Victor Feldman • Modern Jazz Quartet EP 35

 

 

Victor Feldman es considerado uno de los más importantes músicos de jazz de Gran Bretaña. Nació el 7 de abril de 1934, y ya estaba en el escenario tocando la batería con la banda de Glenn Miller a la edad de seis años. Glenn Miller llama a Feldman "El mayor joven percusionista jamás creado".
Ya mayor entra en la escena británica del jazz alternándose entre batería, vibráfono y piano, siendo admirado por su versatilidad en la interpretación de dichos instrumentos.

En 1955 emigra a USA instalándose sin problemas en el circuito jazzístico de Los Ángeles, tocando con figuras tales como Woody Herman, Benny Goodman, Scout LaFaro, George Shearing, Cannonball Adderley, Miles Davis, e incluso diversificando su visión musical con talentos como Frank Zapp, Steely Dan, Tom Waits y Joe Walsh.

Más de un centenar de sus composiciones han sido grabadas, incluyendo los clásicos del jazz reconocible al instante "Seven Steps to Heaven" y "Joshua", hecha famosa por Miles Davis y grabado y tocado con otros artistas no nombrados en esta escueta bio.

Fallece en su casa, a la edad de 53 años, a raíz de un ataque de asma.

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Automatic translation: 

Victor Feldman is considered one of the most important jazz musicians of Great Britain. He was born on April 7, 1934, and was already on stage playing the drums with Glenn Miller's band at the age of six. Glenn Miller calls Feldman "The greatest young percussionist ever created."Already he enters the British jazz scene alternating between drums, vibraphone and piano, being admired for his versatility in the interpretation of these instruments.In 1955, he emigrated to the United States and settled in the Los Angeles Jazz circuit, playing with figures such as Woody Herman, Benny Goodman, Scout LaFaro, George Shearing, Cannonball Adderley, Miles Davis, and even diversifying his musical vision with talents such as Frank Zapp , Steely Dan, Tom Waits and Joe Walsh.More than a hundred of his compositions have been recorded, including the instantly recognizable jazz classics "Seven Steps to Heaven" and "Joshua", made famous by Miles Davis and recorded and played with other artists not named in this short bio.He died at home at the age of 53, following an asthma attack.

 

 

 

 

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Victor Feldman • The Young Vic

 

 

Victor Feldman was born in Edgware, Middlesex in 1934.

He caused a sensation as a musical prodigy when he was “discovered” at age 7. His family were all musical and his father founded the Feldman Swing Club in London in 1942 to showcase his talented son. His first professional appearance was playing drums at No 1 Rhythm Club as a member of the Feldman Trio with brothers Robert on clarinet and Monty on piano accordion. In 1944 he was featured at a concert with Glenn Miller's AAAF band, featured inevitably as “Kid Krupa”. Carlo Krahmer encouraged Feldman to play the vibes which he did first in the Ralph Sharon Sextet and later in the Roy Fox band. He worked in India in 1952 and 1953 in a band led by pianist Eddie Carroll. His vibraphone and conga drum playing were notable, but it was as a pianist that he became best known.

Before leaving the U.K. in 1955 to work in the U.S., Feldman recorded with Ronnie Scott's orchestra and quintet from 1954 to 1955, which also featured other important British jazz musicians such as Phil Seamen and Hank Shaw, among others. It was Scott who recommended that Feldman emigrate to the U.S., which he did in 1957. Once there, his first steady work was with the Woody Herman Herd. From there he went on to join Buddy DeFranco. He recorded with many different jazz artists, including Benny Goodman, George Shearing, Julian "Cannonball" Adderley and Miles Davis, most notably on Davis' 1963 album Seven Steps to Heaven, the title tune being his own composition. The 5-CD Shelly Manne Black Hawk set, originally released on LP in September, 1959, is a good representation of Feldman's unmistakable driving “comping” behind the soloists, helping to define the session as a valuable hard bop genre element.

In 1957 Feldman settled in Los Angeles permanently and then specialized in lucrative session work for the US film and recording industry. He also branched out to work a variety of musicians outside of jazz, working with artists such as Frank Zappa in 1967, Steely Dan in the 1970s and Tom Waits and Joe Walsh in the 1980s. Feldman died at age 53, a year after the death of his wife, to whom he was completely devoted.

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Victor Feldman nació en Edgware, Middlesex en 1934.

Causó sensación como prodigio musical cuando fue "descubierto" a los 7 años. Su familia era toda musical y su padre fundó el Feldman Swing Club en Londres en 1942 para mostrar a su talentoso hijo. Su primera aparición profesional fue tocando la batería en el No 1 Rhythm Club como miembro del Feldman Trio con los hermanos Robert en el clarinete y Monty en el acordeón de piano. En 1944 fue presentado en un concierto con la banda AAAF de Glenn Miller, inevitablemente como "Kid Krupa". Carlo Krahmer animó a Feldman a tocar las vibraciones que hizo primero en el Sexteto de Ralph Sharon y luego en la banda de Roy Fox. Trabajó en la India en 1952 y 1953 en una banda dirigida por el pianista Eddie Carroll. Su vibráfono y su conga eran notables, pero fue como pianista que se hizo más conocido.

Antes de dejar el Reino Unido en 1955 para trabajar en los Estados Unidos, Feldman grabó con la orquesta y el quinteto de Ronnie Scott de 1954 a 1955, en el que también participaron otros importantes músicos británicos de jazz como Phil Seamen y Hank Shaw, entre otros. Fue Scott quien recomendó que Feldman emigrara a los Estados Unidos, lo cual hizo en 1957. Una vez allí, su primer trabajo estable fue con el Woody Herman Herd. A partir de ahí se unió a Buddy DeFranco. Grabó con muchos artistas de jazz diferentes, incluyendo a Benny Goodman, George Shearing, Julian "Cannonball" Adderley y Miles Davis, más notablemente en el álbum de 1963 de Davis Seven Steps to Heaven, cuya melodía titular es su propia composición. El set de 5 CD Shelly Manne Black Hawk, originalmente publicado en LP en septiembre de 1959, es una buena representación del inconfundible "comping" de Feldman detrás de los solistas, ayudando a definir la sesión como un valioso elemento del género hard bop.

En 1957 Feldman se estableció permanentemente en Los Ángeles y luego se especializó en lucrativas sesiones de trabajo para la industria cinematográfica y discográfica de los Estados Unidos. También se dedicó a trabajar con una variedad de músicos fuera del jazz, trabajando con artistas como Frank Zappa en 1967, Steely Dan en la década de 1970 y Tom Waits y Joe Walsh en la década de 1980. Feldman murió a la edad de 53 años, un año después de la muerte de su esposa, a quien estaba completamente dedicado.

 

 

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Kenny Graham & His Satellites • Moondog And Suncat Suites

Artist Biography

There were many sad things about the death of Kenny Graham in 1997, one of the minor tragedies being that it ended his reports, previously issued at a clip of one per decade, on what "the millionaire Beatles" were up to. Graham's caustic, alternately amusing and reactionary short essays were just one facet of his creativity, expressed on a selection of woodwind instruments until health issues forced him to concentrate on composing and arranging. Graham was also a progressive jazz bandleader on the British jazz scene, introducing his own take on Afro-Cuban jazz as early as 1950 with Kenny Graham's Afro-Cubists. The latter outfit's stylistic experiments were eventually too much for the public at large, whose abandonment of jazz as a popular music was one of Graham's pet peeves. He came up on the dance band scene, working with popular bandleaders such as Ambrose, but had no patience for the self-contained electric rock & roll combos who would lure the dancers away.

Graham's first instrument was banjo, supposedly putty in his hands at the tender age of five. From there he went to a combination of tenor saxophone, clarinet, and flute, while also doing some choir singing. As a player, his main period of activity was the '50s. After his hospitalization in 1958, he began working on charts for bandleaders such as Ted Heath and was also involved as music director for sessions by famed blues performers Big Bill Broonzy and Josh White. The British MGM label released an LP of Graham's own music entitled Moondog and Suncat Suites, sometimes mistaken for a Cat Stevens effort. Many of Graham's essays are available on a website under his name.

by Eugene Chadbourne

https://www.allmusic.com/artist/kenny-graham-mn0001940526

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Biografía del artista

Hubo muchas cosas tristes sobre la muerte de Kenny Graham en 1997, una de las tragedias menores fue que terminó con sus informes, anteriormente publicados en un clip de uno por década, sobre lo que "los Beatles millonarios" estaban haciendo. Los ensayos cortos cáusticos, alternativamente divertidos y reaccionarios de Graham fueron sólo una faceta de su creatividad, expresada en una selección de instrumentos de viento de madera hasta que los problemas de salud le obligaron a concentrarse en la composición y los arreglos. Graham también fue un líder de banda de jazz progresivo en la escena del jazz británico, introduciendo su propia visión del jazz afrocubano ya en 1950 con los afrocubistas de Kenny Graham. Los experimentos estilísticos de este último grupo fueron finalmente demasiado para el público en general, cuyo abandono del jazz como música popular fue una de las preocupaciones de Graham. Apareció en la escena de las bandas de baile, trabajando con directores de banda populares como Ambrose, pero no tuvo paciencia con los combos de rock & roll eléctrico que atraían a los bailarines.

El primer instrumento de Graham fue el banjo, supuestamente masilla en sus manos a la tierna edad de cinco años. De ahí pasó a una combinación de saxofón tenor, clarinete y flauta, mientras que también cantaba en el coro. Como intérprete, su principal período de actividad fue en los años 50. Después de su hospitalización en 1958, empezó a trabajar en las listas de éxitos de directores de banda como Ted Heath y también participó como director musical en sesiones de los famosos intérpretes de blues Big Bill Broonzy y Josh White. El sello británico MGM publicó un LP de la propia música de Graham titulado Moondog and Suncat Suites, a veces confundido con un esfuerzo de Cat Stevens. Muchos de los ensayos de Graham están disponibles en un sitio web bajo su nombre.

por Eugene Chadbourne

https://www.allmusic.com/artist/kenny-graham-mn0001940526

 

 

 

The Stan Tracey Big Band • Alice In Jazz Land

Stanley William Tracey, CBE (Londres, 30 de diciembre de 1926 – 6 de diciembre de 2013),1 fue un pianista y compositor de jazz británico influenciado por Duke Ellington y Thelonious Monk.

Biografía

La Segunda Guerra Mundial representó para Tracey la ruptura de su educación formal, convirtiéndose a los 16 años en músico profesional como miembro de la Entertainments National Service Association tocando el acordeón en giras de conciertos. A los 19 años se unió al Gang Show de Ralph Reader mientras servía en la RAF, donde conoce al cómico Tony Hancock.

A principios de la década de 1950 formó parte de conjuntos musicales a bordo de cruceros como el Queen Mary y el Cardonia y efectuó giras de conciertos por el Reino Unido junto a Cab Calloway. En esa época tocaba el vibráfono, instrumento que luego abandonó. Realizó conciertos junto a músicos como Tony Crombie (batería), Vic Ash (clarinete), Kenny Graham (saxofonista y arreglador) y Dizzy Reece (trompeta).

En febrero de 1957 realiza una gira por Estados Unidos con el conjunto de Ronnie Scott, y en setiembre se une a la orquesta de Ted Heath por dos años, época que incluyó giras con la cantante Carmen McRae como arreglador y pianista. Aunque a Tracey le disgustaba el estilo de Heath, el trabajo le permitió un ingreso económico regular. Al año siguiente grabó su primer álbum, Showcase, para el sello británico de Heath, Decca Records, y en 1959 Little Klunk.

En Ronnie's y el disco Under Milk Wood

Desde marzo de 19602 hasta cerca de 19673 Tracey fue el pianista del club de jazz de Ronnie Scott en el Soho de Londres, donde tuvo la oportunidad de acompañar a la mayoría de los principales solistas de Estados Unidos que visitaban el club. Algunas grabaciones de estas interpretaciones aparecieron en discos larga duración, y otras se han editado en años recientes con sello de Jazz House o Harkit, con producción del periodista Les Tomkins, sin calidad de sonido profesional.

En este contexto se ganó varios admiradores de alto perfil como Sonny Rollins quien dijo en uno de sus conciertos: ¿Hay alguna persona aquí que sabe cuan bueno es?" Es Tracey en el piano a quien los espectadores escuchan detrás de Rollins en la banda sonora de la versión de Michael Caine para Alfie.

La experiencia de trabajar en el club de Scott arruinó sin embargo la salud de Tracey: las largas horas de actuación lo llevaron a ingerir estimulantes, y los bajos salarios hacían que debiera tomar el bus para regresar a su casa a las 3 de la mañana.

Al mismo tiempo comenzó a trabajar en el proyecto Jazz Departures de Michael Horovitz, cuya meta era mezclar lecturas poéticas con jazz, interactuando espontáneamente con las palabras.4 El grupo grabó un álbum en 1964, que fue no sólo el primero de estilo clásico de Tracey, sino el primero que grabó con el saxofonista Bobby Wellins, con quien se ha asociado hasta nuestros días. Ambos contribuyeron con composiciones originales. La pieza de «Culloden Moor» de Wellins precedesora de la banda de sonido de la película Battle of Culloden de Peter Watkins es especialmente memorable.

El álbum de 1965 titulado Jazz Suite inspired by Dylan Thomas’ «Under Milk Wood» es una de las grabaciones de jazz más celebradas en el Reino Unido. Tracy se inspiró para componer la Suite escuchando la transmisión original de la BBC de 1953 en un LP que había comprado su esposa Jackie. La pieza «Starless and Bible Black», una cita del monólogo de apertura es probablemente la mejor muestra del lirismo de Wellins y el brillo de Tracey como compositor. Tanto ha sido el aprecio por esta obra que Tracey debió grabarla en reiteradas oportunidads, algo inusual para un músico de jazz británico. A Under Milk Wood le siguió Alice in Jazzland, un álbum para big band el año siguiente. Posteriormente en la misma década Tracey hizo los arreglos para una obra de Acker Bilk, Blue Acker y su primer álbum dedicado a obras de Duke Ellington, conmemornado el 70º aniversario del nacimiento del artista.

Experimentación y consolidación

A principios del decenio de 1970 se inició una época sombría para Tracey. Llegó a trabajar como cartero para poder obtener los beneficios de una pensión, pero poco después su carrera comenzó a recuperarse.

Comenzó a trabajar con músicos de la última generación, del jazz libre o la vanguardia, incluyendo a Mike Osborne, Keith Tippett y John Surman. Continuó en este estilo con Evan Parker y el festival de Jazz de Appleby por varios años, pero siempre como un tema marginal para él, que llegó a decir «toco más jazz libre en la corriente de moda, que lo que hago de moda en el jazz libre».5

A mediados de la década de 1970 fundó su propio sello, Steam, y a través de él reeditó Under Milk Wood, porque el sello principal que poseía los derechos de autor había cerrado. En la década siguiente usó la empresa para editar grabaciones de cierta cantidad de encargos de Suites, incluyendo The Salisbury Suite (1978), The Crompton Suite (1981) and The Poets Suite (1984).

Dirigió su propio octeto entre 1976 y 1985, y formó un sexteto en 1979, llamado Hexad, realizando giras hasta el Medio Oriente e India. En esa época mantuvo una larga relación artística con el saxofonista Art Themen y su propio hijo, el percusionista Clark Tracey.

https://es.wikipedia.org/wiki/Stan_Tracey

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Stanley William Tracey CBE (30 December 1926 – 6 December 2013) was a British jazz pianist and composer, whose most important influences were Duke Ellington and Thelonious Monk. Tracey's best known recording is the 1965 album Jazz Suite Inspired by Dylan Thomas's "Under Milk Wood", which is based on the BBC radio drama Under Milk Wood, by Dylan Thomas.

Early career

The Second World War meant that Tracey had a disrupted formal education, and he became a professional musician at the age of sixteen as a member of an ENSA touring group playing the accordion, his first instrument. He joined Ralph Reader's Gang Shows at the age of nineteen, while in the RAF and formed a brief acquaintance with the comedian Tony Hancock. Later, in the early 1950s, he worked in groups on the transatlantic liners Queen Mary and Caronia and toured the UK in 1951 with Cab Calloway. By the mid-1950s, he had also taken up the vibraphone, but later ceased playing it. At this time he worked widely with leading British modernists, including drummer Tony Crombie, clarinettist Vic Ash, the saxophonist-arranger Kenny Graham and trumpeter Dizzy Reece.

In February 1957, he toured the United States with Ronnie Scott's group, and became the pianist with Ted Heath's Orchestra in September for two years (1958–59), including a US tour with singer Carmen McRae. Although Tracey disliked Heath's music, he gained a regular income and was well featured as a soloist on both piano and vibes, and contributed compositions and arrangements that stayed in the Heath book for many years. The following year he recorded his first album as leader, Showcase, for English Decca (also Heath's label) and Little Klunk in 1959; he had first recorded in 1952 with the trumpeter Kenny Baker. At Decca Records, Tracey met his future wife, Jackie Buckland (3 April 1929 – 13 August 2009); the couple had two children Clark and Sarah.

At Ronnie's and the Under Milk Wood LP

From March 1960 until about 1967 (some sources give 1968), Tracey was the house pianist at Ronnie Scott's Jazz Club in Soho, London, and he had the opportunity to accompany many of the leading musicians from the US who visited the club. Recordings of some of these performances appeared on LP and others have appeared in recent years on the Jazz House and Harkit labels, recorded by the journalist Les Tomkins, but with non-professional sound quality. In this context he gained some high-profile admirers; Sonny Rollins asserted at one concert: "Does anyone here know how good he is?". It is Tracey on piano that film viewers hear behind Rollins on the soundtrack of the Michael Caine version of Alfie (1966).

However, the experience of working in Scott's club affected Tracey's health; the long hours led to him taking various illicit stimulants, and the low wages also meant that he had to take the workman's bus back home to Streatham at 3 am.

At the same time he became active in Michael Horovitz's New Departures project, mixing poetry performances with jazz, where the musicians interacted spontaneously with the words. The New Departures group recorded an album in 1964 with saxophonist Bobby Wellins, a partnership that continued for several decades. Both men contributed original compositions to the album.

Tracey's 1965 album (its full title is Jazz Suite Inspired by Dylan Thomas's "Under Milk Wood") is one of the most celebrated jazz recordings made in the United Kingdom. Tracey was inspired to compose the suite by hearing the original 1953 BBC broadcast on an LP his wife Jackie had acquired. The track "Starless and Bible Black", a quote from the opening monologue, is probably the best demonstration of Wellins' lyricism and the highlight of Tracey's whole career. Such is the affection with which these pieces are held that Tracey has re-recorded them on several occasions, something that is unusual for British jazz musicians to do. Under Milk Wood was followed by Alice in Jazzland, an album for big band, the next year featuring many of his former Ted Heath colleagues. Later in the decade, Tracey made the arrangements for an Acker Bilk record, Blue Acker, and his first album dedicated to Duke Ellington compositions (both recorded in 1968), in this case to commemorate Ellington's 70th birthday the following year.

Experimentation and consolidation

The early 1970s were a bleak time for Tracey. Around 1970, he almost chose to retrain as a postman under pressure from the Unemployment Benefits' office – "I would have quite a good pension by now" he quips – but his wife, formerly involved in public relations, took a more direct role in the development of Tracey's career.

He began to work with musicians of a later generation, who worked in a free or avant-garde style, including Mike Osborne, Keith Tippett and John Surman. Tracey continued to work in this idiom with Evan Parker at the UK's Appleby Jazz Festival for several years, but this was always more of a sideline for Tracey, who said that he "took more out of free music into the mainstream than I did from mainstream into free". Neil Ferber founder and organiser of the Appleby Jazz Festival built the festival around Stan Tracey and the musicians who worked with him, booking Stan to appear at every festival for the 18 years that it existed.

In the mid-1970s he formed his own record label, Steam, and through it reissued Under Milk Wood (the major label that held the rights to it had allowed it to fall out of print). Over the next decade he also used the outlet to issue recordings of a number of commissioned suites. These included The Salisbury Suite (1978), The Crompton Suite (1981) and The Poets Suite (1984).

He led his own octet from 1976 to 1985 and formed a sextet in 1979 (later called Hexad), touring widely in the Middle East and India. In this context he had a longstanding performance partnership from 1978 with saxophonist (and physician) Art Themen, and his own son, the percussionist Clark Tracey. He was able to share the billing with arranger Gil Evans in a 1978 concert at the Royal Festival Hall, such was Tracey's pre-eminence in the UK. In private, he played Ellington recordings for Evans that the latter had not previously heard. Tracey continued to record with American musicians on occasion as well, with dates taking place with Sal Nistico in 1985 and Monk associate, Charlie Rouse in 1987.

The Steam label ceased trading in the early 1990s, reportedly because of difficulties caused by the retail trade's need for its inventory to carry a barcode. However, in 1992 Tracey benefited from Blue Note's brief interest in UK musicians, leading to the Portraits Plus album and the commercial issue of the BBC's recording of the concert commemorating the 50th anniversary of Tracey's first professional gig, as well as Under Milk Wood′s debut on CD.

In 1995 his new quartet featuring Gerard Presencer recorded the For Heaven's Sake album and also performed gigs together. In 2003 Tracey was the subject of a BBC Television documentary Godfather of British Jazz, a rare accolade nowadays for any jazz musician, let alone one from Britain. Tracey's catalogue from the LP era is being reissued on ReSteamed Records.

Already an Officer of the Order of the British Empire (OBE), he was appointed Commander of the Order of the British Empire (CBE) in the 2008 New Year Honours.

Tracey died of cancer on 6 December 2013; he was survived by his son, Clark Tracey; his daughter died in 2012.

https://en.wikipedia.org/wiki/Stan_Tracey

Colaborador / Contributor:  boppinbob 

 

 

Tony Kinsey • Fasinating Rhythm

Long regarded as one of Britain's finest jazz drummers and composers, Tony Kinsey's multi-faceted musical career extends from jazz player to composer of music in many genres, including works for full orchestra and chamber groups. He has worked with many of the world's jazz greats, including Billie Holiday, Ella Fitzgerald, Lena Horne, Sarah Vaughan, Ben Webster, Clark Terry, Sweets Eddison, Annie Ross, Cleo Lane, John Dankworth and many more.

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Considerado durante mucho tiempo como uno de los mejores bateristas y compositores de jazz de Gran Bretaña, la polifacética carrera musical de Tony Kinsey se extiende desde intérprete de jazz hasta compositor de música en muchos géneros, incluyendo obras para orquesta completa y grupos de cámara. Ha trabajado con muchos de los grandes del jazz del mundo, como Billie Holiday, Ella Fitzgerald, Lena Horne, Sarah Vaughan, Ben Webster, Clark Terry, Sweets Eddison, Annie Ross, Cleo Lane, John Dankworth y muchos más.

Humphrey Lyttelton And His Band • Humph Dedicates

 

 

Biography
by Jason Ankeny
The grand old man of British jazz, trumpeter and bandleader Humphrey Lyttelton spearheaded the postwar trad jazz revival before renouncing the movement in favor of more contemporary and restless creative vision. A larger-than-life figure, he also excelled as a writer and cartoonist, and for decades was a fixture of radio, serving as the hilariously deadpan host of the long-running I'm Sorry, I Haven't a Clue. Born in Eton on May 23, 1921, Lyttelton was the product of a distinguished and wealthy family -- a lifelong jazz enthusiast, he received his first trumpet at age 15 and formed a band with some Eton College classmates. He also studied military drumming under a former Coldstream Guards drum major and joined the school band as a percussionist. Lyttelton enlisted in the British Army on D-Day and saw combat in Italy -- on leave in London he sat in with local jazz bands, and upon returning to civilian life in 1945 he enrolled at the Camberwell School of Art. In March 1947, he signed on with semi-professional trad jazz combo George Webb's Dixielanders; when Dixielanders clarinetist and professional cartoonist Wally Fawkes was promoted to write and illustrate a full-fledged daily strip for The Daily Mail, Lyttelton was tapped to fill Fawkes' previous position sketching "column-breakers" -- i.e., humorous or decorative drawings inserted into the text. He also reviewed jazz and classical recordings for the newspaper, and later scripted the Fawkes-drawn strip Flook as well.

In early 1948 Lyttelton resigned from the Dixielanders to found his own group, bringing Fawkes and later pianist Webb with him -- with the subsequent additions of Blackpool-born brothers Keith (trombone) and Ian Christie (clarinet), the group emerged at the forefront of the trad jazz renaissance. With Lyttelton's declamatory trumpet out front, the group's reverential, New Orleans-inspired sound proved a commercial juggernaut -- in late 1949, they signed to Parlophone, and their 78-rpm efforts sold so consistently that the label issued a new release each month until introducing the LP format several years later. However, Lyttelton quickly felt smothered within the narrow creative confines of the trad jazz sound and began embracing Latin and African rhythms as early as 1951 -- he also exploited new technologies, employing multi-track recording techniques to play trumpet, clarinet, piano, and washboard on "One Man Went to Blow." Most notably -- and to the endless chagrin of purists -- Lyttelton soon abandoned the accepted trumpet-clarinet-trombone format to introduce saxophones into the equation, and as his musical aspirations evolved, so did the lineup of his support staff: the Lyttelton band was the launching pad for a multitude of fledgling jazz greats, among them saxophonists Tony Coe, Danny Moss, Alan Barnes, Joe Temperley, John Barnes, and Karen Sharp as well as trombonists Roy Williams, Pete Strange, and John Picard. The group also backed visiting American giants like Sidney Bechet, Jimmy Rushing, and Buck Clayton.

With 1956's self-penned "Bad Penny Blues," Lyttelton scored British jazz's first-ever Top 20 U.K. pop hit -- the group went on to tour Europe and the Middle East, and in 1959 joined Thelonious Monk and Anita O'Day on a trek across the U.S. As the trad jazz vogue gave way to rock & roll, Lyttelton continued performing, but he also launched a secondary career as a broadcaster -- his witty and informal presence made him a natural for radio, and in 1966 he was awarded his own BBC series, The Best of Jazz, which he helmed for over four decades. Six years later, he was also appointed host of the spoof panel game I'm Sorry, I Haven't a Clue, a program notorious for its abundance of double entendres. He also continued his writing, over the course of his lifetime publishing a series of books including I Play as I Please, Second Course, Take It from the Top, Why No Beethoven, and It Just Occurred to Me..., and for a time he even served as a restaurant critic. Another hobby was calligraphy: Lyttelton received a set of calligraphic pens upon his father's death, and proved so adept that he was elected president of the Society for Italic Handwriting. The craft even lent its name to his own label, Calligraph Records, which served to re-release his classic recordings on CD. A new generation of listeners was exposed to Lyttelton's work in 2001 when he guested on the Radiohead album Amnesiac. On March 11, 2008, he announced his retirement from The Best of Jazz. Weeks later, he died following heart surgery on April 25.
https://www.allmusic.com/artist/humphrey-lyttelton-mn0000638075/biography

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Biografía
por Jason Ankeny
El trompetista y director de orquesta Humphrey Lyttelton, el gran veterano del jazz británico, encabezó el renacimiento del jazz tradicional de la posguerra antes de renunciar al movimiento en favor de una visión creativa más contemporánea e inquieta. También destacó como escritor y caricaturista, y durante décadas fue un fijo de la radio como presentador del programa I'm Sorry, I Haven't a Clue (Lo siento, no tengo ni idea). Nacido en Eton el 23 de mayo de 1921, Lyttelton era hijo de una familia distinguida y adinerada. Entusiasta del jazz de toda la vida, recibió su primera trompeta a los 15 años y formó una banda con algunos compañeros del Eton College. También estudió batería militar con un antiguo tambor mayor de los Coldstream Guards y se incorporó a la banda del colegio como percusionista. Lyttelton se alistó en el ejército británico el Día D y combatió en Italia; de permiso en Londres, participó en bandas de jazz locales y, al volver a la vida civil en 1945, se matriculó en la Camberwell School of Art. En marzo de 1947, fichó por el grupo semiprofesional de jazz tradicional George Webb's Dixielanders; cuando el clarinetista y dibujante profesional de los Dixielanders, Wally Fawkes, fue ascendido para escribir e ilustrar una tira diaria completa para The Daily Mail, Lyttelton fue contratado para ocupar el puesto que ocupaba Fawkes dibujando "rompecolumnas", es decir, dibujos humorísticos o decorativos insertados en el texto. También hizo reseñas de grabaciones de jazz y música clásica para el periódico, y más tarde guionizó también la tira Flook, dibujada por Fawkes.

A principios de 1948, Lyttelton dimitió de los Dixielanders para fundar su propio grupo, llevando con él a Fawkes y más tarde al pianista Webb; con las posteriores incorporaciones de los hermanos Keith (trombón) e Ian Christie (clarinete), nacidos en Blackpool, el grupo emergió a la vanguardia del renacimiento del trad jazz. Con la trompeta declamatoria de Lyttelton al frente, el sonido reverencial del grupo, inspirado en Nueva Orleans, demostró ser un monstruo comercial: a finales de 1949, firmaron con Parlophone, y sus discos de 78 rpm se vendieron con tanta regularidad que el sello publicó un nuevo lanzamiento cada mes hasta que introdujo el formato LP varios años después. Sin embargo, Lyttelton no tardó en sentirse asfixiado dentro de los estrechos límites creativos del sonido del jazz tradicional y comenzó a adoptar ritmos latinos y africanos ya en 1951; también explotó las nuevas tecnologías, empleando técnicas de grabación multipista para tocar la trompeta, el clarinete, el piano y la tabla de lavar en "One Man Went to Blow". Lo más notable -y para disgusto de los puristas- es que Lyttelton pronto abandonó el formato aceptado de trompeta-clarinete-trombón para introducir saxofones en la ecuación, y a medida que sus aspiraciones musicales evolucionaban, también lo hacía la alineación de su personal de apoyo: La banda de Lyttelton fue la plataforma de lanzamiento de multitud de grandes del jazz en ciernes, entre ellos los saxofonistas Tony Coe, Danny Moss, Alan Barnes, Joe Temperley, John Barnes y Karen Sharp, así como los trombonistas Roy Williams, Pete Strange y John Picard. El grupo también acompañó a gigantes americanos como Sidney Bechet, Jimmy Rushing y Buck Clayton.

Con "Bad Penny Blues", de 1956, Lyttelton consiguió el primer éxito pop británico en el Top 20. El grupo realizó una gira por Europa y Oriente Medio, y en 1959 se unió a Thelonious Monk y Anita O'Day en un viaje por Estados Unidos. Cuando la moda del jazz tradicional dio paso al rock & roll, Lyttelton siguió actuando, pero también emprendió una carrera secundaria como locutor: su presencia ingeniosa e informal le hizo natural para la radio, y en 1966 se le concedió su propia serie de la BBC, The Best of Jazz (Lo mejor del jazz), que dirigió durante más de cuatro décadas. Seis años más tarde, también fue nombrado presentador de la parodia del juego de mesa redonda I'm Sorry, I Haven't a Clue (Lo siento, no tengo ni idea), un programa famoso por su abundancia de dobles sentidos. También siguió escribiendo, y a lo largo de su vida publicó una serie de libros, entre ellos I Play as I Please, Second Course, Take It from the Top, Why No Beethoven y It Just Occurred to Me..., e incluso durante un tiempo ejerció de crítico gastronómico. Otra de sus aficiones era la caligrafía: A la muerte de su padre, Lyttelton recibió un juego de plumas caligráficas, y demostró tal habilidad que fue elegido presidente de la Sociedad de Caligrafía Itálica. El oficio incluso dio nombre a su propio sello, Calligraph Records, que reeditó sus grabaciones clásicas en CD. Una nueva generación de oyentes conoció la obra de Lyttelton en 2001, cuando participó como invitado en el álbum Amnesiac de Radiohead. El 11 de marzo de 2008 anunció su retirada de The Best of Jazz. Semanas después, falleció tras una operación de corazón el 25 de abril.
https://www.allmusic.com/artist/humphrey-lyttelton-mn0000638075/biography

Chris Barber's Jazz Band • Ice Cream

Biography

Barber/Ball/Bilk are a British traditional jazz trio comprised of trombonist Chris Barber, trumpeter Kenny Ball, and clarinetist Acker Bilk, whose individual recordings were compiled from time to time on joint best-of collections such as At the Jazz Band Ball (1994) and Boaters Bowlers & Bowties (2009). The recordings of Barber (born on April 17, 1930, in Welwyn Garden City, Hertfordshire, England), Ball (born on May 22, 1930, in Ilford, Essex, England), and Bilk (born on January 28, 1929, in Pensford, Somerset, England) were first compiled jointly in 1962 on The Best of Ball, Barber & Bilk, which was released in the wake of "Stranger on the Shore." Performed by Mr. Acker Bilk & the Leon Young String Chorale and originally released in October 1961, "Stranger on the Shore" was one of the biggest hits of 1962 in not only the U.K., where it was the best-selling single of the year, but also the U.S., where it topped the Billboard singles chart for a week in May. Even though "Stranger on the Shore" isn't featured on The Best of Ball, Barber & Bilk, which includes songs by Mr. Acker Bilk & His Paramount Jazz Band, Kenny Ball & His Jazzmen, and Chris Barber & His Jazz Band, the song's popularity, along with that of the British traditional jazz movement, propelled the compilation to the top of the U.K. albums chart in September 1962. From time to time over the years, the recordings of Barber, Ball, and Bilk were likewise compiled jointly. At the Jazz Band Ball (1994) is a particularly notable compilation of 1962 recordings drawn from the BBC Archives. In addition, Boaters Bowlers & Bowties (2009) is notable for its double-disc length as well as for its inclusion of "Stranger on the Shore."

by Jason Birchmeier

https://www.allmusic.com/artist/chris-barber-mn0000105761/biography

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Biografía

Barber/Ball/Bilk es un trío de jazz tradicional británico compuesto por el trombonista Chris Barber, el trompetista Kenny Ball y el clarinetista Acker Bilk, cuyas grabaciones individuales se compilaron de vez en cuando en colecciones conjuntas de lo mejor, como At the Jazz Band Ball (1994) y Boaters Bowlers & Bowties (2009). Las grabaciones de Barber (nacido el 17 de abril de 1930, en Welwyn Garden City, Hertfordshire, Inglaterra), Ball (nacido el 22 de mayo de 1930, en Ilford, Essex, Inglaterra) y Bilk (nacido el 28 de enero de 1929, en Pensford, Somerset, Inglaterra) se compilaron conjuntamente por primera vez en 1962 en The Best of Ball, Barber & Bilk, que se publicó a raíz de "Stranger on the Shore". Interpretado por el Sr. Acker Bilk & the Leon Young String Chorale y estrenado originalmente en octubre de 1961, "Stranger on the Shore" fue uno de los mayores éxitos de 1962 no sólo en el Reino Unido, donde fue el single más vendido del año, sino también en los EE.UU., donde encabezó la lista de singles de Billboard durante una semana en mayo. Aunque "Stranger on the Shore" no aparece en The Best of Ball, Barber & Bilk, que incluye canciones de Mr. Acker Bilk & His Paramount Jazz Band, Kenny Ball & His Jazzmen, y Chris Barber & His Jazz Band, la popularidad de la canción, junto con la del movimiento de jazz tradicional británico, impulsó la compilación a lo más alto de la lista de álbumes del Reino Unido en septiembre de 1962. De vez en cuando a lo largo de los años, las grabaciones de Barber, Ball, y Bilk también fueron compiladas conjuntamente. At the Jazz Band Ball (1994) es una compilación particularmente notable de grabaciones de 1962 extraídas de los archivos de la BBC. Además, Boaters Bowlers & Bowties (2009) es notable por su longitud de doble disco así como por su inclusión de "Stranger on the Shore".

por Jason Birchmeier

https://www.allmusic.com/artist/chris-barber-mn0000105761/biography

Ottilie Patterson with the Chris Barber's Jazzband

Biography by AllMusic
b. Anna-Ottilie Patterson, 31 January 1932, Comber, Co. Down, Northern Ireland. Patterson is perhaps best known for her long-time association with Chris Barber, then her husband, in the 50s and 60s. With Barber she sang jazz and blues but she was also an accomplished folk singer. Ranging outside popular fields, she also composed music to accompany poetry. For some years she was obliged through ill health to abandon her singing career, but later returned to the stage to the delight of her many fans. An engaging singer, with a strong, earthy delivery that lends itself well to the blues and some aspects of the jazz songbook, for her folk singing she was always able to adjust to a more pensive approach. A bright and bubbling personality, she is at her best in live performances and has been captured in splendid form on a number of live albums by the Barber band.
https://www.allmusic.com/artist/ottilie-patterson-mn0000487444/biography

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Biografía de AllMusic
b. Anna-Ottilie Patterson, 31 de enero de 1932, Comber, Co. Down, Irlanda del Norte. Patterson es quizás más conocida por su larga asociación con Chris Barber, entonces su marido, en los años 50 y 60. Con Barber cantaba jazz y blues pero también era una consumada cantante de folk. Fuera de los campos populares, también compuso música para acompañar la poesía. Durante algunos años se vio obligada por su mala salud a abandonar su carrera de cantante, pero más tarde volvió a los escenarios para el deleite de sus muchos fans. Una cantante atractiva, con una entrega fuerte y terrenal que se presta bien al blues y a algunos aspectos del cancionero de jazz, para su canto folclórico siempre fue capaz de adaptarse a un enfoque más reflexivo. Una personalidad brillante y burbujeante, está en su mejor momento en las actuaciones en vivo y ha sido capturada en forma espléndida en varios álbumes en vivo por la banda Barber.
https://www.allmusic.com/artist/ottilie-patterson-mn0000487444/biography 

Tony Kinsey • The Tony Kinsey Quintet Play a Jazz at the Flamingo Session

 

Artist Biography by Eugene Chadbourne
This drummer and composer's initial training came at him from both sides of the Atlantic Ocean, reflecting the unique nature of his younger days. Tony Kinsey toiled as a seaman on ships with transatlantic routing. At port in New York City, Kinsey partook of drum lessons with Bill West. Back home in Birmingham, England, Kinsey had been studying piano since a tyke; the drums he had taught himself with a local player named Tommy Webster also providing pointers. Kinsey went onto a splendid career on the British jazz scene, backing national names such as Johnny Dankworth as well as visiting stars, among them Lena Horne and Ella Fitzgerald as well as others -- pianist Oscar Peterson, scat singing Sarah Vaughan -- whose tempo preference nodded at the diabolical. The drummer took charge of his own proceedings on a regular basis during the '50s at London's Flamingo Club. Throughout that decade he performed at European jazz festivals, contexts including bebop, swing, and jazz poetry.
Between 1950 and 1977 he logged more than 80 recording sessions in the jazz genre alone, more than proving his ability in other styles when demanded. In the meantime, he pursued a compositional muse, developing an individual approach to chamber music. A Kinsey string quartet is part of the soundtrack to On the Bridge, a short film, not a meeting place for a ransom drop or instructions to a piano player. Speaking of the latter, Kinsey provided plenty of his own reports in a busy series of writing assignments, including big-band charts and arrangements and incidental music heard in at least 100 commercials. The most recent project of note for Kinsey is an extended musical theater work based on a book by George Elliot. He also continues to play drums. http://www.allmusic.com/artist/tony-kinsey-mn0000004657

 

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Biografía del artista por Eugene Chadbourne
La formación inicial de este baterista y compositor le llegó desde ambos lados del Océano Atlántico, reflejando la naturaleza única de su juventud. Tony Kinsey trabajó duro como marinero en barcos con rutas transatlánticas. En el puerto de la ciudad de Nueva York, Kinsey tomó lecciones de batería con Bill West. De regreso a su hogar en Birmingham, Inglaterra, Kinsey había estado estudiando piano desde niño; la batería se había enseñado a sí mismo con un músico local llamado Tommy Webster que también proporcionaba consejos. Kinsey emprendió una espléndida carrera en la escena del jazz británico, apoyando a nombres nacionales como Johnny Dankworth, así como a estrellas invitadas, entre ellas Lena Horne y Ella Fitzgerald, así como otras, el pianista Oscar Peterson, la cantante de scat Sarah Vaughan, cuyo tempo preferencia asintió con la cabeza al diabólico. El baterista se hizo cargo de sus propios procedimientos de forma regular durante los años 50 en el Flamingo Club de Londres. A lo largo de esa década actuó en festivales europeos de jazz, en contextos que incluyen bebop, swing y poesía de jazz.
Entre 1950 y 1977 registró más de 80 sesiones de grabación solo en el género jazz, más que demostrando su habilidad en otros estilos cuando se le pedía. Mientras tanto, persiguió una musa compositiva, desarrollando un enfoque individual de la música de cámara. Un cuarteto de cuerda de Kinsey es parte de la banda sonora de On the Bridge, un cortometraje, no un lugar de encuentro para pedir un rescate o instrucciones para un pianista. Hablando de esto último, Kinsey proporcionó muchos de sus propios informes en una ajetreada serie de asignaciones de escritura, incluidas listas y arreglos de big-band y música incidental escuchada en al menos 100 comerciales. El proyecto más reciente de interés para Kinsey es una obra de teatro musical ampliada basada en un libro de George Elliot. También sigue tocando la batería. http://www.allmusic.com/artist/tony-kinsey-mn0000004657

 

Chris Barber • BBC Broadcasts 1961-1962

 

Chris Barber's Jazzband • The Original Copenhagen Concert

 

Recorded live, Odd Fellow Palaet, Copenhagen, October 10th, 1954 Chris Barber’s Jazz Band have always been a great live attraction.Many of their concerts have been recorded with no less than ten commercially recorded performances between 1954 and 1961. And it all started in Copenhagen, Denmark on October 10th, 1954. Here then – for the first time, and in chronological order – you can enjoy listening to this remarkable concert, which gave way for an outstanding international career for Chris Barber and the boys. The Album contains three previously unissued performances.

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Grabado en directo, Odd Fellow Palaet, Copenhague, 10 de octubre de 1954 La Chris Barber's Jazz Band siempre ha sido una gran atracción en directo. Muchos de sus conciertos han sido grabados, con no menos de diez actuaciones registradas comercialmente entre 1954 y 1961. Y todo comenzó en Copenhague, Dinamarca, el 10 de octubre de 1954. Aquí, pues, por primera vez y en orden cronológico, se puede disfrutar de la escucha de este notable concierto, que dio paso a una destacada carrera internacional de Chris Barber y los chicos. El álbum contiene tres actuaciones inéditas.

Dick Morrissey • Storm Warning

 

British jazz and rock tenor saxophonist, born: 9 May 1940 in Horley, Surrey, England, died: 8 November 2000 in Deal, Kent, England.
An influential figure in the British jazz scene, especially during the 1960s-1970s, and among the most respected saxophonists of his time. Founding member of jazz-rock group IF.
https://www.discogs.com/artist/312766-Dick-Morrissey

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Saxofonista tenor británico de jazz y rock, nacido: el 9 de mayo de 1940 en Horley, Surrey, Inglaterra, fallecido: el 8 de noviembre de 2000 en Deal, Kent, Inglaterra.
Figura influyente en la escena del jazz británico, especialmente durante los años 1960-1970, y uno de los saxofonistas más respetados de su época. Miembro fundador del grupo de jazz-rock IF.
https://www.discogs.com/artist/312766-Dick-Morrissey

Stan Tracey • Jazz Suiteː Inspired by Dylan Thomas' Under Milk Wood

 

Pianist and composer Stan Tracey's Under Milk Wood, released in 1966, was among the first albums to prove that British jazz could, on a good day, stand as tall as its American parent. Over a decade would pass, however, before that fact was widely accepted by jazz lovers in either America or Britain. Indeed, it is only now, in 2023, following the international breakthrough of London-based stylists such as Nubya Garcia and Shabaka Hutchings, that British jazz has taken its rightful, unchallenged place at the top table.

Remarkably, this reissue on Re-Steamed, the label run by Stan Tracey's son, the drummer Clark Tracey, is the album's first vinyl rerelease since 1976 and is being made available in a one-off limited edition of 1,000 copies. Remastered by Clark Tracey and Tristan Powell, with lacquers cut by Casper Sutton-Jones of London audiophile label Gearbox, the sound puts previous CD editions in the shade.

Tracey recorded the album towards the end of a seven-year stint as the house pianist at London's Ronnie Scott's Jazz Club, where he was responsible for accompanying a stream of visiting American stars. During one of his visits, Sonny Rollins famously asked the audience, "Does anyone here know how good he is?" Most of Rollins' peers did, but not all. On one occasion, Stan Getz, somewhat the worse for wear, started putting Tracey and the house band down on stage. Tracey slammed his piano lid shut, shouted "Bollocks!" and left the stage. Getz is said to have been as good as gold for the rest of the week.

Tracey always maintained that the success of Under Milk Wood was due to tenor saxophonist Bobby Wellins' unique sound and interpretation of the music. And yes, Wellins did the suite proud. His solo on "Starless And Bible Black" is among jazz music's magic moments (check the YouTube clip below). But Tracey's evocation of Dylan Thomas' play, as composer and pianist, was altogether pure gold—and gold never tarnishes.

Postscript: While many people regard Under Milk Wood as Tracey's chef d'oeuvre, he recorded other albums of similar stature. Among these are: With Love From Jazz (Columbia, 1968), another quartet date with Wellins; For Heaven's Sake (Cadillac, 1996), with a quartet including trumpeter Gerard Presencer and Clark Tracey; and Just You, Just Me (Avid, 2005), a duo set with tenor player Danny Moss. In addition to the vinyl reissue of Under Milk Wood, Re-Steamed has another dozen Tracey albums on catalogue, including: Under Milk Wood In Hamburg, a studio recording from 1966 which has the original quartet augmented by trumpeter and flugelhornist Kenny Wheeler; Alice In Jazzland, another suite, recorded in 1966 with a big band, showcasing Tracey's composing and arranging talents on a bigger canvas; and Tracey Wellins Play Monk, recorded in 2006 with Bobby Wellins, Clark Tracey and bassist Andy Cleyndert.
By Chris May
May 9, 2023
https://www.allaboutjazz.com/jazz-suite-inspired-by-dylan-thomas-under-milk-wood-stan-tracey-quartet-re-steamed

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Under Milk Wood, del pianista y compositor Stan Tracey, publicado en 1966, fue uno de los primeros álbumes en demostrar que el jazz británico podía, en un buen día, estar a la altura de su progenitor estadounidense. Sin embargo, pasó más de una década antes de que los amantes del jazz de Estados Unidos y Gran Bretaña aceptaran este hecho. De hecho, no ha sido hasta ahora, en 2023, tras la irrupción internacional de estilistas afincados en Londres como Nubya Garcia y Shabaka Hutchings, cuando el jazz británico ha ocupado su legítimo e indiscutible lugar en la primera fila.

Notablemente, esta reedición en Re-Steamed, el sello dirigido por el hijo de Stan Tracey, el batería Clark Tracey, es la primera reedición en vinilo del álbum desde 1976 y está disponible en una edición limitada de 1.000 copias. Remasterizado por Clark Tracey y Tristan Powell, con lacas cortadas por Casper Sutton-Jones, del sello londinense de audiófilos Gearbox, el sonido deja en la sombra a las anteriores ediciones en CD.

Tracey grabó el álbum al final de una temporada de siete años como pianista del Ronnie Scott's Jazz Club de Londres, donde se encargaba de acompañar a las estrellas americanas que visitaban el local. Durante una de sus visitas, Sonny Rollins preguntó al público: "¿Alguien aquí sabe lo bueno que es?". La mayoría de los colegas de Rollins lo sabían, pero no todos. En una ocasión, Stan Getz, algo desmejorado, empezó a poner en aprietos a Tracey y a la banda de la casa en el escenario. Tracey cerró de golpe la tapa de su piano, gritó "¡Joder!" y abandonó el escenario. Se dice que Getz estuvo como una rosa el resto de la semana.

Tracey siempre sostuvo que el éxito de Under Milk Wood se debió al sonido único del saxofonista tenor Bobby Wellins y a su interpretación de la música. Y sí, Wellins hizo que la suite se sintiera orgullosa. Su solo en "Starless And Bible Black" es uno de los momentos mágicos de la música de jazz (véase el clip de YouTube más abajo). Pero la evocación de Tracey de la obra de Dylan Thomas, como compositora y pianista, fue en conjunto oro puro, y el oro nunca se empaña.

Posdata: Aunque mucha gente considera Under Milk Wood como la obra maestra de Tracey, éste grabó otros álbumes de talla similar. Entre ellos se encuentran: With Love From Jazz (Columbia, 1968), otra cita en cuarteto con Wellins; For Heaven's Sake (Cadillac, 1996), con un cuarteto que incluye al trompetista Gerard Presencer y Clark Tracey; y Just You, Just Me (Avid, 2005), un dúo con el tenor Danny Moss. Además de la reedición en vinilo de Under Milk Wood, Re-Steamed tiene en catálogo otra docena de álbumes de Tracey, entre ellos: Under Milk Wood In Hamburg, una grabación de estudio de 1966 que cuenta con el cuarteto original aumentado por el trompetista y fliscornista Kenny Wheeler; Alice In Jazzland, otra suite, grabada en 1966 con una big band, que muestra el talento compositivo y arreglista de Tracey en un lienzo más grande; y Tracey Wellins Play Monk, grabado en 2006 con Bobby Wellins, Clark Tracey y el bajista Andy Cleyndert.
Por Chris May
9 de mayo de 2023
https://www.allaboutjazz.com/jazz-suite-inspired-by-dylan-thomas-under-milk-wood-stan-tracey-quartet-re-steamed


 

Chris Barber's Jazz Band • In Concert

Biography
by arwulf arwulf
Trombonist and bandleader Chris Barber spearheaded the Anglo-European trad jazz movement during the late '50s and early '60s and devoted 60 years to the endless celebration of old-fashioned music. Barber initially broke through in the '50s releasing albums like 1954's New Orleans Joys, which spawned the Lonnie Donegan skiffle classic "Rock Island Line. He also scored a Top 20 U.K. hit in 1959 with "Petite Fleur," a cover of the Sydney Bechet song featuring clarinetist Monty Sunshine. But that's only part of his story. Even as he presided over that transatlantic response to the Dixieland revival, Barber went out of his way to make music with U.S. blues legends Big Bill Broonzy, Brother John Sellers, Sonny Terry, Brownie McGhee, Otis Spann, Muddy Waters, James Cotton, and Sonny Boy Williamson II. This cross-pollination dramatically affected the lives and careers of budding British rockers such as the Rolling Stones, the Yardbirds, Eric Burdon, Jimmy Page, and John Mayall.

Donald Christopher "Chris" Barber was born on April 17, 1930, in Welwyn Garden City, Hertfordshire, just north of London, England. After studying double bass and trombone at London's Guildhall School of Music, he assembled the King Oliver-inspired Barber New Orleans Band in 1949. In 1953 he co-founded a group called the Jazzmen with Ken Colyer, a cornetist who had just returned from New Orleans where he had worked with clarinetist George Lewis. In 1954 the group was rechristened Chris Barber's Jazz Band. Trumpeter Pat Halcox had begun what would amount to a 59-year commitment, banjoist/guitarist Lonnie Donegan now sang songs from the jazz, blues, and folk traditions, and Barber sometimes performed on the string bass while Beryl Bryden stroked a washboard.

Donegan and Barber are credited with having ignited the mid-'50s U.K. skiffle movement with a 1955 cover of Leadbelly's "Rock Island Line" that went gold on both sides of the Atlantic. Another of the band's chart-topping hits was its interpretation of Sidney Bechet's "Petite Fleur," a feature for clarinetist Monty Sunshine that led to the eventual rise of pop instrumentalist Acker Bilk. The year 1955 also saw the arrival of Barber's future wife, vocalist Ottilie Patterson, a blues-based performer who sang duets with Sister Rosetta Tharpe when the gospel/swing star sat in with the band in 1957. Barber's often surprisingly diverse lineup also included Jamaican saxophonists Joe Harriott and Bertie King.

In 1959 Barber went cinematic by generating music for Look Back in Anger, a film noir exercise in kitchen sink realism directed by Tony Richardson and starring Richard Burton as a violently misogynistic, emotionally disturbed confection peddler and part-time Dixieland trumpeter (dubbed by Pat Halcox). Barber made the first of many U.S. tours in 1959, bringing out of the woodwork African-American jazz veterans like pianist Hank Duncan, clarinetist Edmond Hall, trumpeter Sidney DeParis, and rhythm & blues pioneer singer/saxophonist Louis Jordan. Barber's 1960s discography includes air shots from the BBC radio archives and live recordings made in Budapest and East Berlin, with gospel and folk material enriching the already fertile ground of the band's repertoire.

As the years passed, a gradually renamed Chris Barber's Jazz & Blues Band regularly employed blues and rock musicians, blurring the artificially imposed delineations between genres while offering music that was accessible to a wide range of listeners. In 1964, he brought on board blues guitarist John Slaughter as a full-time member. He also recorded a 1972 album with guitarist Rory Gallagher, Drat That Fratle Rat. Barber spent a lot of time performing in Europe during the 1970s, and after the passing of Duke Ellington deliberately sought out some of Duke's key soloists in organist Wild Bill Davis, saxophonist Russell Procope, and singer/trumpeter/violinist Ray Nance.

On a Mardi Gras Day
Throughout the 1980s Barber stayed faithful to his traditional and progressive instincts by teaming up with Louisiana singer, philosopher, and keyboardist Dr. John. Originally from backgrounds as different as could be, the two made several records together, including 1990's On a Mardi Gras Day, and toured a show called Take Me Back to New Orleans. The 1990s and the first decade of the 21st century found Barber carrying the torch of trad jazz into his sixth decade of creative professional activity, often expanding his group to include 11 players while consistently delivering music of unpretentious warmth and historic depth. Barber suffered from dementia in his later years and retired from performing in 2019. He died on March 2, 2021 at the age of 90.
https://www.allmusic.com/artist/chris-barber-mn0000105761/biography

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Biografía
por arwulf arwulf
El trombonista y director de orquesta Chris Barber encabezó el movimiento de jazz tradicional angloeuropeo a finales de los años 50 y principios de los 60 y dedicó 60 años a la celebración incesante de la música antigua. Barber se dio a conocer en los años 50 con álbumes como New Orleans Joys, de 1954, que dio lugar al clásico del skiffle de Lonnie Donegan "Rock Island Line". También consiguió un éxito en el Top 20 del Reino Unido en 1959 con "Petite Fleur", una versión de la canción de Sydney Bechet con la participación del clarinetista Monty Sunshine. Pero eso es sólo una parte de su historia. Incluso mientras presidía esa respuesta transatlántica al renacimiento del Dixieland, Barber se desvivió por hacer música con las leyendas del blues estadounidense Big Bill Broonzy, Brother John Sellers, Sonny Terry, Brownie McGhee, Otis Spann, Muddy Waters, James Cotton y Sonny Boy Williamson II. Esta polinización cruzada afectó de forma dramática a las vidas y carreras de rockeros británicos en ciernes como los Rolling Stones, los Yardbirds, Eric Burdon, Jimmy Page y John Mayall.

Donald Christopher "Chris" Barber nació el 17 de abril de 1930 en Welwyn Garden City, Hertfordshire, al norte de Londres, Inglaterra. Tras estudiar contrabajo y trombón en la Guildhall School of Music de Londres, reunió en 1949 la Barber New Orleans Band, inspirada en King Oliver. En 1953 cofundó un grupo llamado Jazzmen con Ken Colyer, un cornetista que acababa de regresar de Nueva Orleans, donde había trabajado con el clarinetista George Lewis. En 1954 el grupo fue rebautizado como Chris Barber's Jazz Band. El trompetista Pat Halcox había comenzado lo que sería un compromiso de 59 años, el banjoista/guitarrista Lonnie Donegan cantaba ahora canciones de las tradiciones del jazz, el blues y el folk, y Barber actuaba a veces con el bajo de cuerda mientras Beryl Bryden acariciaba una tabla de lavar.

A Donegan y Barber se les atribuye el mérito de haber iniciado el movimiento skiffle de mediados de los 50 en el Reino Unido con una versión de 1955 de "Rock Island Line" de Leadbelly que se convirtió en disco de oro a ambos lados del Atlántico. Otro de los éxitos de la banda en las listas de éxitos fue su interpretación de "Petite Fleur" de Sidney Bechet, un tema para el clarinetista Monty Sunshine que condujo al posterior ascenso del instrumentista pop Acker Bilk. El año 1955 también vio la llegada de la futura esposa de Barber, la vocalista Ottilie Patterson, una intérprete de blues que cantó a dúo con la hermana Rosetta Tharpe cuando la estrella del gospel/swing se sentó con la banda en 1957. La formación de Barber, a menudo sorprendentemente diversa, también incluía a los saxofonistas jamaicanos Joe Harriott y Bertie King.

En 1959, Barber se dedicó al cine al crear la música de Look Back in Anger, un ejercicio de realismo de cine negro dirigido por Tony Richardson y protagonizado por Richard Burton en el papel de un vendedor de dulces violentamente misógino y emocionalmente perturbado y trompetista Dixieland a tiempo parcial (doblado por Pat Halcox). Barber realizó la primera de muchas giras por Estados Unidos en 1959, sacando de la nada a veteranos del jazz afroamericano como el pianista Hank Duncan, el clarinetista Edmond Hall, el trompetista Sidney DeParis y el cantante y saxofonista pionero del rhythm & blues Louis Jordan. La discografía de Barber de los años 60 incluye tomas de aire de los archivos de la radio de la BBC y grabaciones en directo realizadas en Budapest y Berlín Oriental, con material gospel y folk que enriquece el ya fértil terreno del repertorio de la banda.

Con el paso de los años, la Chris Barber's Jazz & Blues Band, gradualmente rebautizada, empleó con regularidad a músicos de blues y de rock, desdibujando las delineaciones artificialmente impuestas entre los géneros y ofreciendo al mismo tiempo una música accesible a una amplia gama de oyentes. En 1964, incorporó al guitarrista de blues John Slaughter como miembro a tiempo completo. También grabó un álbum en 1972 con el guitarrista Rory Gallagher, Drat That Fratle Rat. Barber pasó mucho tiempo actuando en Europa durante la década de 1970, y tras el fallecimiento de Duke Ellington buscó deliberadamente a algunos de los solistas clave de Duke en el organista Wild Bill Davis, el saxofonista Russell Procope y el cantante, trompetista y violinista Ray Nance.

En un día de carnaval
A lo largo de la década de 1980, Barber se mantuvo fiel a sus instintos tradicionales y progresistas asociándose con el cantante, filósofo y teclista de Luisiana Dr. John. Los dos, de orígenes tan diferentes como se puede, grabaron varios discos juntos, entre ellos On a Mardi Gras Day, de 1990, y realizaron una gira con el espectáculo Take Me Back to New Orleans. En los años 90 y en la primera década del siglo XXI, Barber llevó la antorcha del jazz tradicional hasta su sexta década de actividad profesional creativa, ampliando a menudo su grupo hasta incluir a 11 músicos y ofreciendo siempre una música de calidez sin pretensiones y profundidad histórica. Barber sufrió demencia en sus últimos años y se retiró de la actuación en 2019. Murió el 2 de marzo de 2021 a la edad de 90 años.
https://www.allmusic.com/artist/chris-barber-mn0000105761/biography

Tony Kinsey • The 78s

Joe Harriott, alto; Bill Le Sage, piano & vibes; Sammy Stokes, bass; Tony Kinsey, drums.

Danny Moss Quartet • Weaver Of Dreams

 

Review by Scott Yanow
An excellent English tenor saxophonist, Danny Moss had a rare opportunity to record as a leader for the Nagel-Heyer label during late 1994, in what was his 50th year as a professional musician. Accompanied by pianist Brian Lemon, bassist Len Skeat, and drummer Butch Miles, Moss digs into 14 standards, alternating stomps with ballads. He is a fine player who, due to being based in Europe, tends to get overlooked in the U.S. when one discusses top swing stylists of the 1990s. Moss' quartet outing is easily recommended to fans of straight-ahead mainstream jazz.
https://www.allmusic.com/album/weaver-of-dreams-mw0000671349


Biography by Scott Yanow
A talented veteran swing-oriented tenor, Danny Moss has been an important part of the British jazz scene since the early '50s. He started playing professionally when he was 16 and through the years has worked with a who's who of England's jazz community, including Vic Lewis, Ted Heath (1953-1955), Johnny Dankworth (1957-1961), Alex Welsh, and Humphrey Lyttelton (1962-1964). A fine thick-toned tenor stylist in the tradition of Coleman Hawkins, Moss has often been called upon to perform with traveling American jazzmen, most notably Buck Clayton in the mid-'60s. He has led his own groups on and off since the 1960s, in addition to extensive freelancing (including working with the Pizza Express All-Stars in the 1980s and with his wife, singer Jeannie Lamb). Danny Moss, who moved to Australia in 1989 but still plays often in Europe, has recorded as a leader for Columbia (1966), 77, Flyright, and the Nagel-Heyer label, following 1996's A Swingin' Affair with Steamers three years later. Moss' fifth studio effort Keeper of the Flame appeared in fall 2000.
https://www.allmusic.com/artist/danny-moss-mn0000676037/biography

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Reseña de Scott Yanow
Excelente saxofonista tenor inglés, Danny Moss tuvo la rara oportunidad de grabar como líder para el sello Nagel-Heyer a finales de 1994, en lo que fue su 50º año como músico profesional. Acompañado por el pianista Brian Lemon, el bajista Len Skeat y el baterista Butch Miles, Moss se adentra en 14 estándares, alternando stomps con baladas. Se trata de un buen intérprete que, por estar afincado en Europa, tiende a pasar desapercibido en Estados Unidos cuando se habla de los mejores estilistas de swing de la década de 1990. El cuarteto de Moss es fácilmente recomendable para los fans del jazz mainstream directo.
https://www.allmusic.com/album/weaver-of-dreams-mw0000671349


Biografía de Scott Yanow
Danny Moss, un veterano y talentoso tenor orientado al swing, ha sido una parte importante de la escena del jazz británico desde principios de los años 50. Empezó a tocar profesionalmente cuando tenía 16 años y a lo largo de los años ha trabajado con un quién es quién de la comunidad de jazz de Inglaterra, como Vic Lewis, Ted Heath (1953-1955), Johnny Dankworth (1957-1961), Alex Welsh y Humphrey Lyttelton (1962-1964). Moss, un fino tenor de tono grueso en la tradición de Coleman Hawkins, ha sido llamado a menudo para actuar con jazzistas americanos itinerantes, sobre todo con Buck Clayton a mediados de los años 60. Ha liderado sus propios grupos de forma intermitente desde los años 60, además de trabajar por cuenta propia (incluso con las Pizza Express All-Stars en los años 80 y con su mujer, la cantante Jeannie Lamb). Danny Moss, que se trasladó a Australia en 1989 pero sigue tocando a menudo en Europa, ha grabado como líder para Columbia (1966), 77, Flyright y el sello Nagel-Heyer, después de A Swingin' Affair with Steamers, de 1996, tres años después. El quinto trabajo de estudio de Moss, Keeper of the Flame, apareció en otoño de 2000.
https://www.allmusic.com/artist/danny-moss-mn0000676037/biography

Tony Kinsey • Trio with Joe Harriott [EP]

Artist Biography by Eugene Chadbourne
This drummer and composer's initial training came at him from both sides of the Atlantic Ocean, reflecting the unique nature of his younger days. Tony Kinsey toiled as a seaman on ships with transatlantic routing. At port in New York City, Kinsey partook of drum lessons with Bill West. Back home in Birmingham, England, Kinsey had been studying piano since a tyke; the drums he had taught himself with a local player named Tommy Webster also providing pointers. Kinsey went onto a splendid career on the British jazz scene, backing national names such as Johnny Dankworth as well as visiting stars, among them Lena Horne and Ella Fitzgerald as well as others -- pianist Oscar Peterson, scat singing Sarah Vaughan -- whose tempo preference nodded at the diabolical. The drummer took charge of his own proceedings on a regular basis during the '50s at London's Flamingo Club. Throughout that decade he performed at European jazz festivals, contexts including bebop, swing, and jazz poetry.
Between 1950 and 1977 he logged more than 80 recording sessions in the jazz genre alone, more than proving his ability in other styles when demanded. In the meantime, he pursued a compositional muse, developing an individual approach to chamber music. A Kinsey string quartet is part of the soundtrack to On the Bridge, a short film, not a meeting place for a ransom drop or instructions to a piano player. Speaking of the latter, Kinsey provided plenty of his own reports in a busy series of writing assignments, including big-band charts and arrangements and incidental music heard in at least 100 commercials. The most recent project of note for Kinsey is an extended musical theater work based on a book by George Elliot. He also continues to play drums. http://www.allmusic.com/artist/tony-kinsey-mn0000004657

 

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Biografía del artista por Eugene Chadbourne
La formación inicial de este baterista y compositor le llegó desde ambos lados del Océano Atlántico, reflejando la naturaleza única de su juventud. Tony Kinsey trabajó duro como marinero en barcos con rutas transatlánticas. En el puerto de la ciudad de Nueva York, Kinsey tomó lecciones de batería con Bill West. De regreso a su hogar en Birmingham, Inglaterra, Kinsey había estado estudiando piano desde niño; la batería se había enseñado a sí mismo con un músico local llamado Tommy Webster que también proporcionaba consejos. Kinsey emprendió una espléndida carrera en la escena del jazz británico, apoyando a nombres nacionales como Johnny Dankworth, así como a estrellas invitadas, entre ellas Lena Horne y Ella Fitzgerald, así como otras, el pianista Oscar Peterson, la cantante de scat Sarah Vaughan, cuyo tempo preferencia asintió con la cabeza al diabólico. El baterista se hizo cargo de sus propios procedimientos de forma regular durante los años 50 en el Flamingo Club de Londres. A lo largo de esa década actuó en festivales europeos de jazz, en contextos que incluyen bebop, swing y poesía de jazz.
Entre 1950 y 1977 registró más de 80 sesiones de grabación solo en el género jazz, más que demostrando su habilidad en otros estilos cuando se le pedía. Mientras tanto, persiguió una musa compositiva, desarrollando un enfoque individual de la música de cámara. Un cuarteto de cuerda de Kinsey es parte de la banda sonora de On the Bridge, un cortometraje, no un lugar de encuentro para pedir un rescate o instrucciones para un pianista. Hablando de esto último, Kinsey proporcionó muchos de sus propios informes en una ajetreada serie de asignaciones de escritura, incluidas listas y arreglos de big-band y música incidental escuchada en al menos 100 comerciales. El proyecto más reciente de interés para Kinsey es una obra de teatro musical ampliada basada en un libro de George Elliot. También sigue tocando la batería. http://www.allmusic.com/artist/tony-kinsey-mn0000004657