Charles McPherson • Bebop Revisited

 

charlesmcpherson.com ...

Curtis Amy • Mosaic Select

 

Review by Thom Jurek
Of all the volumes in the Mosaic Select series -- as of this writing there are eight -- none is more welcome or unexpected than this set by the late saxophonist, composer, and arranger, Curtis Amy. What these three CDs contain are Amy's entire six-album output for the Pacific Jazz label which includes his masterpiece, Katanga!. Amy's star continued to shine in different contexts after he left the label, as a tough tenor with Gerald Wilson and Ray Charles, as a soloist on the Doors' Soft Parade and L.A. Woman albums, and of course, as an arranger and bandleader in R&B singer Merry Clayton's group (the pair were married). 
But it is the material here which cements Amy's place in the jazz pantheon. Amy hailed from Houston, and is very much a part of the rich and varied Texas tenor tradition. He migrated to Los Angeles to work, and fronted numerous soul-jazz bands there before recording these six albums for Pacific Jazz. The titles include the Blues Message and Meetin' Here (co-led with organist Paul Bryant), Groovin' Blue (co-led with drummer Frank Butler), and Way Down, Tippin' on Through, and Katanga! (the latter three as a solo leader), all of them issued between 1960 and 1963. The first three albums in this set offer the view of Amy as a bluesed-out soul wailer in a scene dominated by the latter heyday of cool jazzers and West Coast hard boppers. The players on these three recordings offered a glimpse into the deep R&B roots of the Sunset Strip jazz club scene: along with Bryant and Butler, trombonist Roy Brewster, drummer Jimmy Miller, Bobby Hutcherson on vibes, and bassists Jimmy Bond and Clarence Jones played on these sessions, all of them stalwarts on that steaming but criminally undocumented scene. The fourth album in the set, Way Down, features some new faces, most notably Marcus Belgrave before his stint with Charles Mingus, and vibist Roy Ayers before he went solo. Other players on the date include bassist George Morrow, and pianist Victor Feldman. Tippin' on Through is a Live at the Lighthouse date, and Amy pulled out all the stops with Larance Marable, Brewster, Bobby Whitlock, and pianist John Houston. On all of these sessions, Amy is deeply rooted in the rhythm and blues and soul traditions of the Texas tenors. His combo work is restricted rhythmically perhaps, but it is harmonically brilliant in the way it stretches these forms to the breaking point at the front line, and the pieces on the live set dovetail and turn back on themselves -- dig the large modal frames Houston lays down under Ayers' vibes: Ayers then extrapolates them for the horns to jump off from. Texturally too, the way solos are layered and dovetail and turn back on themselves dynamically is quite remarkable, in that many of the New York soul-jazz dates didn't get to this place until 1966 or so. Finally, Amy was already deeply under the sway of Coltrane on Tippin' on Through: his own solos take the modal approach, and wind around one or two phrases and blow them from the inside out, exploding into torrents of sound without moving away from the blues. 
Katanga! is a case in point all by itself. It remains a jazz classic for its wondrously extrapolated and striated harmonics, its knotty sense of interval, and Amy's melodic sophistication, which was deeply saturated with Latin and African scalar considerations. This set also features the trumpet playing of the little-known and under-recorded Dupree Bolton, the elegant funk of guitarist Ray Crawford, and features Amy on soprano, an instrument that he mastered and became an original voice on, despite the fact that he had played it for such a brief time previous to this session. Here, despite the elongated compositional structures, the blues are never out of the limelight entirely. The title track, written by Dupree Bolton, and "Lonely Woman" (Amy's version, not Ornette Coleman's) are the highlights here, but there isn't a weak millisecond on this slab. In all, this collection is its own revelation -- not only of Amy's overlooked artistry, but of the city of L.A. teeming with fresh sounds and approaches before the steamroller of rock and roll overshadowed it.

///////

Reseña de Thom Jurek
De todos los volúmenes de la serie Mosaic Select —en el momento de escribir estas líneas hay ocho—, ninguno es más bienvenido o inesperado que este conjunto del difunto saxofonista, compositor y arreglista Curtis Amy. Estos tres CD contienen la producción completa de seis álbumes de Amy para el sello Pacific Jazz, que incluye su obra maestra, Katanga! La estrella de Amy siguió brillando en diferentes contextos después de dejar el sello, como tenor con Gerald Wilson y Ray Charles, como solista en los álbumes Soft Parade y L.A. Woman de The Doors y, por supuesto, como arreglista y líder de la banda de la cantante de R&B Merry Clayton (la pareja estaba casada). 
Pero es el material aquí incluido el que consolida el lugar de Amy en el panteón del jazz. Amy era originario de Houston y forma parte de la rica y variada tradición del saxo tenor de Texas. Emigró a Los Ángeles para trabajar y lideró numerosas bandas de soul-jazz allí antes de grabar estos seis álbumes para Pacific Jazz. Entre los títulos se incluyen Blues Message y Meetin' Here (codirigidos con el organista Paul Bryant), Groovin' Blue (codirigido con el baterista Frank Butler) y Way Down, Tippin' on Through y Katanga! (los tres últimos como líder en solitario), todos ellos publicados entre 1960 y 1963. Los tres primeros álbumes de este conjunto ofrecen una visión de Amy como una cantante de soul con influencias blues en una escena dominada por el último apogeo de los cool jazzers y los hard boppers de la costa oeste. Los músicos que participaron en estas tres grabaciones ofrecieron una visión de las profundas raíces R&B de la escena de los clubes de jazz de Sunset Strip: junto con Bryant y Butler, el trombonista Roy Brewster, el baterista Jimmy Miller, Bobby Hutcherson al vibráfono y los bajistas Jimmy Bond y Clarence Jones tocaron en estas sesiones, todos ellos incondicionales de esa escena apasionante pero criminalmente desconocida. El cuarto álbum del conjunto, Way Down, cuenta con algunas caras nuevas, entre las que destacan Marcus Belgrave, antes de su etapa con Charles Mingus, y el vibrafonista Roy Ayers, antes de lanzarse en solitario. Otros músicos que participaron en la grabación fueron el bajista George Morrow y el pianista Victor Feldman. Tippin' on Through es una grabación en directo en el Lighthouse, y Amy lo dio todo con Larance Marable, Brewster, Bobby Whitlock y el pianista John Houston. En todas estas sesiones, Amy está profundamente arraigada en las tradiciones del rhythm and blues y el soul de los tenores de Texas. Su trabajo en combo es quizás limitado rítmicamente, pero es armónicamente brillante en la forma en que estira estas formas hasta el límite en la primera línea, y las piezas del álbum en directo encajan y se vuelven sobre sí mismas: fíjate en los grandes marcos modales que Houston establece bajo los vibráfonos de Ayers: Ayers los extrapola para que los metales salten desde ellos. También en cuanto a la textura, la forma en que los solos se superponen, encajan y se vuelven sobre sí mismos de forma dinámica es bastante notable, ya que muchas de las citas del soul-jazz neoyorquino no llegaron a este punto hasta 1966 aproximadamente. Por último, Amy ya estaba profundamente influenciada por Coltrane en Tippin' on Through: sus propios solos adoptan el enfoque modal, se enrollan alrededor de una o dos frases y las tocan desde dentro hacia fuera, explotando en torrentes de sonido sin alejarse del blues. 
Katanga! es un ejemplo claro de ello. Sigue siendo un clásico del jazz por sus armonías maravillosamente extrapoladas y estriadas, su sentido intrincado del intervalo y la sofisticación melódica de Amy, profundamente impregnada de consideraciones escalares latinas y africanas. Este álbum también cuenta con la trompeta del poco conocido y poco grabado Dupree Bolton, el elegante funk del guitarrista Ray Crawford y la soprano de Amy, un instrumento que dominaba y con el que se convirtió en una voz original, a pesar de que lo había tocado durante muy poco tiempo antes de esta sesión. Aquí, a pesar de las estructuras compositivas alargadas, el blues nunca deja de ser el protagonista. La canción que da título al álbum, escrita por Dupree Bolton, y «Lonely Woman» (la versión de Amy, no la de Ornette Coleman) son lo más destacado, pero no hay ni un solo milisegundo flojo en este disco. En conjunto, esta colección es una revelación en sí misma, no solo del talento artístico ignorado de Amy, sino también de la ciudad de Los Ángeles, rebosante de nuevos sonidos y enfoques antes de que la apisonadora del rock and roll la eclipsara.

Curtis Amy & Frank Butler • Groovin' Blue

 

 

Horace Silver • Live New York, Revisited

 

This fabulous album, recorded during three New York club engagements in 1964, 1965 and 1966, ranks among the finest in the pianist/composer's illustrious catalogue. There are several things going for it: the quality and shared intentionality of the two, slightly different, lineups; the choice of material and its careful sequencing; the vibrancy of the performances, which is enough to practically raise the dead; and the quality of the CD mastering by the ezz-thetics label's sonic jedi Michael Brändli, whose work in effect amounts to full-on audio restoration.

Three of the five tunes (the seven-track album contains two versions apiece of "Que Pasa" and "African Queen") are from Silver's exalted Song For My Father (Blue Note, 1964) and are performed by the band which played them on that album: Silver, tenor saxophonist Joe Henderson, trumpeter Carmell Jones, bassist Teddy Smith and drummer Roger Humphries. "Song For My Father," "The Natives Are Restless Tonight" and "Que Pasa" never sounded finer.

The same can be said for "Señor Blues" from 6 Pieces Of Silver (Blue Note, 1957), the title track from Tokyo Blues (Blue Note, 1962), and "African Queen" from The Cape Verdean Blues (Blue Note, 1965). The two versions of "African Queen," datewise the last tracks to have been recorded (at the Half Note on separate nights in February 1966), have Woody Shaw in place of Jones and Larry Ridley in place of Smith. The rest of the personnel is unchanged.

Reviewers are not usually given to quoting the words of other writers, much less giving attribution to them when they do, but on occasion someone else makes an observation which is worth repeating verbatim. Brian Morton's sleeve note for Live New York Revisited is spot-on in its analysis of Silver's importance within the development of jazz. Here is Morton's general thesis: "Long before his death in 2014, Silver's reputation had become occluded, or tarnished with the notion that he was a relatively slight figure, more of an entertainer than an innovator." He goes on to discuss the various ways in which Silver was an innovatory figure, including this: "His habit of quoting other songs in his solos, often dismissed as a shallow, crowd-pleasing trick, is a forerunner of sampling culture and hip-hop. It's also an acknowledgement of [how] profoundly knowledgeable Silver was about the canon and its evolution. Here's a line of mine, he might say, and here's where it came from, but also here and here. His only mistake in this regard was to smile while he was playing.... a challenge to the really rather recent notion that jazz should be deadly serious and played with a pained rictus."

Joyous faces rather than pained rictuses should be the universal response to this album.
By Chris May
August 15, 2022
https://www.allaboutjazz.com/live-new-york-revisited-horace-silver-quintet-ezz-thetics

///////

Este fabuloso álbum, grabado durante tres compromisos en clubes de Nueva York en 1964, 1965 y 1966, se encuentra entre los mejores del ilustre catálogo del pianista y compositor. Hay varias cosas a su favor: la calidad y la intencionalidad compartida de las dos formaciones, ligeramente diferentes; la elección del material y su cuidadosa secuenciación; la vitalidad de las interpretaciones, que es suficiente para prácticamente resucitar a los muertos; y la calidad de la masterización del CD por el jedi sónico del sello ezz-thetics, Michael Brändli, cuyo trabajo equivale en efecto a una restauración de audio completa.

Tres de los cinco temas (el álbum de siete pistas contiene dos versiones cada una de "Que Pasa" y "African Queen") proceden del excelso Song For My Father (Blue Note, 1964) de Silver y son interpretados por la banda que los tocó en ese álbum: Silver, el saxofonista tenor Joe Henderson, el trompetista Carmell Jones, el bajista Teddy Smith y el batería Roger Humphries. "Song For My Father", "The Natives Are Restless Tonight" y "Que Pasa" nunca sonaron mejor.

Lo mismo puede decirse de "Señor Blues" de 6 Pieces Of Silver (Blue Note, 1957), el tema que da título a Tokyo Blues (Blue Note, 1962) y "African Queen" de The Cape Verdean Blues (Blue Note, 1965). Las dos versiones de "African Queen", los últimos temas grabados (en el Half Note en noches distintas de febrero de 1966), incluyen a Woody Shaw en lugar de Jones y a Larry Ridley en lugar de Smith. El resto del personal no ha cambiado.

Los críticos no suelen citar las palabras de otros escritores, y mucho menos atribuírselas cuando lo hacen, pero en ocasiones alguien hace una observación que vale la pena repetir textualmente. La nota de Brian Morton para Live New York Revisited es acertada en su análisis de la importancia de Silver en el desarrollo del jazz. Esta es la tesis general de Morton: "Mucho antes de su muerte en 2014, la reputación de Silver se había ocluido, o empañado con la noción de que era una figura relativamente ligera, más un artista que un innovador". Continúa hablando de las diversas formas en las que Silver era una figura innovadora, entre ellas esta: "Su costumbre de citar otras canciones en sus solos, a menudo tachada de truco superficial para agradar al público, es precursora de la cultura del sampling y el hip-hop. También es un reconocimiento de [lo] profundamente conocedor que era Silver del canon y su evolución". Aquí hay una frase mía, decía, y de aquí viene, pero también aquí y aquí". Su único error en este sentido fue sonreír mientras tocaba.... un desafío a la noción bastante reciente de que el jazz debe ser mortalmente serio y tocado con un rictus dolorido".

La respuesta universal a este álbum deberían ser las caras alegres y no los rictus doloridos.
Por Chris May
15 de agosto de 2022
https://www.allaboutjazz.com/live-new-york-revisited-horace-silver-quintet-ezz-thetics

Booker Ervin • Groovin' High

 

Horace Silver • Song For My Father

Herbie Mann • Latin Mann

Nathan Davis Quintet • The Hip Walk

 

Considered one of Nathan Davis' best albums, and long a collector's item, The Hip Walk was recorded in 1965, a time when the Afro-American Davis lived in Europe, working with such legends as Kenny Clarke, Eric Dolphy, and Art Blakey. Nathan's Kansas City school mate, trumpeter Carmell Jones comes along for the ride. Jones played trumpet on Horace Silver's classic 1965 Song for My Father - 'nuff said about his credentials! Nathan's rhythm section represents the underpinning of one of the greatest big bands of the time, Kenny Clarke and Francy Boland, with Jimmy Woode. "The Hip Walk" struts along with outstanding solos over dense, dark chords. "While Children Sleep" reveals Davis as a superb balladeer. "Train of Thought" has something of Tad Dameron's "Super Jet" in it as Davis, Jones, and Boland fly through the changes. Jerome Kern's "Yesterdays" features Davis with a virtuoso exhibition of flute playing, whereas "That Keycee Thing" shows Davis's debt to Trane on this hard-swinging modal piece. The beautiful "Carmell's Black Forest Waltz" features Jones on his own composition in a fitting tribute to the MPS ethos. "B's Blues" finds Nathan on soprano. Jones and Davis exchange fours on the way out.

A superb album of soulful, swinging jazz - the perfect companion when you feel the need to get in the groove
https://elusivedisc.com/the-nathan-davis-quintet-the-hip-walk-master-quality-reel-to-reel-tape-2reel/

///////

Considerado uno de los mejores álbumes de Nathan Davis, y durante mucho tiempo una pieza de coleccionista, The Hip Walk se grabó en 1965, una época en la que el afroamericano Davis vivía en Europa, trabajando con leyendas como Kenny Clarke, Eric Dolphy y Art Blakey. El trompetista Carmell Jones, compañero de Nathan en la escuela de Kansas City, le acompaña en el viaje. Jones tocó la trompeta en el clásico de Horace Silver de 1965 Song for My Father, ¡basta ya de hablar de sus credenciales! La sección rítmica de Nathan representa la base de una de las grandes bandas de la época, Kenny Clarke y Francy Boland, con Jimmy Woode. "The Hip Walk" se pavonea con solos excepcionales sobre acordes densos y oscuros. "While Children Sleep" revela a Davis como un magnífico baladista. "Train of Thought" tiene algo del "Super Jet" de Tad Dameron cuando Davis, Jones y Boland vuelan a través de los cambios. Yesterdays" de Jerome Kern presenta a Davis con una virtuosa exhibición de flauta, mientras que "That Keycee Thing" muestra la deuda de Davis con Trane en esta pieza modal de duro balanceo. La hermosa "Carmell's Black Forest Waltz" presenta a Jones en su propia composición en un tributo apropiado al espíritu de MPS. "B's Blues" cuenta con Nathan como soprano. Jones y Davis intercambian cuatros a la salida.

Un magnífico álbum de jazz con soul y swing, el acompañante perfecto cuando se siente la necesidad de entrar en la onda.
https://elusivedisc.com/the-nathan-davis-quintet-the-hip-walk-master-quality-reel-to-reel-tape-2reel/

Carmell Jones Quartet • Previously Unreleased Los Angeles Session

 

In August 1960, 24-year old trumpet player Carmell Jones left his Kansas City home-town and hopped a bus to Los Angeles, intent on hitting the West Coast jazz scene. There, his impact was immediate and would prove to be memorable. He was quickly part of a quartet with pianist Forrest Westbrook, bassist Gary Peacock and drummer Bill Schwemmer.

They rehearsed at Westbrooks apartment at 2021 Sta. Monica Blvd, Santa Monica, where this unreleased material was recorded at the end of that month. It was an amazing session, in which Carmell, oozing confidence and assertiveness, demonstrated a fresh, virile and imaginative style, with a warm ballad tone and an authoritatively implacable swing at up tempo. The highly responsive rhythm section locked right on him all the way, and also revealed Forrest Westbrook as a highly talented and sensitive pianist, with an advanced concept of improvisation, and a built-in propensity for swinging hard. Along with the pungently powerful Peacock and the driving Schwemmer, they provided an ideally vigorous support for Carmell Jones, who, unbelievably soon, would come to be regarded as among the finest trumpeters on the West Coast. These never before released recordings, his first on the Coast, show why.
https://www.freshsoundrecords.com/carmell-jones-albums/6285-carmell-jones-quartet-previously-unreleased-los-angeles-session.html

///////

En agosto de 1960, Carmell Jones, trompetista de 24 años, abandonó su ciudad natal de Kansas City y tomó un autobús rumbo a Los Ángeles, con la intención de introducirse en la escena del jazz de la Costa Oeste. Allí, su impacto fue inmediato y resultaría memorable. Enseguida formó parte de un cuarteto con el pianista Forrest Westbrook, el bajista Gary Peacock y el batería Bill Schwemmer.

Ensayaron en el apartamento de Westbrook, en el 2021 Sta. Monica Blvd, Santa Mónica, donde se grabó este material inédito a finales de ese mes. Fue una sesión asombrosa, en la que Carmell, rezumando confianza y asertividad, demostró un estilo fresco, viril e imaginativo, con un cálido tono de balada y un swing autoritario e implacable en el up tempo. La sección rítmica, de gran capacidad de respuesta, le siguió en todo momento, y también reveló que Forrest Westbrook es un pianista de gran talento y sensibilidad, con un concepto avanzado de la improvisación y una propensión innata al swing duro. Junto con el potente Peacock y el enérgico Schwemmer, proporcionaron un vigoroso apoyo a Carmell Jones, quien, increíblemente pronto, llegaría a ser considerado uno de los mejores trompetistas de la Costa Oeste. Estas grabaciones inéditas, sus primeras en la costa, demuestran por qué.
https://www.freshsoundrecords.com/carmell-jones-albums/6285-carmell-jones-quartet-previously-unreleased-los-angeles-session.html

Carmell Jones • The Remarkable Carmell Jones

 

Review by Scott Yanow
Of the few records that trumpeter Carmell Jones led throughout his career, his first date was by far his best known and was generally his most satisfying. Teamed in Los Angeles with tenor saxophonist Harold Land, pianist Frank Strazzeri, bassist Gary Peacock, and drummer Leon Pettis, Jones is featured on music that is essentially cool-toned hard bop. In addition to a couple of Jones' originals, there is an obscurity by bassist Jimmy Bond and three other tunes, including an 11-minute investigation of Duke Ellington's "I'm Gonna Go Fishing." Jones' Clifford Brown-influenced style blends well with Land, and the music swings throughout in fine fashion. This album was reissued by the British Charly label on their Affinity subsidiary in the mid-'80s.
https://www.allmusic.com/album/the-remarkable-carmell-jones-mw0000914206


Biography by Scott Yanow
An excellent hard bop trumpeter, Carmell Jones would probably have been much better-known today if he had not moved to Europe in the mid-'60s at the height of his career. After military service and two years at the University of Kansas, Carmell Jones led a band in Kansas City (1959). The next year, he moved to Los Angeles where he recorded a couple of albums as a leader for Pacific Jazz and made records with Bud Shank, Harold Land, Curtis Amy, and most significantly Gerald Wilson's Orchestra (1961-1963). Jones toured with Horace Silver for a year (1964-1965), recording the original version of "Song for My Father" with Silver before moving to Berlin. Although quite active in Europe, Carmell Jones was largely forgotten by the time he moved back to Kansas City in 1980; however, a 1982 album for Revelation helped remind a few listeners how good he still was.
https://www.allmusic.com/artist/carmell-jones-mn0001424897/biography

///////

Reseña de Scott Yanow
De los pocos discos que el trompetista Carmell Jones dirigió a lo largo de su carrera, su primera cita fue, con diferencia, la más conocida y, en general, la más satisfactoria. Formando equipo en Los Ángeles con el saxofonista tenor Harold Land, el pianista Frank Strazzeri, el bajista Gary Peacock y el baterista Leon Pettis, Jones aparece en una música que es esencialmente hard bop de tono frío. Además de un par de originales de Jones, hay una oscuridad del bajista Jimmy Bond y otras tres melodías, incluyendo una investigación de 11 minutos de "I'm Gonna Go Fishing" de Duke Ellington. El estilo de Jones, influenciado por Clifford Brown, se combina bien con Land, y la música se balancea a lo largo de todo el disco de forma excelente. Este álbum fue reeditado por el sello británico Charly en su filial Affinity a mediados de los 80.
https://www.allmusic.com/album/the-remarkable-carmell-jones-mw0000914206


Biografía de Scott Yanow
Carmell Jones, un excelente trompetista de hard bop, probablemente habría sido mucho más conocido hoy en día si no se hubiera trasladado a Europa a mediados de los años 60, en el punto álgido de su carrera. Tras el servicio militar y dos años en la Universidad de Kansas, Carmell Jones dirigió una banda en Kansas City (1959). Al año siguiente, se trasladó a Los Ángeles, donde grabó un par de álbumes como líder para Pacific Jazz y grabó discos con Bud Shank, Harold Land, Curtis Amy y, sobre todo, con la Orquesta de Gerald Wilson (1961-1963). Jones estuvo de gira con Horace Silver durante un año (1964-1965), grabando la versión original de "Song for My Father" con Silver antes de trasladarse a Berlín. Aunque estuvo muy activo en Europa, Carmell Jones había caído en el olvido cuando regresó a Kansas City en 1980; sin embargo, un álbum de 1982 para Revelation ayudó a recordar a algunos oyentes lo bueno que todavía era.
https://www.allmusic.com/artist/carmell-jones-mn0001424897/biography

Charles McPherson • Bebop Revisited

 

Review
by Scott Yanow
Bebop is the thing on this excellent outing as altoist Charles McPherson and pianist Barry Harris do their interpretations of Charlie Parker and Bud Powell. With trumpeter Carmell Jones, bassist Nelson Boyd and drummer Al "Tootie" Heath completing the quintet, the band romps through such bop classics as "Hot House," "Nostalgia," "Wail" and "Si Si" along with an original blues and "Embraceable You." A previously unissued "If I Love You" is added to the CD reissue. McPherson and Jones make for a potent frontline on these spirited performances, easily recommended to fans of straightahead jazz.
https://www.allmusic.com/album/be-bop-revisited-mw0000276269

///////

Reseña
por Scott Yanow
El Bebop es la cosa en esta excelente salida cuando el contralto Charles McPherson y el pianista Barry Harris hacen sus interpretaciones de Charlie Parker y Bud Powell. Con el trompetista Carmell Jones, el bajista Nelson Boyd y el baterista Al "Tootie" Heath completando el quinteto, la banda retoza con clásicos del bop como "Hot House", "Nostalgia", "Wail" y "Si Si" junto con un blues original y "Embraceable You". En la reedición del CD se añade un tema inédito, "If I Love You". McPherson y Jones forman una potente primera línea en estas animadas interpretaciones, fácilmente recomendables para los aficionados al jazz directo.
https://www.allmusic.com/album/be-bop-revisited-mw0000276269

charlesmcpherson.com ...

Victor Feldman • Soviet Jazz Themes

Soviet Jazz Themes (full title: The Victor Feldman All Stars Play the 'World's First Album of Soviet Jazz Themes) is an album by vibraphonist and pianist Victor Feldman featuring tunes by three composers he discovered while on Benny Goodman's 1962 tour of Russia which he recorded on returning to the U.S. and released on the Äva label.
https://en.wikipedia.org/wiki/Soviet_Jazz_Themes

 

///////

 

Soviet Jazz Themes (título completo: The Victor Feldman All Stars Play the 'World's First Album of Soviet Jazz Themes) es un álbum del vibrafonista y pianista Victor Feldman que incluye temas de tres compositores que descubrió durante la gira de Benny Goodman por Rusia en 1962 y que grabó a su regreso a Estados Unidos y publicó en el sello Äva.
https://en.wikipedia.org/wiki/Soviet_Jazz_Themes

The Red Mitchell - Harold Land Quintet • Hear Ye!!!! Hear Ye!!!!

 

Review
by Scott Yanow
In the early '60s, bassist Red Mitchell and tenor saxophonist Harold Land co-led a quintet in Los Angeles. The group did not catch on but they did record one Atlantic set that has been reissued on CD. In addition to the co-leaders, the quintet included trumpeter Carmell Jones, pianist Frank Strazzeri, and drummer Leon Pettis, and, although their original program of six songs was comprised entirely of group originals, the music falls easily into the hard bop area with plenty of fine solos and swinging ensembles. The CD reissue adds two previously unreleased tracks including a lone standard, "I'm Old Fashioned." This is a fine effort from a group that deserved greater recognition at the time.
https://www.allmusic.com/album/hear-ye%21-mw0000929109

///////

Reseña
por Scott Yanow
A principios de los años 60, el bajista Red Mitchell y el saxofonista tenor Harold Land codirigieron un quinteto en Los Ángeles. El grupo no tuvo éxito, pero grabaron un disco en Atlantic que ha sido reeditado en CD. Además de los co-líderes, el quinteto incluía al trompetista Carmell Jones, al pianista Frank Strazzeri y al baterista Leon Pettis, y, aunque su programa original de seis canciones estaba compuesto enteramente por originales del grupo, la música cae fácilmente en el área del hard bop con un montón de buenos solos y conjuntos de swing. La reedición en CD añade dos temas inéditos, incluyendo un único estándar, "I'm Old Fashioned". Se trata de un buen esfuerzo de un grupo que merecía un mayor reconocimiento en su momento.
https://www.allmusic.com/album/hear-ye%21-mw0000929109

Marv Jenkins Trio • Hollywood's Little Giant of Jazz

 

Best known as a pianist, Marvin Jenkins (1932-2005) was also a skilled flute player, tenor saxophonist, organist and a proficient composer. In the early 60s, in addition to working with guitarist Barney Kessels quartet, he recorded three excellent piano trio albums as leader.

The first, Marv Jenkins Arrives (1960), an auspicious debut on the small Los Angeles label Orovox, moved a&r Neal Hefti to sign him for Reprise Records, where he recorded A Tribute to My People (1961), and Good Little Man (1962). Bassists Jack Bruce and Stanley Gilbert and drummer Kenny Dennis contributed to the good groove achieved on both.

Jenkins touch was heavy and swinging, funky without being trite. Despite naming Erroll Garner and Oscar Peterson as influences, he sounded like neither. The twelve selections of the fourth album in this set, Big City, produced by Palomar Records in 1965, served as good vehicles for his talents as pianist, singer and composer, in a groovy session backed by some West Coast jazz stalwarts. That year, still with Palomar, he had a hit single, Ive Got the Blues, added here as a bonus.

Jenkins was an underrated jazzman who spent 25 years of his career as an accompanist to singer/actress Della Reese, and is best known today for his piano work on Marvin Gayes classic 1973 recording Lets Get It On.

///////

Más conocido como pianista, Marvin Jenkins (1932-2005) fue también un hábil flautista, saxofonista tenor, organista y compositor competente. A principios de los 60, además de trabajar con el cuarteto del guitarrista Barney Kessels, grabó tres excelentes álbumes de trío de piano como líder.

El primero, Marv Jenkins Arrives (1960), un auspicioso debut en el pequeño sello de Los Ángeles, Orovox, movió a a&r Neal Hefti a contratarlo para Reprise Records, donde grabó A Tribute to My People (1961), y Good Little Man (1962). Los bajistas Jack Bruce y Stanley Gilbert y el baterista Kenny Dennis contribuyeron al buen ritmo logrado en ambos.

El toque de Jenkins era pesado y swing, funky sin ser trillado. A pesar de nombrar a Erroll Garner y Oscar Peterson como influencias, no sonaba como ninguno de los dos. Las doce selecciones del cuarto álbum de este conjunto, Big City, producido por Palomar Records en 1965, sirvieron como buenos vehículos para sus talentos como pianista, cantante y compositor, en una sesión groovy respaldada por algunos estandartes del jazz de la costa oeste. Ese año, aún con Palomar, tuvo un single de éxito, Ive Got the Blues, añadido aquí como un bonus.

Jenkins fue un jazzista subestimado que pasó 25 años de su carrera como acompañante de la cantante y actriz Della Reese, y es más conocido hoy en día por su trabajo de piano en el clásico de Marvin Gayes de 1973, Lets Get It On.


Fresh Sound Records ... 

 

Curtis Amy • Groovin' Blue + Way Down + Tippin' on Through

 

Between 1960 and 1963 Texas tenor Curtis Amy (1927-2002) made six superb albums for Dick Bocks Pacific Jazz label, three of which, Groovin Blue, Way Down, and Tippin on Through, are included here. They were part of Bocks recognition of the emergence on the West Coast scene of a more groove-based, harder swinging approach than the cooler, considered style that preceded it. He chose well. Years of semi-obscurity in L.A. dance bands and organ combos had made Amy a thoroughly seasoned, assertive and inventive player in the mould of fellow tenor, Harold Land; these Pacific albums established him as a major exponent of the new music revitalizing West Coast jazz.

For these recordings, which also showcased his considerable capacity as a writer and his sensitive way with ballads, Amy was surrounded by some of the finest young lions on the scene, creative soloists who combined soul and imagination with the ability to swing hard. Adding a timeless lustre to this consistently engaging music is the sterling work of trumpeters Carmell Jones and Marcus Belgrave, vibists Bobby Hutcherson and Roy Ayers, pianists Frank Strazzeri, Vic Feldman and John Houston, valve trombonist Roy Brewster and outstanding rhythm section men like Frank Butler, Lawrence Marable, Jimmy Bond and George Morrow.
https://www.freshsoundrecords.com/curtis-amy-albums/5825-groovin-blue-way-down-tippin-on-through-3-lps-on-2-cds.html

///////

Entre 1960 y 1963 el tenor de Texas Curtis Amy (1927-2002) hizo seis magníficos álbumes para el sello Dick Bocks Pacific Jazz, tres de los cuales, Groovin Blue, Way Down y Tippin on Through, están incluidos aquí. Fueron parte del reconocimiento de Bocks del surgimiento en la escena de la Costa Oeste de un enfoque más basado en el groove y el swing más duro que el estilo más cool y considerado que lo precedió. Eligió bien. Los años de semi-obscuridad en las bandas de baile y los combos de órganos de Los Ángeles habían hecho de Amy un jugador muy experimentado, asertivo e inventivo en el molde de su compañero tenor, Harold Land; estos álbumes del Pacífico lo establecieron como un exponente importante de la nueva música que revitalizaba el jazz de la Costa Oeste.

En estas grabaciones, que también mostraban su considerable capacidad como escritor y su sensibilidad con las baladas, Amy se rodeó de algunos de los mejores jóvenes leones de la escena, solistas creativos que combinaban el alma y la imaginación con la capacidad de bailar duro. Añadiendo un brillo intemporal a esta música siempre atractiva se encuentra el excelente trabajo de los trompetistas Carmell Jones y Marcus Belgrave, los vibrafonistas Bobby Hutcherson y Roy Ayers, los pianistas Frank Strazzeri, Vic Feldman y John Houston, el trombonista de válvula Roy Brewster y destacados hombres de la sección rítmica como Frank Butler, Lawrence Marable, Jimmy Bond y George Morrow.
https://www.freshsoundrecords.com/curtis-amy-albums/5825-groovin-blue-way-down-tippin-on-through-3-lps-on-2-cds.html


Fresh Sound Records ...  

 

Gerald Wilson • You Better Believe It!

 

Review
by Joe Viglione
Long out of print, the sophisticated and timeless instrumental work titled You Better Believe It by underrated conductor/arranger Gerald Wilson is a first-rate masterpiece released on the Pacific Jazz label in 1961. The seven performances are available on CD in their original order on the 84-track, five-disc compilation, The Complete Pacific Jazz Recordings of Gerald Wilson & His Orchestra released on the Mosaic label, but the additional 77 tracks on the boxed set might distract from this impressive LP which stands as an important work of art on its own. Beginning with "Blues for Yna Yna," the album starts off like an intriguing spy movie complete with understated dramatic tension. Written for Wilson's pet cat, according to liner note writer John William Hardy, the almost seven-minute excursion features the reeds of Harold Land. Explosive horns chirp over Richard "Groove" Holmes' jazz organ solos, but the 17-piece orchestra never gets in the way -- just the opposite as Wilson adds this or that in clever fashion so that the pieces stay fresh over endless spins. "Jeri," the second title and written for Wilson's daughter, is almost half the length of the opening track, but pulls away the curtain and explodes with the horns flowing and Holmes' keyboard ebbing, the rhythm section of drummer Mel Lewis and bassist Jimmy Bond directing the current so everything else can fall nicely into place. "Moody Blue," with its pensive and majestic oozing prowl, was a major inspiration to "Sunny" author and Wilson aficionado Bobby Hebb who immersed himself in this album in the early '60s and pointed out: "The great Gerald Wilson believed in the talent of Richard Holmes." Indeed, Wilson gave Holmes a tremendous platform to infuse his ideas with those of the other gifted players, Joe Maini on alto, Walter Benton on tenor, and reed player Teddy Edwards, who helps open side two with his participation on "The Wailer." "The Wailer" is almost like a "Part Two" to side one's opening track, "Blues for Yna Yna," back to the spy movie style -- and Hardy's essay notes that it was written for a television play. One website claims Wilson appeared as a trumpeter in a 1959 CBS-TV drama, Lineup, for an episode called The Wailer. On the track with the same name as the TV episode the music creeps in and evolves into thickly textured swirls of brass, keyboards, and advancing drums. Richard "Groove" Holmes' organ swells up about six minutes into the seven-and-a-half minute expedition, just a marvelous performance that transcends jazz and borders on modern pop, a foundation for things that became mainstream within a decade of its release.

On the back cover of the original imprint, Hardy calls this disc "one of the most thoroughly ingratiating big-band jazz recordings in years," and the test of time proves Hardy correct. The 17-piece orchestra performs like a trio or quartet, each musician knowing where to be and when to execute, so the tension shifts and the moods change as subtle instrumentation slides in track by instrumental track. Shifting from quiet to quickly dramatic, the ideas keep flowing from Wilson's creative fount and titles like "Straight Up & Down" continue the mission inside the under four minutes. It sure feels as if Blood, Sweat & Tears and Chicago were inspired by these sounds from 1961, and most certainly the Henry Mancini composed original soundtrack to The Pink Panther, recorded in 1963 and released in 1964, owes some debt to You Better Believe It. That this music is so film-ready should come as no surprise as Wilson was involved in the soundtrack to the motion picture Where the Boys Are in the '60s and other TV and movie work. "Gerald Wilson's groove can only be told if you have the strength to pull the corner of your lips out of your ears, because he produces a heavy smile" Bobby Hebb says of one of his favorite artists specifically for this review, and it's difficult to disagree. You Better Believe It somehow got lost in the shuffle in the 46 years between when it was released and when this review was written. It's a textbook for future generations, a dynamic and powerful combination of sounds waiting to inspire the world again.
https://www.allmusic.com/album/you-better-believe-it-mw0000871569

///////

Reseña
por Joe Viglione
Descatalogada desde hace tiempo, la sofisticada e intemporal obra instrumental titulada You Better Believe It del subestimado director/arreglista Gerald Wilson es una obra maestra de primera categoría editada por el sello Pacific Jazz en 1961. Las siete interpretaciones están disponibles en CD en su orden original en el recopilatorio de 84 pistas y cinco discos The Complete Pacific Jazz Recordings of Gerald Wilson & His Orchestra, editado por el sello Mosaic, pero las 77 pistas adicionales de la caja podrían distraer la atención de este impresionante LP, que constituye una importante obra de arte por sí solo. Comenzando con "Blues for Yna Yna", el álbum arranca como una intrigante película de espías, con una discreta tensión dramática. Escrita para el gato mascota de Wilson, según John William Hardy, autor de la nota de presentación, esta excursión de casi siete minutos cuenta con las cañas de Harold Land. Las explosivas trompas chirrían sobre los solos de órgano jazz de Richard "Groove" Holmes, pero la orquesta de 17 músicos nunca estorba, sino todo lo contrario, ya que Wilson añade esto o aquello de forma inteligente para que las piezas se mantengan frescas en interminables giros. "Jeri", el segundo título y escrita para la hija de Wilson, tiene casi la mitad de duración que el tema de apertura, pero descorre el telón y explota con el fluir de las trompas y el reflujo del teclado de Holmes, la sección rítmica del batería Mel Lewis y el bajista Jimmy Bond dirigiendo la corriente para que todo lo demás caiga en su sitio. "Moody Blue", con su pensativo y majestuoso merodeo rezumante, fue una gran inspiración para el autor de "Sunny" y aficionado a Wilson Bobby Hebb, que se sumergió en este álbum a principios de los 60 y señaló: "El gran Gerald Wilson creía en el talento de Richard Holmes". Efectivamente, Wilson dio a Holmes una plataforma tremenda para infundir sus ideas con las de los otros dotados músicos, Joe Maini en el alto, Walter Benton en el tenor y el lengüetero Teddy Edwards, que ayuda a abrir la cara dos con su participación en "The Wailer". "The Wailer" es casi como una "Segunda Parte" del tema que abre la cara uno, "Blues for Yna Yna", de vuelta al estilo de las películas de espías -- y el ensayo de Hardy señala que fue escrita para una obra de televisión. Un sitio web afirma que Wilson apareció como trompetista en un drama de la CBS-TV de 1959, Lineup, en un episodio titulado The Wailer. En el tema que lleva el mismo nombre que el episodio de televisión, la música se cuela y evoluciona hacia remolinos de metales, teclados y tambores. El órgano de Richard "Groove" Holmes se hincha a los seis minutos de la expedición de siete minutos y medio, una interpretación maravillosa que trasciende el jazz y roza el pop moderno, una base que se convirtió en mainstream una década después de su publicación.

En la contraportada del sello original, Hardy califica este disco como "una de las grabaciones de big-band jazz más profundamente congraciadoras de los últimos años", y la prueba del tiempo da la razón a Hardy. La orquesta de 17 músicos actúa como un trío o un cuarteto, cada músico sabe dónde estar y cuándo actuar, de modo que la tensión cambia y los estados de ánimo cambian a medida que la sutil instrumentación se desliza pista a pista. Pasando de lo tranquilo a lo rápidamente dramático, las ideas siguen fluyendo de la fuente creativa de Wilson y títulos como "Straight Up & Down" continúan la misión dentro de los menos de cuatro minutos. Da la sensación de que Blood, Sweat & Tears y Chicago se inspiraron en estos sonidos de 1961, y sin duda la banda sonora original de La Pantera Rosa compuesta por Henry Mancini, grabada en 1963 y publicada en 1964, tiene cierta deuda con You Better Believe It. Que esta música esté tan preparada para el cine no debería sorprendernos, ya que Wilson participó en la banda sonora de la película Where the Boys Are en los años 60 y en otros trabajos para televisión y cine. "El groove de Gerald Wilson sólo se puede contar si se tiene la fuerza de sacar la comisura de los labios de las orejas, porque produce una sonrisa pesada" dice Bobby Hebb de uno de sus artistas favoritos específicamente para esta crítica, y es difícil no estar de acuerdo. You Better Believe It se perdió en el olvido en los 46 años transcurridos entre su publicación y la redacción de esta reseña. Es un libro de texto para las generaciones futuras, una dinámica y poderosa combinación de sonidos que espera inspirar al mundo de nuevo.
https://www.allmusic.com/album/you-better-believe-it-mw0000871569

Herbie Mann & Chick Corea • Complete Latin Band Session

Two CD set containing the complete recordings of Herbie Mann with Chick Corea, consisting of the three complete albums Monday Night at the Village Gate, Standing Ovation at Newport and Latin Mann: Afro to Bossa to Blues (all recorded in 1965), plus all seven of the tracks from the album The Roar of the Greasepaint the Smell of the Crowd in which both musicians are present.

 

///////

 

Juego de dos CDs que contiene las grabaciones completas de Herbie Mann con Chick Corea, consistentes en los tres álbumes completos Monday Night at the Village Gate, Standing Ovation at Newport y Latin Mann: Afro to Bossa to Blues (todos ellos grabados en 1965), más los siete temas del álbum The Roar of the Greasepaint the Smell of the Crowd en los que están presentes ambos músicos.