André Previn, Red Mitchell & Shelly Manne • Sessions, Live [1957-1958]

 

Benny Goodman • Happy Session

 

bennygoodman.com ...

 

André Previn With Joe Pass & Ray Brown • After Hours

 

warnerclassics.com/andre-previn ...

joepassbio.com ...

ray-brown ...

André Previn And His Orchestra ‎• Misty

Andre Previn, Mundell Lowe & Ray Brown • Uptown

Andre Previn, Ray Brown and Mundell Lowe play the music of Duke Ellington and Harold Arlen. This was André Previn's second album after his long, symphonically enforced absence from jazz, and it sounds noticeably more fluid and relaxed than his first. No longer apprehensive about dusting off his old skills, Previn is delightfully confident and breezy (dig his sly turns on "Come Rain or Come Shine" and "C Jam Blues", taking some chances as he re-phrases and paraphrases a collection of revivified standards, mostly Harold Arlen and assorted Duke Ellington. Even if Previn, that noted wit, sometimes sounds as if he is kidding the pants off these old tunes, it's great to hear him having such a good time playing jazz again. Mundell Lowe is Previn's new guitar partner, and Ray Brown returns on bass; both are right at home in this refined brand of chamber jazz grooving. Adding to the CD's appeal are some marvelously (and typically) graceful liner notes by Mel Powell, an old pal of Previn's and a lively fellow defector from the jazz piano ranks to the classical world. ~ Richard S. Ginell Personnel: André Previn (piano); Mundell Lowe (guitar).

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Andre Previn, Ray Brown and Mundell Lowe play the music of Duke Ellington and Harold Arlen. This was André Previn's second album after his long, symphonically enforced absence from jazz, and it sounds noticeably more fluid and relaxed than his first. No longer apprehensive about dusting off his old skills, Previn is delightfully confident and breezy (dig his sly turns on "Come Rain or Come Shine" and "C Jam Blues", taking some chances as he re-phrases and paraphrases a collection of revivified standards, mostly Harold Arlen and assorted Duke Ellington. Even if Previn, that noted wit, sometimes sounds as if he is kidding the pants off these old tunes, it's great to hear him having such a good time playing jazz again. Mundell Lowe is Previn's new guitar partner, and Ray Brown returns on bass; both are right at home in this refined brand of chamber jazz grooving. Adding to the CD's appeal are some marvelously (and typically) graceful liner notes by Mel Powell, an old pal of Previn's and a lively fellow defector from the jazz piano ranks to the classical world. ~ Richard S. Ginell Personnel: André Previn (piano); Mundell Lowe (guitar).

The Mitchells • Get Those Elephants Out'a Here

 

This album represents a three-way meeting as protracted in the planning as it was successful in the studio.
The patriotic Mitchells —Red, Whitey and Blue— had often talked about getting together for a record session, but it was not until a New York date with the André Previn trio brought the California-based Red temporarily back to New York, where Whitey works and Blue often visits, that the three were able to unite their musical ideas on tape. In fact, even the brothers Red and Whitey had never before had a chance to share a recording date.
"Get Those Elephants Outa Here!" is a title inspired by an exhortation with which Red and Whitey, in the days of their 1952 home practice sessions, were requested by their mother to remove their basses from the Mitchell living room. On this vigorous twelve-bar blues André plays piano, with both Red and Whitey manning the basses. Stereo listeners will hear Red on the left, Whitey on the right, with Red taking the second of the three solo bass choruses. Pepper, Blue, André and Frank Rehak blow three choruses apiece. After a short drum interlude the elephants return with the theme — probably the first jazz work ever designed for interpretation in this particular voicing.
This session was a continuous pleasure to record. Blue, who had just flown up from Florida, got a particular kick out of this union with his unrelated namesakes, and the mood throughout the date was singularly lacking in strain. Though I promised faithfully not to reproduce the corny "Three cheers for Red, Whitey and Blue!" crack uttered by a visitor to the studio, I must confess that the temptation to use it, in the light of the felicitous results of this convention, was unusually strong.
*Leonard Feather (liner notes)

Bassist Whitey Mitchell is the leader of this fascinating 1958 studio session, which features his better-known older brother, Red Mitchell, on piano and bass, trumpeter Blue Mitchell (no relation), pianist André Previn, baritone saxophonist Pepper Adams, trombonist Frank Rehak, and drummer Frank Capp. One of just two dates recorded as a leader by Whitey Mitchell prior to his early retirement from jazz, there are plenty of inspired moments on this date. Red's three originals include the amusingly titled "Get Those Elephants Outa Here!" (their mother's favorite quip to get her sons to remove their basses from her living room), which is a lively feature for the two bassists. Red is the pianist on the boppish blues "Three Cheers", while "Fraternity" is a showcase for the two brothers, with both starting on bass and Red eventually switching over to piano. Whitey's tunes include the dark-toned minor-key "Monster Rally" (named in honor of a favorite cartoonist, Charles Addams, whose macabre drawings later led to the creation of the television series The Addams Family) and the easygoing "Blues for Brian", named for his young son. Blue Mitchell shines in Whitey's tasty arrangement of "Moten Swing". Long out of print, this Metrojazz LP will be extremely challenging to acquire.
*Ken Dryden*

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Este álbum representa una reunión a tres bandas tan prolongada en la planificación como exitosa en el estudio.
Los patrióticos Mitchells, Red, Whitey y Blue, habían hablado a menudo de reunirse para una sesión discográfica, pero no fue hasta una cita en Nueva York con el trío André Previn que los Red, con sede en California, regresaron temporalmente a Nueva York, donde Whitey trabaja y Blue visita a menudo, que los tres pudieron unir sus ideas musicales en cinta. De hecho, incluso los hermanos Red y Whitey nunca antes habían tenido la oportunidad de compartir una fecha de grabación.
"¡Saca A Esos Elefantes De Aquí!"es un título inspirado en una exhortación con la que Red y Whitey, en los días de sus sesiones de práctica en casa de 1952, fueron solicitados por su madre para que sacaran sus bajos del salón Mitchell. En este vigoroso blues de doce compases, André toca el piano, con rojos y blancos manejando los bajos. Los oyentes estéreo escucharán Red a la izquierda, Whitey a la derecha, y Red tomará el segundo de los tres coros de bajo solista. Pepper, Blue, André y Frank Rehak tocan tres coros cada uno. Después de un breve interludio de batería, los elefantes regresan con el tema, probablemente la primera obra de jazz diseñada para la interpretación en esta voz en particular.
Esta sesión fue un placer continuo de grabar. Blue, que acababa de volar desde Florida, disfrutó particularmente de esta unión con sus homónimos no relacionados, y el estado de ánimo durante toda la cita careció singularmente de tensión. Aunque prometí fielmente no reproducir el cursi " ¡Tres hurras por el Rojo, el Blanco y el Azul!"una grieta pronunciada por un visitante del estudio, debo confesar que la tentación de usarla, a la luz de los felices resultados de esta convención, fue inusualmente fuerte.
* Pluma de Leonard (notas del trazador de líneas)

El bajista Whitey Mitchell es el líder de esta fascinante sesión de estudio de 1958, que presenta a su hermano mayor más conocido, Red Mitchell, al piano y al bajo, al trompetista Blue Mitchell (sin parentesco), al pianista André Previn, al saxofonista barítono Pepper Adams, al trombonista Frank Rehak y al baterista Frank Capp. Una de las dos únicas fechas grabadas como líder por Whitey Mitchell antes de su retiro anticipado del jazz, hay muchos momentos inspirados en esta fecha. Los tres originales de Red incluyen el divertidamente titulado " ¡Saca esos elefantes de aquí!"(la broma favorita de su madre para que sus hijos saquen sus bajos de su sala de estar), que es una característica animada para los dos bajistas. Red es el pianista del blues boppish "Three Cheers", mientras que "Fraternity" es un escaparate para los dos hermanos, con ambos comenzando en el bajo y Red eventualmente cambiando al piano. Las melodías de Whitey incluyen la tonalidad menor oscura "Monster Rally "(nombrada en honor a un dibujante favorito, Charles Addams, cuyos dibujos macabros llevaron más tarde a la creación de la serie de televisión The Addams Family) y la tranquila" Blues for Brian", llamada así por su pequeño hijo. Blue Mitchell brilla en el sabroso arreglo de Whitey de "Moten Swing". Agotado durante mucho tiempo, este LP de Metrojazz será extremadamente difícil de adquirir.
* Ken Dryden*

Colaborador / Contributor:  Paulo

Buddy Bregman & His Orchestra • Swinging Kicks

 Review
by Scott Yanow
Best known as an arranger for singers and for commercial sessions, Buddy Bregman led one full-fledged jazz instrumental date, Swinging Kicks. Because many of the selections are brief (seven are under two minutes) and due to the intriguing titles, this seems a bit like a soundtrack to a film that was never made. However, few of the tracks seem truncated and there are some excellent solos along the way, particularly from Ben Webster, Conte Candoli, Herb Geller, Bud Shank, and Paul Smith. The personnel changes from cut to cut, ranging from a 19-piece big band with screaming trumpet playing from Maynard Ferguson and Conrad Gozzo to various combos, a Ben Webster/André Previn duet on "Kicks Is in Love," and a rapid workout for Paul Smith on "Go Kicks." Bregman uses some of the top West Coast jazz players and various musicians who were on Verve at the time, with Stan Getz making a guest appearance on "Honey Chile." Recommended.
https://www.allmusic.com/album/swinging-kicks-mw0000602261

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Reseña
por Scott Yanow
Más conocido como arreglista para cantantes y para sesiones comerciales, Buddy Bregman dirigió una cita instrumental de jazz en toda regla, Swinging Kicks. Debido a que muchas de las selecciones son breves (siete son de menos de dos minutos) y debido a los intrigantes títulos, esto parece un poco como una banda sonora de una película que nunca se hizo. Sin embargo, pocas de las pistas parecen truncadas y hay algunos excelentes solos a lo largo del camino, particularmente de Ben Webster, Conte Candoli, Herb Geller, Bud Shank y Paul Smith. El personal cambia de un corte a otro, yendo desde una big band de 19 piezas con trompetas chillonas de Maynard Ferguson y Conrad Gozzo a varios combos, un dúo Ben Webster/André Previn en "Kicks Is in Love", y un rápido entrenamiento para Paul Smith en "Go Kicks". Bregman utiliza algunos de los mejores músicos de jazz de la Costa Oeste y varios músicos que estaban en Verve en ese momento, con Stan Getz haciendo una aparición como invitado en "Honey Chile". Recomendado.
https://www.allmusic.com/album/swinging-kicks-mw0000602261

Julie London • Your Number Please...

 

Julie London told Life Magazine in 1957 that she had "only a thimbleful of a voice, and I have to use it close to the microphone. But it is a kind of over-smoked voice, and it automatically sounds intimate." Her vocal style has been described as being sultry, sexy, "come-hither", intimate, breathy, warm, smoky, haunting, husky, sullen, sad, suggestive and seductive.

The majority of her album covers were graced by sultry, yet sophisticated pictures of Julie - the cover of her first album, Julie is Her Name, being, at the time, thought of as so sexy that it was described as "...generating enough voltage to light up a theater marquee". The album Calendar Girl is graced with 12 "cheesecake" photos of Miss London - one for each month of the year, with an additional large photo for the "thirteenth" month on the inside of the foldout cover.

Julie London was born Julie Peck on September 26, 1926 in Santa Rosa, California, to Jack and Josephine Peck, a song and dance team in vaudeville and radio. In 1929, the family moved to San Bernardino, where Julie's parents had a radio show, on which she occasionally appeared. In 1941, they moved to Los Angeles, where Julie left school and went to work as an elevator operator in a department store. She began singing during this time with the Matty Malnech Orchestra. In Los Angeles, she met Jack Webb, then in the Marine Corps, and Sue Carol, an actor/agent and wife of Alan Ladd. Carol obtained a screen test for Julie, which started her on a movie career. Julie's roles during the first few years were bit parts. She soon reached star status by playing leading roles in such movies as A Question of Adultery, Task Force, and The Fat Man.

In 1947 she married Webb, who was just breaking into dramatic acting on radio. With marriage, she temporarily gave up her movie career to become a full-time wife and mother, and they had two daughters, Stacy and Lisa. Jack Webb was also a jazz fan and cornet player. He was best known for his role as Seargeant Friday in Dragnet on both radio and television, also began Mark VII Productions, producing, writing and directing many television programs.

In November, 1953, London and Webb divorced. With the breakup of her marriage, Julie entered a brief period during which, she said, she had a lack of self confidence. In 1954 this changed when she met Bobby Troup, a jazz musician and songwriter, best known for his hit by Nat “King” Cole, “Route 66”. Under his guidance she began a serious singing career in 1955. Her first singing engagement was the 881 Club in Los Angeles. In 1955 she cut her first album, Julie is Her Name. Included on this LP was her most successful hit: Cry Me a River. Over three million copies of the album and single were sold. The single remained on Billboard charts for 13 weeks, and the LP for 20. Julie was voted one of the top female vocalists of 1955, 1956, and 1957. On New Year's Eve, 1959, she and Bobby Troup married.

At the same time as her singing career took off, Julie's movie career was also "resurrected". In 1956 she starred as an alcoholic singer in the film The Great Man. From there, she went on to star, or co-star in more movies for United Artists and MGM, including: Man of The West, Voice In The Mirror, The Wonderful Country, The George Raft Story, and The Third Voice. During the film Voice in the Mirror, Julie became a songwriter, composing the title song for the movie.

Julie London recorded 32 albums. One of her most famous singles Cry Me a River was written by her high school classmate Arthur Hamilton and produced by her husband Troup. The song was featured in the 1956 film The Girl Can’t Help It. This became a million-selling single after release in April 1957 and also sold on re-issue in April 1983 from the attention brought by a Mari Wilson cover. The song gained recent attention being featured in the films Passion of Mind (2000) and V for Vendetta (2006). Other hit singles include Making Whoopee, Blue Moon and It Had to be You. Songs such as Go Slow epitomized her career style: her voice is slow, smoky, and sensual. Aside from her music, the notably suggestive portrait photos used on London's album covers made lasting impressions even on the tone deaf. The song Yummy Yummy Yummy was featured on the HBO series Six Feet Under and appears on its soundtrack album.

During the late 50's and into the 60's, Julie did some international tours in such locales as Brazil and Japan. While in Japan, she recorded a Japanese-only television program with Bobby Troup and his band. Many of her records were also released in Japan.

Julie London also appeared on numerous television shows as both actress and singer. In 1971, she began playing one of her best-known roles as Nurse Dixie McCall on the tv show, Emergency, which also featured Bobby Troup, as Dr. Joe Early. After Emergency, Julie did one last film: Survival On Charter #220 before retiring from show business.

Julie essentially quit recording when the Liberty label folded in 1968, but her last recording was in 1981, for the movie Sharky's Machine, in which she performed My Funny Valentine for the soundtrack.

She suffered a stroke in 1995, and was in poor health until her death in Encino, California, at the age of 74, survived by four of her five children. On her death in October 2000, Julie London was interred in Forest Lawn - Hollywood Hills Cemetery in Los Angeles.

In Bobby Troup's words about his wife: "She is not a Julie London fan. She honestly doesn't realize how good she is. She's never really been a performer. She doesn't have that need to go out and please an audience and receive accolades. She's always been withdrawn, very introverted. She hated those big shows. I couldn't wait to do them, and she was only glad when they were over."

Appearances What's My Line? (three episodes) (1957-1961) Rawhide (one episode) (1960) The Eleventh Hour (one episode) (1963) The Big Valley (one episode) (1967) The Man from U.N.C.L.E. (two episodes, "The Prince of Darkness Affair," Part 1, Part 2, (1967), re- released as the feature film, The Helicopter Spies (1968) Emergency! (1972"1979) series regular Adam-12 (one episode, Lost and Found) as Dixie McCall Tattletales! (game show hosted by Bert Convy, 1974"1978) Emergency: Survival on Charter #220 (1978) Films Nabonga (1944) Diamond Horseshoe (1945) (bit part) On Stage Everybody (1945) A Night in Paradise (1946) (bit part) The Red House (1947) Tap Roots (1948) Task Force (1949) Return of the Frontiersman (1950) The Fat Man (1951) The Fighting Chance (1955) The Girl Can't Help It (1956) Crime Against Joe (1956) The Great Man (1956) Drango (1957) Saddle the Wind (1958) Voice in the Mirror (1958) Man of the West (1958) Night of the Quarter Moon (1959) The Wonderful Country (1959) A Question of Adultery (1959) The Third Voice (1960) The George Raft Story (1961)
https://www.allaboutjazz.com/musicians/julie-london/

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Julie London declaró a la revista Life en 1957 que tenía «sólo un dedal de voz, y tengo que usarla cerca del micrófono. Pero es una especie de voz demasiado ahumada, y automáticamente suena íntima». Su estilo vocal se ha descrito como sensual, sexy, intimista, jadeante, cálido, ahumado, inquietante, ronco, hosco, triste, sugerente y seductor.

La portada de su primer álbum, Julie is Her Name, fue considerada en su momento tan sexy que se dijo que «...generaba suficiente voltaje para iluminar la marquesina de un teatro». El álbum Calendar Girl está adornado con 12 fotos de «tarta de queso» de la Srta. London, una por cada mes del año, con una gran foto adicional del «decimotercer» mes en el interior de la portada desplegable.

Julie London nació como Julie Peck el 26 de septiembre de 1926 en Santa Rosa, California, hija de Jack y Josephine Peck, un equipo de canto y baile de vodevil y radio. En 1929, la familia se trasladó a San Bernardino, donde los padres de Julie tenían un programa de radio en el que aparecía ocasionalmente. En 1941, se trasladaron a Los Ángeles, donde Julie dejó la escuela y empezó a trabajar como ascensorista en unos grandes almacenes. Comenzó a cantar con la orquesta de Matty Malnech. En Los Ángeles conoció a Jack Webb, entonces en el Cuerpo de Marines, y a Sue Carol, actriz y agente, esposa de Alan Ladd. Carol consiguió una prueba de cámara para Julie, lo que la inició en su carrera cinematográfica. Durante los primeros años, Julie interpretó papeles secundarios. Pronto alcanzó el estatus de estrella al interpretar papeles principales en películas como Cuestión de adulterio, Task Force y The Fat Man.

En 1947 se casó con Webb, que empezaba a actuar en la radio. Con el matrimonio, abandonó temporalmente su carrera cinematográfica para convertirse en esposa y madre a tiempo completo, y tuvieron dos hijas, Stacy y Lisa. Jack Webb también era aficionado al jazz y tocaba la corneta. Más conocido por su papel de Seargeant Friday en Dragnet, tanto en radio como en televisión, también inició Mark VII Productions, produciendo, escribiendo y dirigiendo muchos programas de televisión.

En noviembre de 1953, London y Webb se divorciaron. Con la ruptura de su matrimonio, Julie entró en un breve periodo durante el cual, según dijo, tuvo falta de confianza en sí misma. En 1954 esto cambió cuando conoció a Bobby Troup, músico de jazz y compositor, más conocido por su éxito de Nat «King» Cole, «Route 66». Bajo su dirección, en 1955 empezó a cantar en serio. Su primera actuación fue en el 881 Club de Los Ángeles. En 1955 grabó su primer álbum, Julie is Her Name. En este LP se incluía su éxito más sonado: Cry Me a River. Se vendieron más de tres millones de copias del álbum y del sencillo. El sencillo permaneció en las listas de Billboard durante 13 semanas, y el LP durante 20. Julie fue elegida una de las mejores vocalistas femeninas de 1955, 1956 y 1957. En Nochevieja de 1959, se casó con Bobby Troup.

Al mismo tiempo que su carrera como cantante despegaba, la carrera cinematográfica de Julie también «resucitaba». En 1956 interpretó a una cantante alcohólica en la película The Great Man. A partir de ahí, pasó a protagonizar o coprotagonizar más películas para United Artists y MGM, incluyendo: Man of The West, Voice In The Mirror, The Wonderful Country, The George Raft Story y The Third Voice. Durante la película Voice in the Mirror, Julie se convirtió en compositora, componiendo la canción principal de la película.

Julie London grabó 32 álbumes. Uno de sus sencillos más famosos, Cry Me a River, fue escrito por su compañero de instituto Arthur Hamilton y producido por su marido Troup. La canción apareció en la película de 1956 The Girl Can't Help It. Se convirtió en un sencillo de ventas millonarias tras su lanzamiento en abril de 1957 y también se vendió en una reedición en abril de 1983 por la atención que suscitó una versión de Mari Wilson. La canción se ha hecho famosa recientemente al aparecer en las películas Passion of Mind (2000) y V de Vendetta (2006). Otros singles de éxito son Making Whoopee, Blue Moon y It Had to be You. Canciones como Go Slow personifican el estilo de su carrera: su voz es lenta, ahumada y sensual. Aparte de su música, los retratos fotográficos notablemente sugerentes utilizados en las portadas de los álbumes de London causaron una impresión duradera incluso en los sordos. La canción Yummy Yummy Yummy se incluyó en la serie de HBO Six Feet Under y en su banda sonora.

A finales de los 50 y principios de los 60, Julie realizó giras internacionales por Brasil y Japón. Durante su estancia en Japón, grabó un programa de televisión exclusivo para japoneses con Bobby Troup y su banda. Muchos de sus discos también se editaron en Japón.

Julie London también apareció en numerosos programas de televisión como actriz y cantante. En 1971, empezó a interpretar uno de sus papeles más conocidos como la enfermera Dixie McCall en la serie de televisión Urgencias, en la que también aparecía Bobby Troup, como el Dr. Joe Early. Después de Urgencias, Julie hizo una última película: Survival On Charter #220 antes de retirarse del mundo del espectáculo.

Julie esencialmente dejó de grabar cuando el sello Liberty se retiró en 1968, pero su última grabación fue en 1981, para la película Sharky's Machine, en la que interpretó My Funny Valentine para la banda sonora.

Sufrió un derrame cerebral en 1995, y su salud fue precaria hasta su muerte en Encino, California, a los 74 años, sobreviviéndole cuatro de sus cinco hijos. A su muerte, en octubre de 2000, Julie London fue enterrada en el cementerio Forest Lawn - Hollywood Hills de Los Ángeles.

En palabras de Bobby Troup sobre su esposa: «Ella no es fan de Julie London. Sinceramente, no se da cuenta de lo buena que es. Nunca ha sido una artista. No tiene esa necesidad de salir a complacer al público y recibir elogios. Siempre ha sido retraída, muy introvertida. Odiaba esos grandes espectáculos. Yo no veía la hora de hacerlos, y ella sólo se alegraba cuando terminaban».

Apariciones ¿Cuál es mi línea? (tres episodios) (1957-1961) Rawhide (un episodio) (1960) The Eleventh Hour (un episodio) (1963) The Big Valley (un episodio) (1967) The Man from U.N.C.L.E. (dos episodios, «The Prince of Darkness Affair», Parte 1, Parte 2, (1967), reestrenado como largometraje, The Helicopter Spies (1968) ¡Emergencia! (1972"1979) serie regular Adam-12 (un episodio, Lost and Found) como Dixie McCall ¡Tattletales! (programa de juegos presentado por Bert Convy, 1974-1978) Emergency: Survival on Charter #220 (1978) Películas Nabonga (1944) Diamond Horseshoe (1945) (pequeño papel) On Stage Everybody (1945) A Night in Paradise (1946) (pequeño papel) The Red House (1947) Tap Roots (1948) Task Force (1949) Return of the Frontiersman (1950) The Fat Man (1951) The Fighting Chance (1955) The Girl Can't Help It (1956) Crime Against Joe (1956) The Great Man (1956) Drango (1957) Saddle the Wind (1958) Voice in the Mirror (1958) Man of the West (1958) Night of the Quarter Moon (1959) The Wonderful Country (1959) A Question of Adultery (1959) The Third Voice (1960) The George Raft Story (1961)
https://www.allaboutjazz.com/musicians/julie-london/

André Previn, His Piano And Orchestra • Sittin' On A Rainbow - The Music Of Harold Arlen

 

Benny Carter • Jazz Giant

 

 

Review
by Scott Yanow
Benny Carter had already been a major jazz musician for nearly 30 years when he recorded this particularly strong septet session for Contemporary. With notable contributions from tenor saxophonist Ben Webster, trombonist Frank Rosolino and guitarist Barney Kessel, Carter (who plays a bit of trumpet on "How Can You Lose") is in superb form on a set of five standards and two of his originals. This timeless music is beyond the simple categories of "swing" or "bop" and should just be called "classic."
https://www.allmusic.com/album/jazz-giant-mw0000187817

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Reseña
por Scott Yanow
Benny Carter ya era un músico de jazz importante desde hacía casi 30 años cuando grabó esta sesión de septeto particularmente fuerte para Contemporary. Con notables contribuciones del saxofonista tenor Ben Webster, el trombonista Frank Rosolino y el guitarrista Barney Kessel, Carter (que toca un poco la trompeta en "How Can You Lose") está en magnífica forma en un conjunto de cinco estándares y dos de sus originales. Esta música atemporal está más allá de las simples categorías de "swing" o "bop" y debería llamarse simplemente "clásica".
https://www.allmusic.com/album/jazz-giant-mw0000187817

Shelly Manne & His Friends • Li'l Abner

 

 

André Previn's Trio Jazz • Like Previn!

 

Biography by Marcy Donelson
Known as a successful classical conductor, jazz pianist, and composer of jazz, classical, and film music, André Previn frequently bridged the gap between popular and so-called "serious" music, and in doing so broadened the horizons of both. A German-American who fled Nazi Germany with his family in his youth, he went on to win four Academy Awards, all for his work on film musicals in late '50s and '60s, including his adaptation of My Fair Lady (1964). By the '70s, he had established himself as one of the world's leading classical conductors, with terms at the London Symphony Orchestra (1968-1979), Pittsburgh Symphony Orchestra (1976-1984), and Royal Philharmonic Orchestra (1985-1992). He also served as music director of the Los Angeles Philharmonic from 1985 to 1989. During his tenure at the LSO, the BBC series André Previn's Music Hour made him household name. All the while, his career-spanning jazz recordings included collaborations with artists such as Benny Carter, Herb Ellis, and Shelly Manne, as well as classical artists including Itzhak Perlman, Leontyne Price, and Kiri Te Kanawa. Winner of ten Grammy Awards, Previn was the recipient of the Grammy Lifetime Achievement Award in 2010.

A native of Berlin, Previn's father was an accomplished pianist (though a lawyer by profession) and determined that his son would follow in his musical footsteps. The talented young André received instruction on the piano at the Berlin Hochschule, and also absorbed music in a less formal environment during the many private recitals given in the Previn home. In 1938, the Jewish family fled to France where André continued as a scholarship student at the Paris Conservatoire. In 1939, the Previn family relocated to southern California.

Life was difficult for the family (all their possessions had been left behind in Europe, and Previn's father was qualified only in German law), and though barely ten years old, André supplemented the family income by accompanying films at movie houses and playing in jazz clubs. At 14 he started working at MGM (Charles Previn, André's great uncle, was head of music at Universal Studios), orchestrating and arranging film music, and slowly saved enough money to study composition with Castelnuovo-Tedesco. At 18, André was asked to compose his own full-length film score, 1949's The Sun Comes Up, which resulted in his first experience on the podium in front of a real orchestra.

Previn, who had taken U.S. citizenship in 1943, served in San Francisco during the Korean War, where he had the opportunity to study conducting with Pierre Monteux. Following discharge from the army, Previn left MGM, but continued to compose, conduct, and arrange film music throughout the '50s, winning Academy Awards for his score adaptations of Gigi (1958) and Porgy & Bess (1959). He also recorded and released a series of best-selling jazz albums, something he would continue to do sporadically throughout the decades.

In the early '60s, Previn's film scores included such enduring works as Elmer Gantry (1960) and The Four Horsemen of the Apocalypse (1962). Shortly before winning his third and fourth Academy Awards for Irma la Douce (1963) and My Fair Lady (1964), Previn found the courage to abandon Hollywood and pursue his dream of becoming a respected conductor. His professional debut occurred in 1963 with the Saint Louis Symphony Orchestra, and he spent the next several years traveling around the country conducting various little-known orchestras in an effort to gain exposure and develop his own skill on the podium. His first big break occurred in 1967 when he was asked to succeed Sir John Barbirolli as music director of the Houston Symphony. When offered the job of principal conductor for the London Symphony Orchestra in 1968, Previn left Houston. During his 11 years with the orchestra (1968-1979), a series of BBC television productions entitled André Previn's Music Hour made the LSO (and Previn) a household name around the world. Other conducting appointments included the Pittsburgh Symphony (1976-1984), the Los Angeles Philharmonic Orchestra (1985-1989), and the Royal Philharmonic Orchestra (1985-1992).

Previn readily admitted that he was not driven to compose, doing so mostly by request, but he nevertheless composed a generous quantity of concert music, including a piano concerto for Vladimir Ashkenazy and a cello sonata at the request of Yo-Yo Ma. The year 1998 saw the release of his full-length opera A Streetcar Named Desire at the San Francisco Opera. In 2009, Houston Grand Opera presented his Brief Encounter, based on the 1945 film of the same name and its source material, the Noël Coward play Still Life. That year, Previn's diverse career was celebrated with a series of four concerts at Carnegie Hall in honor of his 80th birthday. A year later, he was presented with the Grammy Lifetime Achievement Award. Previn passed away at the end of February 2019.
https://www.allmusic.com/artist/andr%C3%A9-previn-mn0000030250#biography

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Biografía de Marcy Donelson
Conocido como director de orquesta clásico, pianista de jazz y compositor de jazz, música clásica y música de cine, André Previn tendió con frecuencia puentes entre la música popular y la llamada "seria", ampliando así los horizontes de ambas. Este germano-estadounidense, que huyó de la Alemania nazi con su familia en su juventud, ganó cuatro premios de la Academia, todos ellos por su trabajo en musicales cinematográficos a finales de los años 50 y 60, incluida su adaptación de My Fair Lady (1964). En los años 70, se había consolidado como uno de los directores de orquesta clásicos más importantes del mundo, con mandatos en la Orquesta Sinfónica de Londres (1968-1979), la Orquesta Sinfónica de Pittsburgh (1976-1984) y la Royal Philharmonic Orchestra (1985-1992). También fue director musical de la Filarmónica de Los Ángeles de 1985 a 1989. Durante su mandato en la LSO, la serie de la BBC André Previn's Music Hour le hizo muy conocido. Al mismo tiempo, sus grabaciones de jazz incluyeron colaboraciones con artistas como Benny Carter, Herb Ellis y Shelly Manne, así como con artistas clásicos como Itzhak Perlman, Leontyne Price y Kiri Te Kanawa. Ganador de diez premios Grammy, Previn recibió el Grammy Lifetime Achievement Award en 2010.

Natural de Berlín, el padre de Previn era un consumado pianista (aunque abogado de profesión) y estaba decidido a que su hijo siguiera sus pasos musicales. El joven André recibió clases de piano en la Hochschule de Berlín, y también aprendió música en un ambiente menos formal durante los numerosos recitales privados que se daban en casa de Previn. En 1938, la familia judía huyó a Francia, donde André continuó como estudiante becado en el Conservatorio de París. En 1939, la familia Previn se trasladó al sur de California.

La vida era difícil para la familia (todas sus posesiones habían quedado atrás en Europa, y el padre de Previn sólo estaba cualificado en derecho alemán), y aunque apenas tenía diez años, André complementaba los ingresos familiares acompañando películas en cines y tocando en clubes de jazz. A los 14 años empezó a trabajar en MGM (Charles Previn, tío abuelo de André, era jefe de música de Universal Studios), orquestando y arreglando música de cine, y poco a poco fue ahorrando lo suficiente para estudiar composición con Castelnuovo-Tedesco. A los 18 años, André recibió el encargo de componer su propia partitura para el largometraje The Sun Comes Up, de 1949, lo que supuso su primera experiencia en el podio frente a una orquesta de verdad.

Previn, que había obtenido la nacionalidad estadounidense en 1943, sirvió en San Francisco durante la guerra de Corea, donde tuvo la oportunidad de estudiar dirección de orquesta con Pierre Monteux. Tras ser licenciado del ejército, Previn abandonó MGM, pero continuó componiendo, dirigiendo y arreglando música de cine durante los años 50, y ganó premios de la Academia por sus adaptaciones de Gigi (1958) y Porgy & Bess (1959). También grabó y publicó una serie de álbumes de jazz que fueron un éxito de ventas, algo que seguiría haciendo esporádicamente a lo largo de las décadas.

A principios de los 60, Previn compuso bandas sonoras para películas como Elmer Gantry (1960) y Los cuatro jinetes del Apocalipsis (1962). Poco antes de ganar su tercer y cuarto Oscar por Irma la Douce (1963) y My Fair Lady (1964), Previn encontró el valor para abandonar Hollywood y perseguir su sueño de convertirse en un respetado director de orquesta. Su debut profesional se produjo en 1963 con la Orquesta Sinfónica de San Luis, y pasó los años siguientes viajando por todo el país dirigiendo varias orquestas poco conocidas en un esfuerzo por darse a conocer y desarrollar su propia habilidad en el podio. Su primera gran oportunidad le llegó en 1967, cuando le propusieron suceder a Sir John Barbirolli como director musical de la Sinfónica de Houston. Cuando en 1968 le ofrecieron el puesto de director titular de la Orquesta Sinfónica de Londres, Previn abandonó Houston. Durante sus 11 años con la orquesta (1968-1979), una serie de producciones televisivas de la BBC titulada André Previn's Music Hour hizo de la LSO (y de Previn) un nombre muy conocido en todo el mundo. También dirigió la Sinfónica de Pittsburgh (1976-1984), la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles (1985-1989) y la Royal Philharmonic Orchestra (1985-1992).

Previn admitió que no se sentía impulsado a componer, sino que lo hacía principalmente por encargo, pero compuso una gran cantidad de música de concierto, incluido un concierto para piano para Vladimir Ashkenazy y una sonata para violonchelo a petición de Yo-Yo Ma. En 1998 estrenó su ópera completa Un tranvía llamado deseo en la Ópera de San Francisco. En 2009, la Houston Grand Opera presentó Brief Encounter, basada en la película homónima de 1945 y en la obra de Noël Coward Still Life. Ese año, la carrera de Previn se celebró con una serie de cuatro conciertos en el Carnegie Hall con motivo de su 80 cumpleaños. Un año más tarde, recibió el Grammy Lifetime Achievement Award. Previn falleció a finales de febrero de 2019.
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