973), Straight Ahead (March 1974), Live Oblivion, Vol. 1 (December 1974), Reinforcements (October 1975), and Live Oblivion, Vol. 2 (March 1976). Meanwhile, Auger had moved to the U.S. in 1975, eventually settling in the San Francisco Bay Area. In the face of declining sales, he switched to Warner Bros. Records for Happiness Heartaches, which charted in February 1977. Encore, released in April 1978, was a live reunion with Julie Tippetts (née Driscoll) that marked the end of Auger's association with major record labels, after which he dissolved the Oblivion Express and recorded less often.

In 1990, Auger teamed up with former Animals singer Eric Burdon, and the two toured together during the next four years, releasing Access All Areas together in 1993. In 1995, Auger put together a new Oblivion Express. As of 2000, the lineup consisted of his daughter, Savannah, on vocals, Chris Clermont on guitar, Dan Lutz on bass, and his son Karma on drums. This group issued the album Voices of Other Times on Miramar Records one week before Auger's 61st birthday.

by William Ruhlmann

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 Biografía del artista

Brian Auger llegó a la escena londinense a principios de los 60, justo en el grueso del blues y el resurgimiento del R&B que llevó directamente a la invasión británica de 1964. Auger no fue directamente parte de esa tendencia, pero sus teclados oscilantes y de jazz permanecieron al margen del rock británico durante los años 60. Sus raíces estaban en el jazz influido por el R&B (un sonido que se identifica con los dos primeros tercios de los años 60), y prosperó a finales de los años 60 y principios de los 70 tocando música progresiva y aventurera, ya sea con su Oblivion Express o como dúo con un grupo rotativo de cantantes. Auger se mantuvo en este camino durante décadas, oscilando entre el jazz, el rock y el R&B, dando conciertos regulares (ya sea por su cuenta o como soporte) y grabando en ocasiones.

Brian Auger se crió en Londres, donde tomó los teclados cuando era niño y comenzó a escuchar jazz a través de la Red de las Fuerzas Armadas Americanas y la colección de discos de un hermano mayor. En su adolescencia, tocaba el piano en clubes, y para 1962 había formado el Brian Auger Trio con el bajista Rick Laird y el baterista Phil Knorra. En 1964, ganó el primer lugar en las categorías de "Nueva Estrella" y "Piano de Jazz" en una encuesta de lectores del periódico musical Melody Maker, pero ese mismo año abandonó el jazz por un enfoque más orientado al R&B y amplió su grupo para incluir a John McLaughlin (guitarra) y Glen Hughes (saxofón barítono) como el Brian Auger Trinity. Este grupo se separó a finales de 1964, y Auger se trasladó al órgano Hammond B-3, formando equipo con el bajista Rick Brown y el baterista Mickey Waller. Después de unos cuantos singles, grabó su primer LP en una sesión organizada para destacar al cantante de blues Sonny Boy Williamson que incluía a su grupo, a los saxofonistas Joe Harriott y Alan Skidmore, y al guitarrista Jimmy Page; se trataba de Don't Send Me No Flowers, publicado en 1968.

A mediados de 1965, la banda de Auger había crecido hasta incluir al guitarrista Vic Briggs y a los vocalistas Long John Baldry, Rod Stewart y Julie Driscoll, y fue rebautizada como Steampacket. Más una revista musical vagamente organizada que un grupo, Steampacket duró un año antes de que Stewart y Baldry se fueran y la banda se separara. Auger retuvo a Driscoll y trajo al bajista Dave Ambrose y al baterista Clive Thacker para formar una unidad que fue facturada como Julie Driscoll, Brian Auger & the Trinity. Su primer álbum, Open, fue lanzado en 1967 en Marmalade Records (propiedad del manager de Auger, Giorgio Gomelsky), pero no llamaron la atención en el disco hasta el lanzamiento de su sencillo "This Wheel's on Fire" (música y letra de Bob Dylan y Rick Danko) en la primavera de 1968, que precedió a la aparición de la canción en el álbum Music from Big Pink de la banda. El disco llegó a los cinco primeros puestos del Reino Unido, tras lo cual Open llegó tarde a las listas de éxitos británicas. Auger & the Trinity grabó el álbum instrumental Definitely What! (1968) sin Driscoll, y luego la trajo de vuelta para el doble LP Streetnoise (1968), que llegó a las listas de Estados Unidos en Atco Records poco después de que una compilación de singles, Jools & Brian, les diera su debut americano en Capitol en 1969. Driscoll renunció durante una gira por EE.UU., pero los Trinity permanecieron juntos el tiempo suficiente para grabar Befour (1970), que llegó a las listas de EE.UU. con RCA Records, antes de disolverse en julio de 1970.

Auger formó una nueva banda para tocar jazz-rock menos comercial y la llamó, de forma jocosa, Oblivion Express, ya que no creía que fuera a durar; en su lugar, se convirtió en el nombre de su perenne banda. La unidad inicial era un cuarteto formado por el guitarrista Jim Mullen, el bajista Barry Dean y el baterista Robbie McIntosh. Su primer LP, Oblivion Express de Brian Auger, fue lanzado en 1971, seguido más tarde ese mismo año por A Better Land, pero su primer LP en las listas de EEUU fue Second Wind en junio de 1972, el álbum que marcó el debut del cantante Alex Ligertwood con la banda. Los cambios de personal fueron frecuentes, pero el Oblivion Express siguió figurando en las listas de EE.UU. de forma constante durante los siguientes años con Closer to It! (agosto de 1973), Straight Ahead (marzo de 1974), Live Oblivion, Vol. 1 (diciembre de 1974), Reinforcements (octubre de 1975), y Live Oblivion, Vol. 2 (marzo de 1976). Mientras tanto, Auger se había trasladado a los EE.UU. en 1975, estableciéndose finalmente en el área de la bahía de San Francisco. Ante la disminución de las ventas, se cambió a Warner Bros. Records for Happiness Heartaches, que se registró en febrero de 1977. Encore, que salió a la venta en abril de 1978, fue un reencuentro en directo con Julie Tippetts (de soltera Driscoll) que marcó el fin de la asociación de Auger con los principales sellos discográficos, tras lo cual disolvió el Oblivion Express y grabó con menos frecuencia.

En 1990, Auger se asoció con el ex cantante de Animals Eric Burdon, y los dos hicieron una gira juntos durante los siguientes cuatro años, lanzando Access All Areas juntos en 1993. En 1995, Auger armó un nuevo Oblivion Express. A partir del año 2000, la alineación estaba formada por su hija, Savannah, en la voz, Chris Clermont en la guitarra, Dan Lutz en el bajo, y su hijo Karma en la batería. Este grupo publicó el álbum Voices of Other Times en Miramar Records una semana antes del cumpleaños 61 de Auger.

por William Ruhlmann

 

brianauger.com ...

Ray Barretto • Latin Soul Man

Review by John Bush

Despite his Clark Kent looks, Ray Barretto's '60s recordings revealed a Superman of groove-based Latin salsa and soul. His early novelty hit "El Watusi" may have had the most success, but when Barretto began recording for Fania with the 1967 classic Acid, he unleashed some of the brassiest, grooviest, and most powerful tracks ever heard in Latin music. Latin Soul Man is a 17-track compilation of his early career, spanning the early '60s to 1972, and including material originally recorded for Tico, UA Latino, and Fania. After a brief time at Riverside in the early '60s for his debut as a leader, Barretto headed off to Tico and scored his biggest hit with 1963's "El Watusi," which showed off his excellent arranging chops and the power of his early flute-led charanga. Then there was another brief stay, at UA Latino, which is heard here with another novelty, "Señor 007," as well as one of the best boogaloos ever recorded, "Do You Dig It." After that came Acid and a parade of great material for Fania, which saw Barretto stretching out on free-form material while still pumping out plenty of tight cuts with brassy charts for the heavy dancers crowd in New York. Therein lies the lone concern with this collection. While it extends into the '70s with great tracks from his other Fania classics -- 1968's Hard Hands, 1970's Together, 1972's Barretto Power -- there's a heavy emphasis on Barretto's great popcorn and boogaloo material, while completely ignoring the longer, extended grooves like the title track to Acid (probably his career highlight) as well as "El Nuevo Barretto." Extending the running time another 20 minutes would have been easy, and that would have made Latin Soul Man a priceless pickup.

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Traducción automática:

Revisión por John Bush

A pesar de su apariencia de Clark Kent, las grabaciones de los años 60 de Ray Barretto revelaron un Superman de salsa y soul latino basado en el groove. Su primer éxito novedoso, "El Watusi", puede haber tenido el mayor éxito, pero cuando Barretto comenzó a grabar para Fania con el clásico de 1967 Acid, desató algunas de las canciones más poderosas, sorprendentes y poderosas que se hayan escuchado en la música latina. Latin Soul Man es una compilación de 17 temas de su carrera temprana, que abarca desde principios de los 60 hasta 1972, e incluye material grabado originalmente para Tico, UA Latino y Fania. Después de un breve tiempo en Riverside a principios de los años 60 para su debut como líder, Barretto se dirigió a Tico y obtuvo su mayor éxito con "El Watusi" en 1963, que mostró sus excelentes habilidades y el poder de su primera flauta. led charanga. Luego hubo otra breve estadía, en UA Latino, que se escucha aquí con otra novedad, "Señor 007", así como uno de los mejores boogaloos jamás registrados, "Do You Dig It". Después de eso vino Acid y un desfile de gran material para Fania, que vio a Barretto extendiéndose sobre el material de forma libre mientras seguía bombeando muchos cortes ajustados con listas de metales para la multitud de bailarines pesados ​​en Nueva York. Ahí radica la única preocupación con esta colección. Si bien se extiende hasta los años 70 con excelentes canciones de sus otros clásicos de Fania: Hard Hands de 1968, Together de 1970, Barretto Power de 1972, hay un gran énfasis en el material de boomaloo y palomitas de Barretto, mientras que se ignoran por completo los surcos más largos y extensos como la canción principal de Acid (probablemente su carrera más destacada), así como "El Nuevo Barretto". Extender el tiempo de ejecución otros 20 minutos hubiera sido fácil, y eso habría hecho de Latin Soul Man una recolección inestimable.

 

 

Willie Bobo • Uno Dos Tres 1-2-3

Review by Richie Unterberger

As with his previous album Spanish Grease, the toughest and most memorable track is the one Bobo original, "Fried Neck Bones and Some Home Fries." Its creeping Latin soul groove was, like "Spanish Grease," an obvious inspiration for Carlos Santana. But on most of the rest of the recording, Bobo coasts through interpretations of period hits like "Michelle," "Goin' Out Of My Head," and Jay & The Americans' (!) "Come A Little Bit Closer," with some jazz and pop standards as well.

https://www.allmusic.com/album/uno-dos-tres-1-2-3-mw0000903454

Biography by Richard S. Ginell

Willie Bobo was one of the great Latin percussionists of his time, a relentless swinger on the congas and timbales, a flamboyant showman onstage, and an engaging if modestly endowed singer. He also made serious inroads into the pop, R&B and straight jazz worlds, and he always said that his favorite song was Antonio Carlos Jobim's "Dindi." Growing up in Spanish Harlem, Bobo began on the bongos at age 14, only to find himself performing with Perez Prado a year later, studying with Mongo Santamaria while serving as his translator, and joining Tito Puente for a four-year stint at age 19. Mary Lou Williams gave Correa his nickname Bobo when they recorded together in the early '50s. After working with Cal Tjader, Herbie Mann and Santamaria with whom he recorded the evergreen Latin standard "Afro-Blue" -- Bobo stepped forward in 1963 with his first recording as a leader, with Clark Terry and Joe Farrell as sidemen. Recording for Verve in the mid-'60s, Bobo achieved his highest solo visibility with albums that enlivened pop hits of the day with Latin rhythms, spelled by sauntering originals like "Spanish Grease" and "Fried Neck Bones and Some Home Fries." In addition, Bobo played on innumerable sessions in New York, recording with artists like Miles Davis, Cannonball Adderley, Herbie Hancock, Wes Montgomery, Chico Hamilton and Sonny Stitt. In 1969, he moved to Los Angeles where he led jazz and Latin jazz combos, appeared on Bill Cosby's first comedy series (1969-1971) and short-lived 1976 variety show, and recorded on his own for Sussex, Blue Note and Columbia. One of Bobo's last appearances, only three months before his death from cancer, was at the 1983 Playboy Jazz Festival where he reunited with Santamaria for the first time in 15 years.

https://www.allmusic.com/artist/willie-bobo-mn0000688804/biography

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Reseña de Richie Unterberger

Como en su anterior álbum Spanish Grease, el tema más duro y memorable es el original de Bobo, "Fried Neck Bones and Some Home Fries". Su rastrero ritmo de soul latino fue, como "Spanish Grease", una inspiración obvia para Carlos Santana. Pero en la mayor parte del resto de la grabación, Bobo se acerca a través de interpretaciones de éxitos de la época como "Michelle", "Goin' Out Of My Head" y "Come A Little Bit Closer" de Jay & The Americans, con algunos estándares de jazz y pop también.

https://www.allmusic.com/album/uno-dos-tres-1-2-3-mw0000903454

Biografía de Richard S. Ginell

Willie Bobo fue uno de los grandes percusionistas latinos de su tiempo, un incesante bailarín de congas y timbales, un extravagante showman en el escenario, y un atractivo aunque modesto cantante. También hizo serias incursiones en el mundo del pop, R&B y el jazz hetero, y siempre dijo que su canción favorita era "Dindi" de Antonio Carlos Jobim. Creciendo en el Spanish Harlem, Bobo comenzó con los bongos a los 14 años, sólo para encontrarse actuando con Pérez Prado un año más tarde, estudiando con Mongo Santamaría mientras servía como su traductor, y uniéndose a Tito Puente por un período de cuatro años a la edad de 19 años. Mary Lou Williams le dio a Correa su apodo de Bobo cuando grabaron juntos a principios de los 50. Después de trabajar con Cal Tjader, Herbie Mann y Santamaría con quienes grabó el estándar latino siempre verde "Afro-Blue" -- Bobo dio un paso adelante en 1963 con su primera grabación como líder, con Clark Terry y Joe Farrell como acompañantes. Grabando para Verve a mediados de los 60, Bobo alcanzó su mayor visibilidad como solista con álbumes que animaron los éxitos pop del día con ritmos latinos, deletreados por originales como "Spanish Grease" y "Fried Neck Bones and Some Home Fries". Además, Bobo tocó en innumerables sesiones en Nueva York, grabando con artistas como Miles Davis, Cannonball Adderley, Herbie Hancock, Wes Montgomery, Chico Hamilton y Sonny Stitt. En 1969, se trasladó a Los Ángeles donde dirigió combos de jazz y de jazz latino, apareció en la primera serie de comedia de Bill Cosby (1969-1971) y en el efímero espectáculo de variedades de 1976, y grabó por su cuenta para Sussex, Blue Note y Columbia. Una de las últimas apariciones de Bobo, sólo tres meses antes de su muerte por cáncer, fue en el Festival de Jazz de Playboy de 1983 donde se reunió con Santamaría por primera vez en 15 años.

https://www.allmusic.com/artist/willie-bobo-mn0000688804/biography

Otto Weiss And His Rhythms • Hammond-Sound Party

Cookin' On 3 Burners • Blind Bet

 Artist Biography by Rob Wacey

Comprising additional elements of jazz and street soul, Cookin’ on 3 Burners are a prestigious R&B group hailing from Melbourne, Australia. Originally made up of Hammond organ player Jake Mason, guitarist Lance Ferguson, and drummer Ivan Khatchoyan, the trio formed in 1997 after discovering they shared similar tastes in sound and genre. The three friends decided to form the band with traditional '50s- and '60s-era jazz and soul as its foundation, unified by the eclectic and prominent use of the Hammond organ, which went on to become one of the most definitive aspects of their sound; so much so that the group was also exclusively referred to as the "Hammond organ trio." The ensemble released their first 7" single, "Gravel Rash/Pie Warmer" on the Bamboo Shack label, eventually going on to join the roster of revered U.K. label, Freestyle, which put out their full-length debut, Baked, Broiled & Fried, in 2007. The trio then went on to tour and perform alongside a vast array of household acts such as Alice Russell, Quantic, Fat Freddy's Drop, and Sharon Jones & the Dap Kings. Sometime thereafter, Ferguson left the group to focus on his own funk project, the Bamboos, and was replaced by Dan West. They released their second effort, Soul Messin’, in 2009 to huge success. The record received praise for its funk-infused and highly original cover of Gary Numan's monster hit, "Cars" while the album’s lead single, "This Girl," reached the number one spot on the U.K. iTunes R&B Chart. The group then returned in 2014 with their third record, Blind Bet, which met with further acclaim, most notably for its innovative use of string and horn arrangements, and an impressive host of featured artists including Daniel Merriweather, the Bamboos' vocalist Kylie Auldist, and the Cruel Sea frontman Tex Perkins. They went on to collaborate with Perkins once more on the 2015 single "The Writing’s on the Wall," which saw the group combine their trademark soul and jazz sound with Perkins’ widely recognized swampy blues-rock stylings. It was around this time that the group began working with the Australian hip-hop artist Mantra. The collaboration took the band in a new direction, introducing more hip-hop-based tempos and funk electro vibes to their mixes. Cookin' on 3 Burners continued to branch out further with their collaborations, working with prominent French electronic producer Kungs on a reworking of "This Girl," which also saw chart success in 2016.
https://www.allmusic.com/artist/cookin-on-3-burners-mn0001541453/biography

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 Biografía del artista por Rob Wacey
Con elementos adicionales de jazz y soul callejero, Cookin' on 3 Burners es un prestigioso grupo de R&B de Melbourne, Australia. Originalmente formado por el organista de Hammond Jake Mason, el guitarrista Lance Ferguson y el baterista Ivan Khatchoyan, el trío se formó en 1997 tras descubrir que compartían gustos similares en sonido y género. Los tres amigos decidieron formar la banda con el jazz y el soul tradicionales de los años 50 y 60 como base, unificados por el uso ecléctico y prominente del órgano Hammond, que se convirtió en uno de los aspectos más definitivos de su sonido; hasta el punto de que el grupo también fue conocido exclusivamente como el "trío de órgano Hammond". El conjunto lanzó su primer sencillo de 7", "Gravel Rash/Pie Warmer" en el sello Bamboo Shack, y con el tiempo se unió a la lista de la prestigiosa discográfica británica Freestyle, que lanzó su debut de larga duración, Baked, Broiled & Fried, en 2007. El trío continuó su gira y actuó junto a una gran variedad de actuaciones familiares como Alice Russell, Quantic, Fat Freddy's Drop, y Sharon Jones & the Dap Kings. Algún tiempo después, Ferguson dejó el grupo para centrarse en su propio proyecto de funk, los Bamboos, y fue reemplazado por Dan West. En 2009 lanzaron su segundo esfuerzo, Soul Messin', con un gran éxito. El disco recibió elogios por su portada altamente original e infundida del éxito monstruoso de Gary Numan, "Cars", mientras que el sencillo principal del álbum, "This Girl", alcanzó el primer puesto en la lista de éxitos de iTunes R&B Chart en el Reino Unido. El grupo regresó en 2014 con su tercer disco, Blind Bet, que recibió más elogios, sobre todo por su innovador uso de arreglos de cuerdas y trompa, y una impresionante cantidad de artistas destacados, entre ellos Daniel Merriweather, la vocalista de los Bamboos Kylie Auldist, y el frontman Tex Perkins, del Cruel Sea. Siguieron colaborando con Perkins una vez más en el sencillo de 2015 "The Writing's on the Wall", en el que el grupo combinó su característico sonido soul y jazz con el ampliamente reconocido estilo blues-rock de Perkins. Fue en esta época cuando el grupo comenzó a trabajar con el artista de hip-hop australiano Mantra. La colaboración llevó a la banda en una nueva dirección, introduciendo más tempos basados en el hip-hop y electro vibras funk en sus mezclas. Cookin' on 3 Burners siguió ampliando sus colaboraciones, trabajando con el destacado productor francés de electrónica Kungs en la reelaboración de "This Girl", que también tuvo éxito en 2016.

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www.cookinon3burners.com ...

Mongo Santamaria • Sofrito

 

 

Big Boss Man • Winner

 

Una banda perfecta que cocina desde el pop sesentero al Rhythm&Blues pasando por el Latin Soul, el Boogaloo o el Groove Funk. Su híbrido ha revitalizado un género minoritario como es el mal llamado acid jazz.
Un sucio órgano Hammond, un sintetizador mono y unos bongos, junto a la clásica línea de guitarra-bajo-batería, bastaron a Big Boss Man para que la revista Loaded los catalogara como la banda de mejor directo de las Islas Británicas. Eso fue al principio de su carrera y desde entonces no han variado su infalible fórmula. Junto a Bouzida, conocido como Mr. Bongolian, Scott “Mad Man” Milsom al bajo, Trevor Harding a la guitarra y Nick “Bones” Nicholls a la batería, despliegan un incendiario directo que ponen a bailar a todo aquel afortunado que disfrute de sus directos. Mientras mantengan esa actitud profesional y entrega a la causa, jamás les faltarán rincones en los que manifestar su poderío bailongo. Ese es el secreto que los ha llevado por medio mundo. Si quieres menear tus preciosas caderas este es tu disco.

http://larodajadeplastico.blogspot.com.ar/2011/08/big-boss-man-winner-2005-blow-up.html

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Big Boss Man were formed in 1998 in London, England. Consisting of Nasser Bouzida a.k.a. “The Bongolian” on organs, percussion and vocals, Scott Milsom on bass guitar, Trevor Harding on electric guitar and Desmond Rogers on drums.
Complete info ...

http://www.big-boss-man.com ...

Cookin' On 3 Burners ‎• Brunswick St Breakdown Live

 

Cookin’ On 3 Burners are Australia’s hardest hitting Hammond Organ Trio – joining the dots between Deep Funk, Raw Soul, Organ Jazz & Boogaloo.

 Artist Biography by Rob Wacey
Comprising additional elements of jazz and street soul, Cookin’ on 3 Burners are a prestigious R&B group hailing from Melbourne, Australia. Originally made up of Hammond organ player Jake Mason, guitarist Lance Ferguson, and drummer Ivan Khatchoyan, the trio formed in 1997 after discovering they shared similar tastes in sound and genre. The three friends decided to form the band with traditional '50s- and '60s-era jazz and soul as its foundation, unified by the eclectic and prominent use of the Hammond organ, which went on to become one of the most definitive aspects of their sound; so much so that the group was also exclusively referred to as the "Hammond organ trio." The ensemble released their first 7" single, "Gravel Rash/Pie Warmer" on the Bamboo Shack label, eventually going on to join the roster of revered U.K. label, Freestyle, which put out their full-length debut, Baked, Broiled & Fried, in 2007. The trio then went on to tour and perform alongside a vast array of household acts such as Alice Russell, Quantic, Fat Freddy's Drop, and Sharon Jones & the Dap Kings. Sometime thereafter, Ferguson left the group to focus on his own funk project, the Bamboos, and was replaced by Dan West. They released their second effort, Soul Messin’, in 2009 to huge success. The record received praise for its funk-infused and highly original cover of Gary Numan's monster hit, "Cars" while the album’s lead single, "This Girl," reached the number one spot on the U.K. iTunes R&B Chart. The group then returned in 2014 with their third record, Blind Bet, which met with further acclaim, most notably for its innovative use of string and horn arrangements, and an impressive host of featured artists including Daniel Merriweather, the Bamboos' vocalist Kylie Auldist, and the Cruel Sea frontman Tex Perkins. They went on to collaborate with Perkins once more on the 2015 single "The Writing’s on the Wall," which saw the group combine their trademark soul and jazz sound with Perkins’ widely recognized swampy blues-rock stylings. It was around this time that the group began working with the Australian hip-hop artist Mantra. The collaboration took the band in a new direction, introducing more hip-hop-based tempos and funk electro vibes to their mixes. Cookin' on 3 Burners continued to branch out further with their collaborations, working with prominent French electronic producer Kungs on a reworking of "This Girl," which also saw chart success in 2016.
https://www.allmusic.com/artist/cookin-on-3-burners-mn0001541453/biography

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Cookin' On 3 Burners es el trío de órgano de Hammond más popular de Australia - uniendo los puntos entre Deep Funk, Raw Soul, Organ Jazz y Boogaloo.

 Biografía del artista por Rob Wacey
Con elementos adicionales de jazz y soul callejero, Cookin' on 3 Burners es un prestigioso grupo de R&B de Melbourne, Australia. Originalmente formado por el organista de Hammond Jake Mason, el guitarrista Lance Ferguson y el baterista Ivan Khatchoyan, el trío se formó en 1997 tras descubrir que compartían gustos similares en sonido y género. Los tres amigos decidieron formar la banda con el jazz y el soul tradicionales de los años 50 y 60 como base, unificados por el uso ecléctico y prominente del órgano Hammond, que se convirtió en uno de los aspectos más definitivos de su sonido; hasta el punto de que el grupo también fue conocido exclusivamente como el "trío de órgano Hammond". El conjunto lanzó su primer sencillo de 7", "Gravel Rash/Pie Warmer" en el sello Bamboo Shack, y con el tiempo se unió a la lista de la prestigiosa discográfica británica Freestyle, que lanzó su debut de larga duración, Baked, Broiled & Fried, en 2007. El trío continuó su gira y actuó junto a una gran variedad de actuaciones familiares como Alice Russell, Quantic, Fat Freddy's Drop, y Sharon Jones & the Dap Kings. Algún tiempo después, Ferguson dejó el grupo para centrarse en su propio proyecto de funk, los Bamboos, y fue reemplazado por Dan West. En 2009 lanzaron su segundo esfuerzo, Soul Messin', con un gran éxito. El disco recibió elogios por su portada altamente original e infundida del éxito monstruoso de Gary Numan, "Cars", mientras que el sencillo principal del álbum, "This Girl", alcanzó el primer puesto en la lista de éxitos de iTunes R&B Chart en el Reino Unido. El grupo regresó en 2014 con su tercer disco, Blind Bet, que recibió más elogios, sobre todo por su innovador uso de arreglos de cuerdas y trompa, y una impresionante cantidad de artistas destacados, entre ellos Daniel Merriweather, la vocalista de los Bamboos Kylie Auldist, y el frontman Tex Perkins, del Cruel Sea. Siguieron colaborando con Perkins una vez más en el sencillo de 2015 "The Writing's on the Wall", en el que el grupo combinó su característico sonido soul y jazz con el ampliamente reconocido estilo blues-rock de Perkins. Fue en esta época cuando el grupo comenzó a trabajar con el artista de hip-hop australiano Mantra. La colaboración llevó a la banda en una nueva dirección, introduciendo más tempos basados en el hip-hop y electro vibras funk en sus mezclas. Cookin' on 3 Burners siguió ampliando sus colaboraciones, trabajando con el destacado productor francés de electrónica Kungs en la reelaboración de "This Girl", que también tuvo éxito en 2016.
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VA • Boogaloo Pow Wow; Dancefloor Rendez- Vous In Young Nuyorica

 

A scorching compilation which brings to the table the brilliant, hybrid, jostling array of styles which burnedup Latino dancefloors in Sixties New York. Sassy soundtrack from when salsa was cool and cutting-edge. There is no literal Spanish translation of "cool" but the sound of New York Latino dancefloor music from the 1960s is surely the original meaning of the word. Listen to hombres like Machito, Ray Barretto and Joe Loco and you can hear the Cuban vibe being reimagined and funked up for a new generation. Son, mambo, cha cha cha and jazz flirt with rhythm and blues and soul to get morphed into the explosive beat of boogaloo and shingaling. Spin this 17-track collection and you'll hear the wail of the big city and the hustle of Harlem's clubland in its heyday. Political protest was on fire, civil rights were on the agenda and cultural pots were melting and boiling over. This is the soundtrack of a moment when new energies burst forward and Latinos found their style.
https://www.amazon.com/Willie-Bobo/dp/B001PU8N62?

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Una abrasadora recopilación que pone sobre la mesa la brillante, híbrida y agitada variedad de estilos que hicieron arder las pistas de baile latinas en el Nueva York de los años sesenta. Una banda sonora descarada de cuando la salsa era cool y vanguardista. No existe una traducción literal al español de la palabra "cool", pero el sonido de la música latina de las pistas de baile neoyorquinas de los años sesenta es sin duda el significado original de la palabra. Escuche a hombres como Machito, Ray Barretto y Joe Loco y oirá cómo el ambiente cubano se reinventa y se transforma para una nueva generación. El son, el mambo, el cha cha cha y el jazz coquetean con el rhythm and blues y el soul para transformarse en el ritmo explosivo del boogaloo y el shingaling. Gire esta colección de 17 pistas y escuchará el ulular de la gran ciudad y el ajetreo de los clubes de Harlem en su apogeo. La protesta política ardía, los derechos civiles estaban a la orden del día y las ollas culturales se derretían y hervían. Esta es la banda sonora de un momento en el que irrumpieron nuevas energías y los latinos encontraron su estilo.
https://www.amazon.com/Willie-Bobo/dp/B001PU8N62?

Roger King Mozian • El Twist

 

Biography by Tony Wilds
Roger King Mozian was born in New York. He composed, arranged, conducted, and choreographed, in addition to playing the trumpet and bongos and dancing as well. He made a name for himself leading bands playing Latin dance music, and eventually he made the progressive records Changa Rock and El Twist -- both feature hybrid Latin/rock elements. Before that, his Oriental-Latin tune "Asia Minor" drew notice; Mozian is of Near-East background himself.
https://www.allmusic.com/artist/roger-mozian-mn0000834434

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Biografía de Tony Wilds
Roger King Mozian nació en Nueva York. Compuso, arregló, dirigió y coreografió, además de tocar la trompeta y los bongos y bailar. Se hizo un nombre al frente de grupos que tocaban música latina de baile, y con el tiempo grabó los discos progresivos Changa Rock y El Twist, ambos con elementos híbridos de latín y rock. Antes de eso, su tema oriental-latino "Asia Minor" llamó la atención; el propio Mozian es de origen oriental.
https://www.allmusic.com/artist/roger-mozian-mn0000834434

Hammond Express • Rendez-Vous

 

As in Hitchcock's 1958 thriller Vertigo, Hammond Express pushes bossanova and easy listening to dizzy levels with its vintage sounds mixed in an orchestral score writing environment - After all this is the core style of the project led by italian keyboardist and composer Francesco Gazzara since debut album Rendez-Vous (2003) and the soul tinged follow-up Another Steppin' Soul (2011) - The Hammond organ - B3 model with Leslie 760, both build in 1958 too - is certainly primadonna here but with no imitation of any great jazz/funk organist of the past - Vertigo Bossa is indeed an album of cinematographic sensations more than a collection of stereotyped solos and riffs - A visionary opening ("Harvest Lounge") leads us to Henry Mancini symphonic 70's, while the title-track explores latin and psychedelic grounds - The modern soul groove of "Chrysalis" prepares the elegant lounge of "Jazz And Charisma" before the urban and glamourous - Sex And The City style - "Esoterico" steps in - The Hammond sounds fiddle between jazz and folk/prog settings - in each album's track there's a title reference to some glorious '70's british record labels - while all acoustic guitars, Fender Rhodes, percussion and electric bass (Massimo Sanna) paint a different picture lightly influenced by brasilian artists like Azymuth and Sergio Mendes - All on board, Hammond Express convoy is ready to depart on platform groovy-lounge!

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Al igual que en el thriller Vertigo de Hitchcock de 1958, Hammond Express empuja a bossanova y a la escucha fácil a niveles vertiginosos con sus sonidos vintage mezclados en un entorno de escritura de partituras orquestales - Después de todo, este es el estilo principal del proyecto dirigido por el teclista y compositor italiano Francesco Gazzara desde el álbum debut Rendez-Vous (2003) y la continuación teñida de soul Another Steppin' Soul (2011) - El órgano Hammond - modelo B3 con Leslie 760, ambos construidos en 1958 también - es ciertamente primadonna aquí pero sin imitar a ningún gran organista de jazz/funk del pasado - Vertigo Bossa es, en efecto, un álbum de sensaciones cinematográficas más que una colección de solos y riffs estereotipados - Una apertura visionaria ("Harvest Lounge") nos lleva a la sinfónica de Henry Mancini de los 70, mientras que el tema que da título al disco explora los motivos latinos y psicodélicos - El moderno soul groove de "Chrysalis" prepara el elegante lounge de "Jazz And Charisma" antes de que entre el urbano y glamuroso - estilo Sex And The City - "Esoterico" - El Hammond suena como un violín entre el jazz y el folk/prog - en cada tema del álbum hay una referencia de título a algunos gloriosos sellos discográficos británicos de los 70 - mientras que todas las guitarras acústicas, Fender Rhodes, la percusión y el bajo eléctrico (Massimo Sanna) pintan un cuadro diferente ligeramente influenciado por artistas brasileños como Azymuth y Sergio Mendes - Todos a bordo, el convoy de Hammond Express está listo para salir en la plataforma groovy-lounge!

 

facebook.com/hammondexpress ...

  

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