Buck Clayton • Buck Clayton & Friends

 

Biography
by Ron Wynn
Buck Clayton Jam Session
An excellent bandleader and accompanist for many vocalists, including Billie Holiday, Buck Clayton was a valued soloist with Count Basie Orchestra during the '30s and '40s, and later was a celebrated studio and jam session player, writer, and arranger. His tart, striking tone and melodic dexterity were his trademark, and Clayton provided several charts for Basie's orchestra and many other groups. Clayton began his career in California, where he organized a big band that had a residency in China in 1934. When he returned, Clayton led a group and played with other local bands. During a 1936 visit to Kansas City, he was invited to join Basie's orchestra as a replacement for Hot Lips Page. Clayton was also featured on sessions with Lester Young, Teddy Wilson, and Holiday in the late '30s. He remained in the Basie band until 1943, when he left for army service. After leaving the army, Clayton did arrangements for Basie, Benny Goodman, and Harry James before forming a sextet in the late '40s. He toured Europe with this group in 1949 and 1950. Clayton continued heading a combo during the '50s, and worked with Joe Bushkin, Tony Parenti, and Jimmy Rushing, among others. He organized a series of outstanding recordings for Columbia in the mid-'50s under the title Jam Session (compiled and reissued by Mosaic in 1993). There were sessions with Rushing, Ruby Braff, and Nat Pierce. Clayton led a combo with Coleman Hawkins and J.J. Johnson at the 1956 Newport Jazz Festival, then reunited with Goodman in 1957 at the Waldorf Astoria. There was another European tour, this time with Mezz Mezzrow. He appeared in the 1956 film The Benny Goodman Story and played the 1958 Brussels World Fair with Sidney Bechet. Clayton later made another European visit with a Newport Jazz Festival tour. He joined Eddie Condon's band in 1959, a year after appearing in the film Jazz on a Summer's Day. Clayton toured Japan and Australia with Condon's group in 1964, and continued to revisit Europe throughout the '60s, often with Humphrey Lyttelton's band, while playing festivals across the country. But lip and health problems virtually ended his playing career in the late '60s. After a period outside of music, Clayton once again became active in music, this time as a non-playing arranger, touring Africa as part of a State Department series in 1977. He provided arrangements and compositions for a 1974 Lyttleton and Buddy Tate album, and did more jam session albums for Chiaroscuro in 1974 and 1975. He also became an educator, teaching at Hunter College in the early '80s. Clayton led a group of Basie sidemen on a European tour in 1983, then headed his own big band in 1987 that played almost exclusively his compositions and arrangements. That same year Clayton's extensive autobiography Buck Clayton's Jazz World, with Nancy Miller-Elliot, was published.
https://www.allmusic.com/artist/buck-clayton-mn0000634674/biography

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Biografía
por Ron Wynn
Jam Session de Buck Clayton
Excelente director de banda y acompañante de muchos vocalistas, incluida Billie Holiday, Buck Clayton fue un valioso solista de la orquesta de Count Basie durante los años 30 y 40, y más tarde fue un célebre intérprete de estudio y de jam sessions, escritor y arreglista. Su tono agudo y llamativo y su destreza melódica eran su marca registrada, y Clayton proporcionó varios gráficos para la orquesta de Basie y muchos otros grupos. Clayton comenzó su carrera en California, donde organizó una gran banda que residió en China en 1934. A su regreso, Clayton dirigió un grupo y tocó con otras bandas locales. Durante una visita a Kansas City en 1936, fue invitado a unirse a la orquesta de Basie como sustituto de Hot Lips Page. Clayton también participó en sesiones con Lester Young, Teddy Wilson y Holiday a finales de los años 30. Permaneció en la banda de Basie hasta 1943, cuando se marchó al servicio militar. Tras dejar el ejército, Clayton hizo arreglos para Basie, Benny Goodman y Harry James antes de formar un sexteto a finales de los años 40. Con este grupo realizó una gira por Europa en 1949 y 1950. Clayton continuó dirigiendo un combo durante los años 50, y trabajó con Joe Bushkin, Tony Parenti y Jimmy Rushing, entre otros. Organizó una serie de destacadas grabaciones para Columbia a mediados de los 50 bajo el título Jam Session (recopiladas y reeditadas por Mosaic en 1993). Hubo sesiones con Rushing, Ruby Braff y Nat Pierce. Clayton dirigió un combo con Coleman Hawkins y J.J. Johnson en el Festival de Jazz de Newport de 1956, y luego se reunió con Goodman en 1957 en el Waldorf Astoria. Hubo otra gira europea, esta vez con Mezz Mezzrow. Apareció en la película de 1956 The Benny Goodman Story y tocó en la Feria Mundial de Bruselas de 1958 con Sidney Bechet. Más tarde, Clayton realizó otra visita a Europa con una gira por el Festival de Jazz de Newport. Se unió a la banda de Eddie Condon en 1959, un año después de aparecer en la película Jazz on a Summer's Day. Clayton realizó una gira por Japón y Australia con el grupo de Condon en 1964, y continuó visitando Europa a lo largo de los años 60, a menudo con la banda de Humphrey Lyttelton, mientras tocaba en festivales por todo el país. Pero los problemas de salud y de labios prácticamente acabaron con su carrera como músico a finales de los 60. Después de un periodo fuera de la música, Clayton volvió a estar activo en la música, esta vez como arreglista sin tocar, haciendo una gira por África como parte de una serie del Departamento de Estado en 1977. Proporcionó arreglos y composiciones para un álbum de 1974 de Lyttleton y Buddy Tate, e hizo más álbumes de jam session para Chiaroscuro en 1974 y 1975. También se convirtió en educador, dando clases en el Hunter College a principios de los 80. Clayton dirigió un grupo de acompañantes de Basie en una gira europea en 1983, y luego dirigió su propia big band en 1987, que tocaba casi exclusivamente sus composiciones y arreglos. Ese mismo año se publicó la extensa autobiografía de Clayton, Buck Clayton's Jazz World, con Nancy Miller-Elliot.
https://www.allmusic.com/artist/buck-clayton-mn0000634674/biography}

Mickey Baker • The Wildest Guitar

 

Biography by Richie Unterberger
Of all the guitarists who helped transform rhythm & blues into rock & roll, Mickey Baker was one of the very most important, ranking almost on the level of Chuck Berry and Bo Diddley. The reason he wasn't nearly as well known as those legends is that a great deal of his work wasn't issued under his own name, but as a backing guitarist for many R&B and rock & roll musicians. Baker originally aspired to be a jazz musician, but turned to calypso, mambo, and then R&B, where the most work could be found.

In the early and mid-'50s, he did countless sessions for Atlantic, King, RCA, Decca, and OKeh, playing on such classics as the Drifters' "Money Honey" and "Such a Night," Joe Turner's "Shake, Rattle & Roll," Ruth Brown's "Mama, He Treats Your Daughter Mean," and Big Maybelle's "Whole Lot of Shakin' Going On." He also released a few singles under his own name, and made a Latin jazz-tinged solo album, Guitar Mambo.

Baker's best work, though, was recorded as half of the duo Mickey & Sylvia. Their hit "Love Is Strange," as well as several other unknown but nearly equally strong tracks, featured Baker's keening, bluesy guitar riffs, which were gutsier and more piercing than most anything else around in the late '50s. Mickey & Sylvia split in the late '50s (though they recorded off and on until the middle of the next decade), and Baker recorded his best solo album, the all-instrumental The Wildest Guitar. In 1961, he took the male spoken part (usually assumed to be Ike Turner) on Ike & Tina Turner's first hit, "It's Gonna Work Out Fine." Shortly afterwards he moved to France, making a few hard-to-find solo records and working with a lot of French pop and rock performers, including Ronnie Bird, the best '60s French rock singer. He recorded only sporadically after the mid-'60s. Mickey Baker died at his home in Montastruc-la-Conseillère, France on November 27, 2012, at the age of 87. http://www.allmusic.com/artist/mickey-baker-mn0000476054/biography

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Biografía de Richie Unterberger
De todos los guitarristas que ayudaron a transformar el rhythm & blues en rock & roll, Mickey Baker fue uno de los más importantes, situándose casi al nivel de Chuck Berry y Bo Diddley. La razón por la que no era tan conocido como esas leyendas es que gran parte de su trabajo no se publicó con su propio nombre, sino como guitarrista de apoyo para muchos músicos de R&B y rock & roll. Baker originalmente aspiraba a ser un músico de jazz, pero se dedicó al calypso, al mambo y luego al R&B, donde se encontraba la mayor parte de su trabajo.

A principios y mediados de los 50, hizo innumerables sesiones para Atlantic, King, RCA, Decca y OKeh, tocando en clásicos como "Money Honey" y "Such a Night" de los Drifters, "Shake, Rattle & Roll" de Joe Turner, "Mama, He Treats Your Daughter Mean" de Ruth Brown y "Whole Lot of Shakin' Going On" de Big Maybelle. También lanzó algunos sencillos bajo su propio nombre, e hizo un álbum en solitario con un toque de jazz latino, Guitar Mambo.

El mejor trabajo de Baker, sin embargo, fue grabado como la mitad del dúo Mickey & Sylvia. Su éxito "Love Is Strange", así como varios otros temas desconocidos pero casi igual de fuertes, presentaban los agudos riffs de guitarra de Baker, que eran más audaces y penetrantes que cualquier otra cosa de finales de los 50. Mickey & Sylvia se separaron a finales de los 50 (aunque grabaron de vez en cuando hasta mediados de la siguiente década), y Baker grabó su mejor álbum en solitario, el todo-instrumental The Wildest Guitar. En 1961, tomó la parte masculina hablada (normalmente asumida como Ike Turner) en el primer éxito de Ike & Tina Turner, "It's Gonna Work Out Fine". Poco después se mudó a Francia, haciendo algunos discos en solitario difíciles de encontrar y trabajando con muchos artistas franceses de pop y rock, incluyendo a Ronnie Bird, el mejor cantante de rock francés de los 60. Sólo grabó esporádicamente después de mediados de los 60. Mickey Baker murió en su casa de Montastruc-la-Conseillère, Francia, el 27 de noviembre de 2012, a la edad de 87 años. http://www.allmusic.com/artist/mickey-baker-mn0000476054/biography

VA • Surfin on Wave Nine

Honky Tonk • The Best of King & Federal R&B Instrumentals

 

Review by Richie Unterberger

With Bill Doggett and Freddy King alone, the King/Federal labels had two of the most popular and significant instrumental R&B/rock hitmakers of the 1950s and early '60s. Both are represented by their most popular instrumental tracks (four by Doggett, three by King) here. But this compilation, assembling 24 instrumentals from 1948-1964, also demonstrates that King/Federal was quite active in the instrumental R&B field beyond its work with those two artists. In many of the 24 cuts (particularly the earliest ones), the label mined R&B/jazz crossover sounds with a smoky barroom flavor. Giving the sleeve a casual glance, most would assume that the material for the most part flopped upon release, but actually a few of these were big (if virtually forgotten) R&B hits, like Todd Rhodes' "Blues for the Red Boy" (from 1948), Earl Bostic's effervescent "Flamingo" (from 1951), and Sonny Thompson's shuffling "Long Gone" (1948), a groundbreaker in that it not only sat atop the R&B charts for a long time but also made the pop Top 30. Beyond that, things do get rather generic, even though there are some relatively big names like Mickey Baker and King Curtis (heard backing Washboard Bill) and future James Brown sideman Jimmy Nolen (who shines on blues guitar on the 1956 single "After Hours"/"Strollin' With Nolen"). There's no denying, however, that Doggett's massive and classic "Honky Tonk" (parts one and two are both here) and King's snazzy blues guitar instrumentals are easily the most worthwhile items on board. There is, however, one other great cut: Johnny "Guitar" Watson's astonishingly futuristic 1954 workout "Space Guitar" (released under the billing Young John Watson), one of the great relatively obscure classics of the mid-'50s.
https://www.allmusic.com/album/the-best-of-king-federal-r-b-instrumentals-honky-tonk-mw0000957774

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Reseña de Richie Unterberger

Con Bill Doggett y Freddy King solos, los sellos King/Federal tenían dos de los creadores de éxitos instrumentales de R&B/rock más populares y significativos de la década de 1950 y principios de los 60. Ambos están representados por sus pistas instrumentales más populares (cuatro de Doggett, tres de King) aquí. Pero esta compilación, que reúne 24 temas instrumentales de 1948 a 1964, también demuestra que King / Federal estuvo bastante activo en el campo instrumental del R&B más allá de su trabajo con esos dos artistas. En muchos de los 24 cortes (particularmente los primeros), el sello extrajo sonidos cruzados de R&B/jazz con un sabor ahumado a bar. Dando a la portada una mirada informal, la mayoría asumiría que el material en su mayor parte fracasó en su lanzamiento, pero en realidad algunos de estos fueron grandes éxitos de R&B (aunque prácticamente olvidados), como "Blues for the Red Boy" de Todd Rhodes (de 1948), el efervescente "Flamingo" de Earl Bostic (de 1951) y la mezcla de "Long Gone" de Sonny Thompson (1948), un innovador en el sentido de que no solo estuvo en la cima de las listas de R&B durante mucho tiempo, sino que también llegó a la cima del pop.30. Más allá de eso, las cosas se vuelven bastante genéricas, aunque hay algunos nombres relativamente importantes como Mickey Baker y King Curtis (escucharon respaldando a Washboard Bill) y el futuro acompañante de James Brown Jimmy Nolen (que brilla con la guitarra de blues en el sencillo de 1956 "After Hours" / "Strollin' With Nolen"). Sin embargo, no se puede negar que el enorme y clásico "Honky Tonk" de Doggett (las partes uno y dos están aquí) y los elegantes instrumentales de guitarra blues de King son fácilmente los elementos que más valen la pena a bordo. Sin embargo, hay otro gran corte: el entrenamiento asombrosamente futurista de Johnny "Guitar" Watson de 1954 "Space Guitar" (lanzado bajo la facturación del joven John Watson), uno de los grandes clásicos relativamente oscuros de mediados de los 50.
https://www.allmusic.com/album/the-best-of-king-federal-r-b-instrumentals-honky-tonk-mw0000957774

 

Buck Clayton • Buck Clayton & Friends

 

Clarence "Gatemouth" Brown • The Blues Ain't Nothing

 

A true musician's musician, Clarence Gatemouth Brown mastered the guitar, fiddle, drums, viola, harmonica, piano, mandolin and bass. Gatemouth's smooth blend of Texas style swing with Jazz, Country and Cajun music has altered the definition of the Blues. His versatility singles him out as an architect of modern Blues sounds. Although primarily known as a rhythm & blues artist, Brown's music truly defied any simple description. Influenced by big bands and horn players, his work on the guitar and fiddle exhibited the music he grew up hearing along the Gulf Coast.

Brown was born in Vinton, Louisiana, and raised not far from the Gulf Coast in Orange, Texas. He learned guitar and fiddle from his father who played and sang the tunes of the region, including French traditional songs and even German polkas. He reminds us that: “Everybody played music in those days.”

He began working professionally as a drummer during World War II. After a stint in the U.S. Army, Gatemouth made his debut as a guitarist in 1947 by simply walking on stage at Don Robey’s famed Peacock Club in Houston and picking up an electric Gibson guitar that an ailing T-Bone Walker had put down mid-show. Gate so wowed the audience, playing his own “Gatemouth Boogie,” that within a few minutes he had been showered with $600 in tips - a large haul in those cash-strapped days.

Robey soon had Brown fronting a 23-piece orchestra on a tour across the South and Southwest. The manager then formed Peacock Records, the first successful post- war, black-owned record label, to take Gate’s sound to a national audience. Dozens of hits soon followed, including “Okie Dokie Stomp,” “Boogie Rambler,” and “Dirty Work at the Crossroads.” But he became frustrated by the limitations of the blues and began carving a new career by recording albums that featured jazz and country songs mixed in with the blues numbers.

After splitting with Robey, Brown moved to Nashville, where he hosted a television show and began adding country music to his repertoire, even recording with Roy Clark and appearing on Hee Haw. Heavy touring in the 1970s established new audiences in Europe, East Africa, and the Soviet Union, where Gate toured as a musical ambassador for the U.S. State Department. He recorded in his hometown of Bogalusa with Professor Longhair, for the 1974 Barclay session “Rock n’ Roll Gumbo.”

In recent years, he cut a string of four-star albums for such record labels as Rounder, Alligator, Verve, and Blue Thumb. For his last album, “Back to Bogalusa” (Blue Thumb 2001), the 77-year-old presents nearly an hour’s worth of music spread over 13 tracks. While Gate explored the sounds of the Lone Star State on his last release, the appropriately titled “American Music, Texas Style,” (1999) with “Back to Bogalusa,” he takes us back across the state line to his beloved Louisiana.

In September 2004, Brown announced he had been diagnosed with cancer. After consulting oncologists, he decided against undergoing treatment. He also suffered from emphysema and heart disease. By the end of the year, Brown's condition had worsened considerably, forcing him to travel with an oxygen tank. On Jan. 8, he surprised many of his friends and associates by joining Gregg Allman and Susan Tedeschi at Atlanta's Variety Playhouse for not one, but two, shows.

In April 2005, a defiant Brown announced that he would perform at the New Orleans Jazz and Heritage Festival. Despite continued doubts that he had the stamina to even attend the outdoor festival, Brown managed to get through a brief musical set. Some close to Brown were convinced that he would have been happy to die as he lived -- performing on stage.

Clarence Gatemouth Brown died in Sept. 2005, in Texas.

During his career, Brown scored six Grammy nominations, winning the best traditional blues recording prize for his 1982 album, “Alright Again.” He won eight W.C. Handy Blues Awards and was inducted into the Blues Foundation Hall of Fame. He's also a recipient of the Rhythm & Blues Foundation's prestigious Pioneer Award.

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Un verdadero músico, Clarence Gatemouth Brown domina la guitarra, el violín, la batería, la viola, la armónica, el piano, la mandolina y el bajo. La suave mezcla de Gatemouth de swing al estilo Texas con música Jazz, Country y Cajun ha alterado la definición del Blues. Su versatilidad lo distingue como arquitecto de los sonidos del Blues moderno. Aunque principalmente conocido como un artista de rhythm & blues, la música de Brown realmente desafió cualquier descripción simple. Influenciado por grandes bandas y trompetistas, su trabajo con la guitarra y el violín exhibió la música que escuchaba a lo largo de la costa del Golfo.

Brown nació en Vinton, Louisiana, y creció cerca de la costa del Golfo en Orange, Texas. Aprendió guitarra y violín de su padre que tocaba y cantaba las melodías de la región, incluyendo canciones tradicionales francesas e incluso polcas alemanas. Nos lo recuerda: "Todo el mundo tocaba música en aquellos días."

Comenzó a trabajar profesionalmente como baterista durante la Segunda Guerra Mundial. Después de una temporada en el Ejército de los Estados Unidos, Gatemouth hizo su debut como guitarrista en 1947 simplemente caminando sobre el escenario en el famoso Peacock Club de Don Robey en Houston y recogiendo una guitarra eléctrica Gibson que un enfermo T-Bone Walker había puesto a mitad del show. Gate sorprendió tanto al público, tocando su propio "Gatemouth Boogie", que en pocos minutos había sido bañado con $600 en propinas - un gran botín en esos días de poco dinero.

Robey pronto tuvo a Brown al frente de una orquesta de 23 músicos en una gira por el sur y el suroeste. El gerente formó entonces Peacock Records, el primer sello discográfico de propiedad de negros que tuvo éxito después de la guerra, para llevar el sonido de Gate a una audiencia nacional. Pronto le siguieron docenas de éxitos, incluyendo "Okie Dokie Stomp", "Boogie Rambler" y "Dirty Work at the Crossroads". Pero se frustró por las limitaciones del blues y comenzó a forjar una nueva carrera grabando álbumes que incluían canciones de jazz y country mezcladas con números de blues.

Después de separarse de Robey, Brown se mudó a Nashville, donde fue anfitrión de un programa de televisión y comenzó a añadir música country a su repertorio, incluso grabando con Roy Clark y apareciendo en Hee Haw. Las intensas giras de los años setenta establecieron nuevas audiencias en Europa, África Oriental y la Unión Soviética, donde Gate actuó como embajador musical del Departamento de Estado de Estados Unidos. Grabó en su ciudad natal de Bogalusa con el profesor Pelo Largo, para la sesión de Barclay de 1974 "Rock n' Roll Gumbo".

En los últimos años, cortó una serie de álbumes de cuatro estrellas para sellos discográficos como Rounder, Alligator, Verve y Blue Thumb. Para su último álbum, "Back to Bogalusa" (Blue Thumb 2001), este hombre de 77 años presenta casi una hora de música repartida en 13 temas. Mientras Gate exploraba los sonidos del Estado de la Estrella Solitaria en su último lanzamiento, el apropiadamente titulado "American Music, Texas Style," (1999) con "Back to Bogalusa," nos lleva de vuelta a través de la línea estatal hasta su amada Louisiana.

En septiembre de 2004, Brown anunció que le habían diagnosticado cáncer. Después de consultar a los oncólogos, decidió no someterse a tratamiento. También sufría de enfisema y enfermedades del corazón. Al final del año, la condición de Brown había empeorado considerablemente, lo que lo obligó a viajar con un tanque de oxígeno. El 8 de enero, sorprendió a muchos de sus amigos y asociados al unirse a Gregg Allman y Susan Tedeschi en Atlanta's Variety Playhouse para no uno, sino dos, shows.

En abril de 2005, un desafiante Brown anunció que actuaría en el Festival de Jazz y Patrimonio de Nueva Orleáns. A pesar de las continuas dudas de que tenía la resistencia necesaria para asistir al festival al aire libre, Brown consiguió superar un breve set musical. Algunos cercanos a Brown estaban convencidos de que habría estado feliz de morir mientras vivía, actuando en el escenario.

Clarence Gatemouth Brown murió en septiembre de 2005, en Texas.

Durante su carrera, Brown obtuvo seis nominaciones a los Grammy, ganando el premio a la mejor grabación de blues tradicional por su álbum de 1982, "Allright Again". Ganó ocho W.C. Handy Blues Awards y fue admitido en el Salón de la Fama de la Blues Foundation. También ha recibido el prestigioso premio Pioneer Award de la Rhythm & Blues Foundation.

Buck Clayton • Buck Clayton And Friends

 

Biography by Ron Wynn
An excellent bandleader and accompanist for many vocalists, including Billie Holiday, Buck Clayton was a valued soloist with Count Basie Orchestra during the '30s and '40s, and later was a celebrated studio and jam session player, writer, and arranger. His tart, striking tone and melodic dexterity were his trademark, and Clayton provided several charts for Basie's orchestra and many other groups. Clayton began his career in California, where he organized a big band that had a residency in China in 1934. When he returned, Clayton led a group and played with other local bands. During a 1936 visit to Kansas City, he was invited to join Basie's orchestra as a replacement for Hot Lips Page. Clayton was also featured on sessions with Lester Young, Teddy Wilson, and Holiday in the late '30s. He remained in the Basie band until 1943, when he left for army service. After leaving the army, Clayton did arrangements for Basie, Benny Goodman, and Harry James before forming a sextet in the late '40s. He toured Europe with this group in 1949 and 1950. Clayton continued heading a combo during the '50s, and worked with Joe Bushkin, Tony Parenti, and Jimmy Rushing, among others. He organized a series of outstanding recordings for Columbia in the mid-'50s under the title Jam Session (compiled and reissued by Mosaic in 1993). There were sessions with Rushing, Ruby Braff, and Nat Pierce. Clayton led a combo with Coleman Hawkins and J.J. Johnson at the 1956 Newport Jazz Festival, then reunited with Goodman in 1957 at the Waldorf Astoria. There was another European tour, this time with Mezz Mezzrow. He appeared in the 1956 film The Benny Goodman Story and played the 1958 Brussels World Fair with Sidney Bechet. Clayton later made another European visit with a Newport Jazz Festival tour. He joined Eddie Condon's band in 1959, a year after appearing in the film Jazz on a Summer's Day. Clayton toured Japan and Australia with Condon's group in 1964, and continued to revisit Europe throughout the '60s, often with Humphrey Lyttelton's band, while playing festivals across the country. But lip and health problems virtually ended his playing career in the late '60s. After a period outside of music, Clayton once again became active in music, this time as a non-playing arranger, touring Africa as part of a State Department series in 1977. He provided arrangements and compositions for a 1974 Lyttleton and Buddy Tate album, and did more jam session albums for Chiaroscuro in 1974 and 1975. He also became an educator, teaching at Hunter College in the early '80s. Clayton led a group of Basie sidemen on a European tour in 1983, then headed his own big band in 1987 that played almost exclusively his compositions and arrangements. That same year Clayton's extensive autobiography Buck Clayton's Jazz World, with Nancy Miller-Elliot, was published.
https://www.allmusic.com/artist/buck-clayton-mn0000634674#biography

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Biografía de Ron Wynn
Buck Clayton, excelente líder de banda y acompañante de muchos vocalistas, incluida Billie Holiday, fue un valioso solista de la Orquesta Count Basie durante los años 30 y 40, y más tarde fue un célebre músico de estudio y sesiones improvisadas, escritor y arreglista. Su tono agrio y llamativo y su destreza melódica eran su marca registrada, y Clayton proporcionó varios gráficos para la orquesta de Basie y muchos otros grupos. Clayton comenzó su carrera en California, donde organizó una big band que tuvo una residencia en China en 1934. Cuando regresó, Clayton dirigió un grupo y tocó con otras bandas locales. Durante una visita a Kansas City en 1936, fue invitado a unirse a la orquesta de Basie como reemplazo de Hot Lips Page. Clayton también apareció en sesiones con Lester Young, Teddy Wilson y Holiday a finales de los años 30. Permaneció en la banda Basie hasta 1943, cuando se fue al servicio militar. Después de dejar el ejército, Clayton hizo arreglos para Basie, Benny Goodman y Harry James antes de formar un sexteto a finales de los años 40. Realizó una gira por Europa con este grupo en 1949 y 1950. Clayton continuó al frente de un combo durante los años 50 y trabajó con Joe Bushkin, Tony Parenti y Jimmy Rushing, entre otros. Organizó una serie de grabaciones destacadas para Columbia a mediados de los años 50 bajo el título Jam Session (compilado y reeditado por Mosaic en 1993). Hubo sesiones con Rushing, Ruby Braff y Nat Pierce. Clayton lideró un combo con Coleman Hawkins y J.J. Johnson en el Festival de Jazz de Newport de 1956 y luego se reunió con Goodman en 1957 en el Waldorf Astoria. Hubo otra gira europea, esta vez con Mezz Mezzrow. Apareció en la película de 1956 The Benny Goodman Story y actuó en la Feria Mundial de Bruselas de 1958 con Sidney Bechet. Más tarde, Clayton realizó otra visita europea con una gira por el Festival de Jazz de Newport. Se unió a la banda de Eddie Condon en 1959, un año después de aparecer en la película Jazz on a Summer's Day. Clayton realizó una gira por Japón y Australia con el grupo de Condon en 1964, y continuó visitando Europa a lo largo de los años 60, a menudo con la banda de Humphrey Lyttelton, mientras tocaba en festivales por todo el país. Pero los problemas de labios y de salud prácticamente acabaron con su carrera como jugador a finales de los años 60. Después de un período fuera de la música, Clayton volvió a participar activamente en la música, esta vez como arreglista no musical, y realizó una gira por África como parte de una serie del Departamento de Estado en 1977. Proporcionó arreglos y composiciones para un álbum de Lyttleton y Buddy Tate de 1974. e hizo más álbumes de sesiones improvisadas para Chiaroscuro en 1974 y 1975. También se convirtió en educador, enseñando en Hunter College a principios de los años 80. Clayton dirigió un grupo de acompañantes de Basie en una gira europea en 1983, luego encabezó su propia big band en 1987 que tocaba casi exclusivamente sus composiciones y arreglos. Ese mismo año se publicó la extensa autobiografía de Clayton, Buck Clayton's Jazz World, con Nancy Miller-Elliot.
https://www.allmusic.com/artist/buck-clayton-mn0000634674#biography

Clarence "Gatemouth" Brown • Blackjack

Multi-instrumentalist, multi-directional genius Clarence Gatemouth Brown flaunts his natural gifts on Blackjack (Sugar Hill 3891; 44:26). The jazziest of all the great, old school bluesman, Gatemouth fingerpicks his way through the instrumental “Tippin’ In” with typical elan and burns a blue streak on two fiercely swinging uptempo jump blues workouts-“Pressure Cooker,” title track from a great mid-’80s album on Alligator, and Billy Butler’s “Honey Boy.” Pedal steel ace Don Buzard (the album is dedicated to his memory) turns heads on those three instrumental tracks with his idiosyncratic virtuosity. Buzard switches to dobro on the Grand Ol’ Opry-styled offering “Dark End of the Hallway,” which features some lyrical turns by Gate on viola. Brown picks up his fiddle and deals in inimitable fashion on the country flavored instrumental “Song for Renee,” throwing in a comical quote from “Love in Bloom” (Jack Benny’s old theme) before launching into some bluesy abandon. The revved up instrumental closer “Up Jumped the Devil” is proving ground for every bluegrass fiddler, and Gate passes with flying colors. His instrumental version of Wiley Walker’s “When My Blue Moon Turns to Gold Again,” another fiddle showcase, is straight from the country (cajun country, that is). The energized, hilarious shuffle “Street Corner” is Gate’s chance to wail on harmonica and he struts his stuff on mandolin on the bluegrassy instrumental romp “Take Me Back to Tulsa.” On “Here Am I,” his lament about love lost and lonliness, Rev. Gate speaks with the knowing of a blues preacher while on the menacing title track he sings about “cuttin’ yo’ doggone head.” A complex man of many moods and varied talents, the one and onliest Gatemouth delivers all the goods on this excellent sampler.

By Bill Milkowski

Originally Published July 1, 1999

https://jazztimes.com/archives/clarence-gatemouth-brown-black-jack/

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El genio multiinstrumentista y multidireccional Clarence Gatemouth Brown hace alarde de sus dotes naturales en el Blackjack (Sugar Hill 3891; 44:26). El más jazzista de todos los grandes bluesman de la vieja escuela, Gatemouth se abre camino a través del instrumental "Tippin' In" con el típico elan y quema una racha azul en dos feroces entrenamientos de jump blues con swing uptempo: "Pressure Cooker", tema del título de un gran álbum de mediados de los 80 en Alligator, y "Honey Boy" de Billy Butler. El as del acero de pedales Don Buzard (el álbum está dedicado a su memoria) hace girar las cabezas en esos tres temas instrumentales con su idiosincrática virtuosidad. Buzard cambia al dobro en el Grand Ol' Opry que ofrece "Dark End of the Hallway", que presenta algunos giros líricos de Gate en la viola. Brown coge su violín y se dedica de forma inimitable al instrumental de sabor country "Song for Renee", añadiendo una cita cómica de "Love in Bloom" (el viejo tema de Jack Benny) antes de lanzarse a un abandono del blues. El acelerado cierre instrumental "Up Jumped the Devil" está demostrando ser un terreno para cada violinista de bluegrass, y Gate pasa con gran éxito. Su versión instrumental de "When My Blue Moon Turns to Gold Again" de Wiley Walker, otra muestra de violín, viene directamente del país (país cajún, eso es). El enérgico e hilarante baile "Street Corner" es la oportunidad de Gate para lamentarse en la armónica y se pavonea con la mandolina en el juego instrumental bluegrassy "Take Me Back to Tulsa". En "Here Am I", su lamento sobre el amor perdido y la soledad, el reverendo Gate habla con el conocimiento de un predicador del blues mientras en el amenazante tema del título canta sobre "Cuttin' yo' doggone head". Un hombre complejo de muchos humores y talentos variados, el único Gatemouth entrega todos los bienes en este excelente muestrario.

Por Bill Milkowski

Publicado originalmente el 1 de julio de 1999

https://jazztimes.com/archives/clarence-gatemouth-brown-black-jack/

Milt Buckner • Rockin' With Milt

Milt Buckner's Hammond organ sound is quite different than others who followed in his footsteps. His choppy two-hand chord approach, thorny and biting sound, and his regular usage of a bass player identified him as a raw industrialist, coming from the Midwest hearths of St. Louis and Detroit. Buckner has largely been ignored as a pioneer of the organ in the '50s, so this reissue of his recordings for the Capitol label -- Rockin' with Milt, Rockin' Hammond, and Send Me Softly, plus five tracks from 7" EPs -- should reinforce why he was an important purveyor of the primordial soul-jazz movement. Buckner came out of the swing era as a pianist and sometimes cocktail lounge performer who was able to straddle the line between popular sounds of the day and more riveting and substantive jazz. The title Rockin' with Milt is apropos, as these tunes establish the rhythm & blues based beat that Elvis Presley, Bill Haley, and Chuck Berry turned into the seminal rock & roll that took over popular and dancehall music. The saxophonists who work with Buckner on these individual sessions are interesting picks, considering where their careers eventually landed. Danny Turner was a New York based alto and tenor saxophonist and a favorite of Sarah Vaughan and Count Basie, ex-Basie sax section stalwart Earle Warren's vibrato flavored alto was favorably compared to Earl Bostic, while tenor saxophone honker "Sam "The Man" Taylor" was well known in blues circles, also accompanying Cab Calloway, Louis Jordan, and Ray Charles, but could swing with the best. Tracks from the Rockin' with Milt sessions feature bassist Wendell Marshall and Duke Ellington drummer Sam Woodyard, including four Buckner originals like the R&B based "Movin' with Mitch," the fleet "Slaughter on 125th Street," and the cute unison organ/sax tune "Little Miss Maudlin." Boppers like the speedy "Bernie's Tune" and the easygoing "Robbins Nest" are hardcore classics. Overdubbing piano and organ, Buckner uses only guitarists and bass/drums rhythm mates for the stomping "Hey Now, Zorina!," and originals like the keyboards calling back and forth to each other on "Count's Basement," the shuffling "Wild Scene" and well after midnight "Mighty Low." Warren enters with pronounced, bent, flatted notes on Ahmad Jamal's "Night Mist" and the lovely, romantic "Dinner Date." Sam "The Man" Taylor and plucky guitarist Skeeter Best drench champagne and chocolate respectively over the bluesy melodies of "Good Time Express" and the jive "Second Section." The sessions from the Send Me Softly LP are distinctly more cocktail or martini induced than ale or stout, with some light calypso, cha cha, nonchalant background music, and themes of regret or loneliness. "All or Nothing at All" is a mysterious and unique Latin treatment of this standard, while Warren's somber reading of "Lullaby of the Leaves" will leave you breathless. "Our Engagement Day" is a sentimental theme that nuptials should discover. Master bassist Milt Hinton is all over the second CD, and provides a good study in supportive rhythm and swing for those learning the idiom. Aside from the contrasts of tinkling piano as opposed to stabbing organ chords on "One O'Clock Jump," or the slow and slinky "Blue & Sentimental," Buckner is regular and predictable for those who know his work. If you are unfamiliar with Buckner's style, surprises abound, especially considering how his Hammond sound would preclude the more legato Wurlitzer or Farfisa sonic palate that was too slow for jazz improvisation in the '60s. As there are too few Milt Buckner recordings in contemporary catalogs, this is as close to his essential period as is available. ~ Michael G. Nastos, All Music Guide

http://www.allmusic.com/album/rockin-with-milt-mw0000876805

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El sonido del órgano Hammond de Milt Buckner es muy diferente a otros que siguieron sus pasos. Su agitado enfoque de acordes a dos manos, su sonido espinoso y mordaz, y su uso regular de un bajista lo identificaron como un industrial inexperto, proveniente de los hogares del Medio Oeste de San Luis y Detroit. Buckner ha sido ignorado como pionero del órgano en los años 50, así que esta reedición de sus grabaciones para el sello Capitol -- Rockin' with Milt, Rockin' Hammond, and Send Me Softly, plus five tracks from 7" EPs -- debería reforzar la razón por la que era un importante proveedor del movimiento primordial del soul-jazz. Buckner salió de la era del swing como pianista y a veces como intérprete de cocktail lounge, quien fue capaz de transitar la línea entre los sonidos populares del día y el jazz más fascinante y sustantivo. El título Rockin' with Milt es apropiado, ya que estas melodías establecen el ritmo basado en rhythm & blues que Elvis Presley, Bill Haley y Chuck Berry convirtieron en el rock & roll seminal que se apoderó de la música popular y dancehall. Los saxofonistas que trabajan con Buckner en estas sesiones individuales son una selección interesante, teniendo en cuenta el lugar en el que finalmente aterrizaron sus carreras. Danny Turner era un saxofonista alto y tenor de Nueva York y uno de los favoritos de Sarah Vaughan y Count Basie, la sección de saxo del ex-Basie de Earle Warren fue favorablemente comparada con Earl Bostic, mientras que el saxofón tenor "Sam "The Man" Taylor" era bien conocido en los círculos del blues, también acompañando a Cab Calloway, Louis Jordan, y Ray Charles, pero podía columpiarse con los mejores. Los temas de las sesiones de Rockin' with Milt incluyen al bajista Wendell Marshall y al baterista de Duke Ellington Sam Woodyard, incluyendo cuatro originales de Buckner, como el basado en R&B "Movin' with Mitch", la flota "Slaughter on 125th Street" y la linda melodía al unísono de órgano y saxofón "Little Miss Maudlin". Boppers como el veloz "Bernie's Tune" y el desenfadado "Robbins Nest" son clásicos del hardcore. Con el piano y el órgano sobredoblando, Buckner sólo utiliza guitarristas y compañeros de ritmo de bajo/batería para el stomping "Hey Now, Zorina! y originales como los teclados que se llaman unos a otros en "Count's Basement", la barajada "Wild Scene" y mucho después de la medianoche "Mighty Low". Warren entra con notas pronunciadas, dobladas y planas en "Night Mist" de Ahmad Jamal y la encantadora y romántica "Dinner Date". Sam "The Man" Taylor y el valiente guitarrista Skeeter Best beben champán y chocolate respectivamente sobre las melodías blues de "Good Time Express" y el jive "Second Section". Las sesiones del LP Send Me Softly son claramente más inducidas por el cóctel o el martini que por la cerveza o la cerveza negra, con un poco de calypso ligero, cha cha cha, música de fondo indiferente y temas de arrepentimiento o soledad. "Todo o nada en absoluto" es un misterioso y único tratamiento latino de este estándar, mientras que la lectura sombría de Warren de "Lullaby of the Leaves" le dejará sin aliento. "Nuestro día de compromiso" es un tema sentimental que las nupcias deben descubrir. El bajista maestro Milt Hinton está en todo el segundo CD, y proporciona un buen estudio en ritmo y swing de apoyo para aquellos que están aprendiendo el idioma. Aparte de los contrastes del piano tintineante en vez de los acordes del órgano de apuñalamiento en "One O'Clock Jump", o el lento y delgado "Blue & Sentimental", Buckner es regular y predecible para aquellos que conocen su trabajo. Si no está familiarizado con el estilo de Buckner, las sorpresas abundan, especialmente considerando cómo su sonido Hammond excluiría el paladar sónico más legato de Wurlitzer o Farfisa que era demasiado lento para la improvisación de jazz en los años 60. Como hay muy pocas grabaciones de Milt Buckner en los catálogos contemporáneos, esto es lo más cercano a su período esencial que está disponible. ~ Michael G. Nastos, Guía de Música

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Mickey Baker • Guitar

Biography by Richie Unterberger

Of all the guitarists who helped transform rhythm & blues into rock & roll, Mickey Baker was one of the very most important, ranking almost on the level of Chuck Berry and Bo Diddley. The reason he wasn't nearly as well known as those legends is that a great deal of his work wasn't issued under his own name, but as a backing guitarist for many R&B and rock & roll musicians. Baker originally aspired to be a jazz musician, but turned to calypso, mambo, and then R&B, where the most work could be found.

In the early and mid-'50s, he did countless sessions for Atlantic, King, RCA, Decca, and OKeh, playing on such classics as the Drifters' "Money Honey" and "Such a Night," Joe Turner's "Shake, Rattle & Roll," Ruth Brown's "Mama, He Treats Your Daughter Mean," and Big Maybelle's "Whole Lot of Shakin' Going On." He also released a few singles under his own name, and made a Latin jazz-tinged solo album, Guitar Mambo.

Baker's best work, though, was recorded as half of the duo Mickey & Sylvia. Their hit "Love Is Strange," as well as several other unknown but nearly equally strong tracks, featured Baker's keening, bluesy guitar riffs, which were gutsier and more piercing than most anything else around in the late '50s. Mickey & Sylvia split in the late '50s (though they recorded off and on until the middle of the next decade), and Baker recorded his best solo album, the all-instrumental The Wildest Guitar. In 1961, he took the male spoken part (usually assumed to be Ike Turner) on Ike & Tina Turner's first hit, "It's Gonna Work Out Fine." Shortly afterwards he moved to France, making a few hard-to-find solo records and working with a lot of French pop and rock performers, including Ronnie Bird, the best '60s French rock singer. He recorded only sporadically after the mid-'60s. Mickey Baker died at his home in Montastruc-la-Conseillère, France on November 27, 2012, at the age of 87. http://www.allmusic.com/artist/mickey-baker-mn0000476054/biography

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Compilado de este extraordinario guitarrista, que se reparte entre interpretaciones propias y como acompañante.

Biografía de Richie Unterberger

De todos los guitarristas que ayudaron a transformar el rhythm & blues en rock & roll, Mickey Baker fue uno de los más importantes, situándose casi al nivel de Chuck Berry y Bo Diddley. La razón por la que no era tan conocido como esas leyendas es que gran parte de su trabajo no se publicó con su propio nombre, sino como guitarrista de apoyo para muchos músicos de R&B y rock & roll. Baker originalmente aspiraba a ser un músico de jazz, pero se dedicó al calypso, al mambo y luego al R&B, donde se encontraba la mayor parte de su trabajo.

A principios y mediados de los 50, hizo innumerables sesiones para Atlantic, King, RCA, Decca y OKeh, tocando en clásicos como "Money Honey" y "Such a Night" de los Drifters, "Shake, Rattle & Roll" de Joe Turner, "Mama, He Treats Your Daughter Mean" de Ruth Brown y "Whole Lot of Shakin' Going On" de Big Maybelle. También lanzó algunos sencillos bajo su propio nombre, e hizo un álbum en solitario con un toque de jazz latino, Guitar Mambo.

El mejor trabajo de Baker, sin embargo, fue grabado como la mitad del dúo Mickey & Sylvia. Su éxito "Love Is Strange", así como varios otros temas desconocidos pero casi igual de fuertes, presentaban los agudos riffs de guitarra de Baker, que eran más audaces y penetrantes que cualquier otra cosa de finales de los 50. Mickey & Sylvia se separaron a finales de los 50 (aunque grabaron de vez en cuando hasta mediados de la siguiente década), y Baker grabó su mejor álbum en solitario, el todo-instrumental The Wildest Guitar. En 1961, tomó la parte masculina hablada (normalmente asumida como Ike Turner) en el primer éxito de Ike & Tina Turner, "It's Gonna Work Out Fine". Poco después se mudó a Francia, haciendo algunos discos en solitario difíciles de encontrar y trabajando con muchos artistas franceses de pop y rock, incluyendo a Ronnie Bird, el mejor cantante de rock francés de los 60. Sólo grabó esporádicamente después de mediados de los 60. Mickey Baker murió en su casa de Montastruc-la-Conseillère, Francia, el 27 de noviembre de 2012, a la edad de 87 años. http://www.allmusic.com/artist/mickey-baker-mn0000476054/biography