Sonny Stitt • Black Vibrations

Sonny Stitt

Hijo de un profesor de música y hermano de un concertista de piano, el saxofonista tenor, Sonny Stitt (Boston, 1924), empezó a estudiar piano para después pasarse al clarinete y al contralto. Afincado en Saginaw, empezó a trabajar con Thad Jones, hasta que se trasladó con su familia a Detroit donde contacto con Mel Lewis y Lucky Thompson. En la ciudad de Newark, obtuvo algunos contratos intrascendentes y en aquélla época empezó a escuchar a Charlie Parker cuando el saxo alto de Kansas, trabajaba en la orquesta de Jay McShann.

Poco después conoció personalmente a "Bird" en Kansas City, donde ambos se juntaron para tocar en una sesión privada en la que Parker pudo comprobar lo que se decía de Sonny Stitt, (Miles Davis confirmó que Stitt tocaba como Parker, incluso antes de que este conociera al genio de Kansas). Entre 1945 y 1946 y en New York, tocó con Dizzy Gillespie, grabando varios temas para el sello "Musicraft" y tambien con el pianista, Bud Powell. A su vuelta a Detroit, tuvo que interrumpir su actividad a consecuencia de su adicción a la droga. Afortunadamente siguió un severo proceso de desintoxicación en Lexington y en 1949, ya estaba de vuelta a New York. Adoptó el saxo tenor en esta segunda etapa -probablemente tras comprobar que Parker era el rey indiscutible del saxo alto- y formó un pequeño grupo que codirigió con Gene Ammons, durante un par de años. 1949 fue tambien el año de su debut discográfico con el tema: "All God's Chillun Got Rhythm" (Prestige) un sello con el que grabó durante dos años (1949-1950) una serie de espléndidos discos.

A finales de los años cincuenta, fue contratado por el productor Norman Granz, para su famoso espectáculo "Jazz at the Philharmonic" con el que recorrió varios países europeos. En 1964 realizó otra importante gira, esta vez a Japón con un gran sexteto que incluía entre otros grandes músicos, a Jay Jay Johnson y Clark Terry. De vuelta a los Estados Unidos, formó un quinteto con Zoot Sims, de duración efímera. En 1971 fue llamado por George Wein para formar junto a Dizzy Gillespie, Kai Winding, Thelonious Monk, Al McKibbon y Art Blakey el sexteto "The Giants of Jazz" con el que realizó una larguísima y extensa gira por Nueva Zelanda, Australia, Japón, Israel y Europa con un resultado de critica y publico extraordinario. En 1974 participó en el Festival de Newport dentro del espectáculo "The Musical Life of Charlie Parker".

Claramente influenciado por Charlie Parker, la discografía de Sonny Stitt es abundantísima -grabó sólo a su nombre cerca de ciento cincuenta álbumes.

Su muerte en 1982 dejó un vacío importante entre los saxofonistas importantes del jazz.

///////

Artist Biography by Bob Porter

Charlie Parker has had many admirers and his influence can be detected in numerous styles, but few have been as avid a disciple as Sonny Stitt. There was almost note-for-note imitation in several early Stitt solos, and the closeness remained until Stitt began de-emphasizing the alto in favor of the tenor, on which he artfully combined the influences of Parker and Lester Young. Stitt gradually developed his own sound and style, though he was never far from Parker on any alto solo. A wonderful blues and ballad player whose approach influenced John Coltrane, Stitt could rip through an up-tempo bebop stanza, then turn around and play a shivering, captivating ballad. He was an alto saxophonist in Tiny Bradshaw's band during the early '40s, then joined Billy Eckstine's seminal big band in 1945, playing alongside other emerging bebop stars like Gene Ammons and Dexter Gordon. Stitt later played in Dizzy Gillespie's big band and sextet. He began on tenor and baritone in 1949, and at times was in a two-tenor unit with Ammons. He recorded with Bud Powell and J.J. Johnson for Prestige in 1949, then did several albums on Prestige, Argo, and Verve in the '50s and '60s. Stitt led many combos in the '50s, and re-joined Gillespie for a short period in the late '50s. After a brief stint with Miles Davis in 1960, he reunited with Ammons and for a while was in a three-tenor lineup with James Moody. During the '60s, Stitt also recorded for Atlantic, cutting the transcendent Stitt Plays Bird, which finally addressed the Parker question in epic fashion. He continued heading bands, though he joined the Giants of Jazz in the early '70s. This group included Gillespie, Art Blakey, Kai Winding, Thelonious Monk, and Al McKibbon. Stitt did more sessions in the '70s for Cobblestone, Muse, and others, among them another definitive date, Tune Up. He continued playing and recording in the early '80s, recording for Muse, Sonet, and Who's Who in Jazz. He suffered a heart attack and died in 1982.

 

 

 

Leon Spencer ‎• Legends of Acid Jazz

 

This collection showcases Leon Spencer, a Houston native who recorded four Prestige albums in the early '70s. The first six tracks are from Sneak Preview!, the organist's 1970 label debut, the others from its more commercially oriented follow-up, 1971's Louisiana Slim. State-of-the-art soul-jazz personnel includes tart-toned trumpeter Virgil Jones and up-and-coming tenor sax star Grover Washington, Jr. Born on November 1, 1945, Spencer came up on piano, switching to organ when he heard Jimmy Smith in person. He had a unique style: while flashy on top, he leavened it with an unusually authoritative left hand, creating countermelodies in the bass where most organists could only create counterpoint. The standouts here are Spencer's bluesy "The Slide," a juicy take on the Meters' "Message from the Meters," Spencer's ballad "Our Love Will Never Die" (check out Sparks's delightfully florid solo and Washington's sweet flute), and his richly vernacular "Louisiana Slim."

///////

Esta colección muestra a Leon Spencer, un nativo de Houston que grabó cuatro álbumes de Prestige a principios de los años 70. Las primeras seis canciones son de Sneak Preview!, El debut en la etiqueta del organista en 1970, las otras de su seguimiento más orientado comercialmente, el de Louisiana Slim de 1971. El personal de vanguardia del soul-jazz incluye al trompetista de tono agridulce Virgil Jones y al prometedor teniente saxofonista Grover Washington, Jr. Nacido el 1 de noviembre de 1945, Spencer subió al piano y cambió al órgano cuando escuchó a Jimmy Smith en persona. Tenía un estilo único: aunque llamativo en la parte superior, lo fermentó con una mano izquierda inusualmente autorizada, creando contra melodías en el bajo donde la mayoría de los organistas solo podían crear contrapunto. Los destacados aquí son el bluesy "The Slide" de Spencer, una jugosa toma del "Message from the Meters" de los Meters, "La balada de Spencer" Nuestro amor nunca morirá "(echa un vistazo al encantador solo florido de Sparks y la dulce flauta de Washington), y su rico vernáculo "Louisiana Slim".

Houston Person • Legends of Acid Jazz

 

Review by Chris Slawecki  
Houston Person was among the guttiest of the gutbucket saxophonists of the soul-jazz golden age -- for proof, look no further than Legends of Acid Jazz: Houston Person, which compiles two of the saxman's most popular releases, Person to Person! and Houston Express (both originally released in 1970). Express featured the "funkmaster general" of the tenor saxophone with a tight, pocket-sized ensemble (including guitarist Grant Green and drummer Idris Muhammad), while, on Person!, his supporting ensemble expanded to include trumpet players Cecil Bridgewater and Thad Jones, guitarist Billy Butler and another kindred spirit and prince of funk on his instrument, Motown bassist Gerry Jemmott.

Legends of Acid Jazz: Houston Person provides a high-voltage cover version extravaganza, including "(For God's Sake) Give More Power to the People" (the Chi-Lites), "Close to You" (the Carpenters), "Yester-Me, Yester-You, Yester-Day" (Stevie Wonder), "Young, Gifted and Black" (Aretha Franklin), "Just My Imagination" (the Temptations), and "Lift Every Voice and Sing," which Person describes in his liner notes as the "black national anthem." Person and friends turn every one of these, and others such as his own "Up at Joe's, Down at Jim's" and his trademark "The Houston Express" into stinging, swinging, original-sounding opuses of funk.
https://www.allmusic.com/album/legends-of-acid-jazz-mw0000615833

///////

Reseña de Chris Slawecki  
Houston Person fue uno de los saxofonistas más agresivos de la época dorada del soul-jazz. Para comprobarlo, no hay más que ver Legends of Acid Jazz: Houston Person, que recopila dos de los lanzamientos más populares del saxofonista, Person to Person! y Houston Express (ambos publicados originalmente en 1970). Express presentaba al "funkmaster general" del saxofón tenor con un conjunto ajustado y de bolsillo (que incluía al guitarrista Grant Green y al batería Idris Muhammad), mientras que, en Person!, su conjunto de apoyo se ampliaba para incluir a los trompetistas Cecil Bridgewater y Thad Jones, al guitarrista Billy Butler y a otro espíritu afín y príncipe del funk en su instrumento, el bajista de la Motown Gerry Jemmott.

Leyendas del Acid Jazz: Houston Person ofrece una extravagancia de versiones de alto voltaje, incluyendo "(For God's Sake) Give More Power to the People" (los Chi-Lites), "Close to You" (los Carpenters), "Yester-Me, Yester-You, Yester-Day" (Stevie Wonder), "Young, Gifted and Black" (Aretha Franklin), "Just My Imagination" (los Temptations), y "Lift Every Voice and Sing", que Person describe en sus notas como el "himno nacional negro". "Person y sus amigos convierten cada una de estas canciones, y otras como la suya propia "Up at Joe's, Down at Jim's" y su característica "The Houston Express", en punzantes y originales opus de funk.
https://www.allmusic.com/album/legends-of-acid-jazz-mw0000615833

 

Eric Gale • Touch of Silk

 

Review by Thom Jurek
In 1980, guitarist and composer Eric Gale came off the commercial success of 1979's Part of You (produced by Ralph MacDonald) and didn't do the obvious thing. Rather than make another record that swung for the smooth jazz fences, he made a darker, deeper, funkier, and bluesier album with legendary New Orleans producer Allen Toussaint. The sessions included the cream of the Crescent City's jazz-funk crop as well as mates Charlie Earland, Grover Washington, Jr., and Idris Muhammad, three of soul-jazz's greatest lights -- with special guest Arthur Blythe on the Charlie Parker nugget "Au Privave" as a curve ball. Toussaint wrote four of the album's seven tracks, and they range from the murky blue soul-jazz of "You Got My Life in Your Hands" to the sweet, boudoir-perfect urban-styled title track. Gale is a consummate soloist, full of lilting and biting grooves, with stunning phrasing that maximizes the rhythmic effect of his high strings (such as on "War Paint"), and he never plays an extra note. The beautiful ballad "With You I'm Born Again" has Washington playing some of his most haunting soprano, and the wildly funked-up "Au Privave," a holdover from the bop generation that keeps its original flavor despite the three-instrument front line of Earland's B-3, Blythe's alto, and Gale's chunky bottom strings (which are accented in his comping through the changes), is nothing short of astonishing. This is one of the great versions of the tune, especially in this modern context, and offers solid proof of Gale's bebop roots.
https://www.allmusic.com/album/touch-of-silk-mw0000740343

///////////

Reseña de Thom Jurek
En 1980, el guitarrista y compositor Eric Gale salió del éxito comercial de Part of You (producido por Ralph MacDonald) de 1979 y no hizo lo obvio. En lugar de hacer otro disco que se decantara por el smooth jazz, hizo un álbum más oscuro, profundo, funky y blues con el legendario productor de Nueva Orleans Allen Toussaint. Las sesiones incluyeron a la flor y nata de la cosecha de jazz-funk de la ciudad de la Media Luna, así como a sus compañeros Charlie Earland, Grover Washington, Jr. e Idris Muhammad, tres de las mayores luminarias del soul-jazz, con el invitado especial Arthur Blythe en la pieza de Charlie Parker "Au Privave" como pelotazo. Toussaint escribió cuatro de los siete temas del álbum, que van desde el turbio soul-jazz azul de "You Got My Life in Your Hands" hasta la dulce y perfecta canción urbana del título. Gale es un solista consumado, lleno de ritmos cadenciosos y mordaces, con un fraseo impresionante que maximiza el efecto rítmico de sus cuerdas altas (como en "War Paint"), y nunca toca una nota de más. La hermosa balada "With You I'm Born Again" tiene a Washington tocando algunas de sus más inquietantes sopranos, y la salvajemente funked-up "Au Privave", un remanente de la generación del bop que mantiene su sabor original a pesar de la línea frontal de tres instrumentos de Earland B-3, Blythe alto, y las cuerdas bajas gruesas de Gale (que se acentúan en su composición a través de los cambios), es nada menos que sorprendente. Esta es una de las grandes versiones de la melodía, especialmente en este contexto moderno, y ofrece una sólida prueba de las raíces bebop de Gale.
https://www.allmusic.com/album/touch-of-silk-mw0000740343

Lou Bennett • Now Hear My Meaning

"Lou Bennett began as a bop pianist, then switched to organ and became a solid player in the late '50s. With Jimmy Smith's virtuostic approach as inspiration, Bennett left piano behind in 1956, and toured the East and Midwest with his organ trio from 1957 through 1959. Bennett left America for Paris in 1960. He recorded there, played at the city's Blue Note club with Jimmy Gourley and fellow expatriate Kenny Clarke, who became one of his regulars alongside Rene Thomas. Bennett made only one return visit to America, appearing at the 1964 Newport Jazz Festival. He led his own group during the '80s." -All Music Guide

Review:

Seated in Europe for decades, this is the last album of a short but enjoyable discography. A two-day tour-de-force session recorded live in Barcelona, featuring the classic Lou Bennett sturdy soul-jazz organ, backed by saxophonist Abdu Salim, Ximo Tebar, a young straight-ahead bop guitar player from Valencia, and the funk master drumming of Idris Muhammad, altogether create a remarkably full sound atmosphere. A rare must have for collectors.

///////

Lou Bennett fue el nombre artístico de Jean-Louis Benoît (n. Filadelfia, Estados Unidos, 18 de mayo de 1926 - Le Chesnay, Francia, 10 de febrero de 1997), músico organista de jazz norteamericano.

Lou Bennett tocó primero bebop al piano en algunos locales de Baltimore hasta 1956 y se decide por consagrarse al órgano tras escuchar la música de Jimmy Smith.

Gira por Estados Unidos con un trío de órgano entre 1957 y 1959, y se traslada a París en 1960 para iniciar su carrera europea, allí toca y graba en Blue Note con Jimmy Gourley y Kenny Clarke, así como con René Thomas, volverá solo en una ocasión a América, al Newport Jazz Festival de 1964.

Grabó además en los años 60 con Philip Catherine y Franco Manzecchi. En los años 80 tocó en su propio quinteto junto a Gerard Badini, entre otros, en ese período realizó giras por España, pasando por escenarios de Almería, Barcelona, La Coruña, Segovia y Madrid. En 1966 graba un disco junto a la cantante catalana Núria Feliu: Núria Feliu amb Lou Bennett i els seus amics y su disco Now hear my meaning editado en 1993 fue grabado en vivo en Barcelona.

Revisión:
Sentado en Europa durante décadas, este es el último álbum de una discografía corta pero agradable. Una sesión de dos días de tour-de-force grabada en vivo en Barcelona, con el clásico Lou Bennett, el robusto órgano de soul-jazz, respaldado por el saxofonista Abdu Salim, Ximo Tebar, un joven guitarrista de Valencia, y el maestro del funk. Los tambores de Idris Muhammad crean una atmósfera de sonido notablemente completa. Un raro debe tener para los coleccionistas.

Randy Weston • The Spirits of Our Ancestors

 

The Spirits of Our Ancestors is a studio album by jazz pianist Randy Weston, recorded in May 1991 at BMG Studios in New York and released in 1992 on the Antilles/Verve label. The album is a collaborative work between Weston and arranger Melba Liston and features an expanded ensemble including major jazz figures such as Dizzy Gillespie, Pharoah Sanders, Dewey Redman and Idris Muhammad. The concept of the recording was to celebrate African musical roots and honor musical ancestors, blending African, Moroccan and American jazz traditions.

 

Randy Weston • African Sunrise

 

A 1992 jazz release on Verve featuring selections from The Spirits of Our Ancestors, focusing on extended, African-influenced jazz compositions by pianist and composer Randy Weston. The material was recorded in May 1991 and brings together a large ensemble with powerful arrangements rooted in African rhythms and jazz tradition. 

The Chartbusters • Mating Call

 

Review by Steven McDonald
Something of a jazz superstar collective, the Chartbusters are rooted in Dr. Lonnie Smith's swirling Hammond B3 and Idris Muhammad's nimble drumming, giving the album a solid rhythmic foundation from which the players seem reluctant to move -- the album has something in the way of swing, but never falls sincerely into the looser improvisational areas that might have provided some real spice. Still, the horn work from Craig Handy, Donald Harrison and Randy Brecker is solid, enjoyable playing, while guitarist David Fiuczynski takes a couple of opportunities to show what he can do. Pleasant enough, but it could really have used a few teeth. 
https://www.allmusic.com/album/mating-call-mw0000186535

///////

Reseña de Steven McDonald
Los Chartbusters, una especie de colectivo de superestrellas del jazz, se basan en el vertiginoso Hammond B3 del Dr. Lonnie Smith y la ágil batería de Idris Muhammad, lo que le da al álbum una sólida base rítmica de la que los músicos parecen reacios a alejarse: el álbum tiene algo de swing, pero nunca cae sinceramente en las áreas de improvisación más libres que podrían haberle dado un toque realmente especial. Aun así, el trabajo de los instrumentos de viento de Craig Handy, Donald Harrison y Randy Brecker es sólido y agradable, mientras que el guitarrista David Fiuczynski aprovecha un par de oportunidades para demostrar lo que sabe hacer. Es bastante agradable, pero realmente le habría venido bien un poco más de garra. 
https://www.allmusic.com/album/mating-call-mw0000186535


thechartbusters-jazz ...

Bill Mason • Gettin' Off

 

Originally Hailing From Columbus, Ohio, Where He Was Born In July 1948, Bill Mason, The Son Of A Baptist Minister, Had First Learnt Music In Church. Starting Out On Piano He Switched To Organ In His Late Teens. Mason Had Come To Bob Porter's Attention When As Part Of The Bryant Group He Recorded At Prestige On Two Sessions In 1971. Bill Mason Proves Himself A Formidable Leader With His Solo Album, The Aptly Titled Jazz-funk Outing gettin' Off'. The Album's Physicality Is Astounding, Mason Is An Extraordinary Soulful Hammond Organist, Conjuring Spiraling, Spellbinding Grooves That Seem To Grow Deeper And More Relentless With Each Successive Track. He Also Proves His Talent As A Composer With Originals Like "mister Jay" And The Scorching Title Cut Standing Tall Alongside Covers Highlighted By Al Green's Immortal "let's Stay Together".
Gettin' Off Features Idris Muhammad On Drums, Which Means A Frenzy Of Funky Jb-influenced Over-the-top Soul-jazz Drumming. Featured On Bass Is The Legendary Gordon Edwards (known For His Work With James Brown, Weldon Irvine, Funk Inc., Aretha Franklin, Etc.) And Saxophone Duties Are Handled By Hubert Laws (quincy Jones, Gil Scott Heron, Moondog).
All Of The Above Is Carefully Overseen By Engineer Rudy Van Gelder & Producer Bob Porter (known For Their Work With Herbie Hancock, Coltrane, Thelonious Monk, Miles Davis...and Many Others). Bill Mason's First (and Only) Album Was Originally Released In 1972 On Eastbound Records, Super Rare And Fetching Large Sums On The Collectors Market.
https://www.deejay.de/Bill_Mason_Gettin_Off_TWM18_Vinyl__321951

///////

Originario de Columbus, Ohio, donde nació en julio de 1948, Bill Mason, el hijo de un ministro bautista, había aprendido primero música en la iglesia. Empezando con el piano, cambió al órgano en su adolescencia. Mason llamó la atención de Bob Porter cuando, como parte del grupo Bryant, grabó en dos sesiones en 1971. Bill Mason demostró ser un líder formidable con su álbum solista, The Aptly Titled Jazz-funk Outing gettin' Off'. La física del álbum es asombrosa, Mason es un extraordinario organista Hammond, conjurando espirales, hechizando surcos que parecen crecer más profundos e implacables con cada pista sucesiva. También demuestra su talento como compositor con originales como "Mr. Jay" y el abrasador título cortado en alto junto a portadas destacadas por el inmortal "Let's Stay Together" de Al Green.

En "Gettin' Off" aparece Idris Muhammad en la batería, lo que significa un frenesí de tambores Soul-jazz influenciados por el Funky Jb. En el bajo aparece el legendario Gordon Edwards (conocido por su trabajo con James Brown, Weldon Irvine, Funk Inc., Aretha Franklin, etc.) Y los deberes de saxofón son manejados por Hubert Laws (Quincy Jones, Gil Scott Heron, Moondog).
Todo lo anterior es cuidadosamente supervisado por el ingeniero Rudy Van Gelder y el productor Bob Porter (conocido por su trabajo con Herbie Hancock, Coltrane, Thelonious Monk, Miles Davis... y muchos otros). El primer (y único) álbum de Bill Mason fue lanzado originalmente en 1972 en Eastbound Records, Super Rare and Fetching Large Sums On The Collectors Market.
https://www.deejay.de/Bill_Mason_Gettin_Off_TWM18_Vinyl__321951

 

 

 

 

 

Walter Bishop Jr. • Coral Keys

 

The keys are coral, and the sound is sublime – one of the greatest albums ever from pianist Walter Bishop Jr, and proof that he can really stretch out, given the right setting!

The piano here is all acoustic, but there's an almost-electric vibe to the date – long, open tracks that sway and swell with some great spiritual energy – made even more wonderful by work from reedman Harold Vick, who plays tenor, flute, and soprano sax on the record – and makes it one of his best recordings ever!

The reedwork alone is worth the price of admission – but the rhythms are also great too – a mix of soulful, modal, and some slight funky bits – handled by Reggie Johnson on bass, and either Idris Muhammad or Alan Benger on drums - Woody Shaw plays trumpet on some cuts, too.
https://www.jazzmessengers.com/it/92581/walter-bishop-jr/coral-keys

///////

Las teclas son de coral y el sonido es sublime: uno de los mejores álbumes del pianista Walter Bishop Jr - y la prueba de que realmente puede dar lo mejor de sí mismo cuando se le brinda el entorno adecuado.

El piano aquí es totalmente acústico, pero hay un ambiente casi eléctrico en la grabación: temas largos y abiertos que se balancean y crecen con una gran energía espiritual, que se vuelve aún más maravillosa gracias al trabajo del saxofonista Harold Vick, que toca el saxo tenor, la flauta y el saxo soprano en el disco, ¡y lo convierte en una de sus mejores grabaciones!

Solo por el trabajo de los instrumentos de viento ya vale la pena comprarlo, pero los ritmos también son geniales, una mezcla de soul, modal y algunos toques funky, a cargo de Reggie Johnson al bajo e Idris Muhammad o Alan Benger a la batería - Woody Shaw también toca la trompeta en algunos temas.
https://www.jazzmessengers.com/it/92581/walter-bishop-jr/coral-keys

Bobbi Humphrey • Flute-In

Artist Biography by Stephen Thomas Erlewine
Bobbi Humphrey is a jazz flautist whose musical tastes lean toward fusion and smooth jazz-pop. From the outset of her career, Humphrey was quite popular, winning a large crossover audience with her pop-oriented jazz-fusion. Throughout her career, her popularity exceeded her critical acclaim, but she received high marks for her technique and showmanship. Audiences stayed with Humphrey for decades, buying her records and attending her concerts from the Montreux Festival to Carnegie Hall.
Although Bobbi Humphrey was born in Marlin, TX, she was raised in Dallas. She began playing flute in high school and continued her studies at Texas Southern University and Southern Methodist University. Dizzy Gillespie saw Humphrey play at a talent contest at Southern Methodist and, impressed with what he had heard, he urged her to pursue a musical career in New York City. She followed through on his advice, getting her first big break performing at the Apollo Theater on amateur night. Shortly afterward, she began playing regularly throughout the city, including a gig with Duke Ellington.
Humphrey signed with Blue Note in 1971. Her smooth blend of jazz, funk, pop, and R&B fit in well with the new sound of Blue Note, and her six albums for the label -- Flute In, Dig This, Blacks and Blues, Satin Doll, Live at Montreux, and Fancy Dancer -- were all successes. In particular, 1973's Blacks and Blues was a rousing success, earning her a crossover pop and R&B audience. That same year, she played the Montreux Festival in Switzerland. In 1976, she was named Best Female Instrumentalist by Billboard. The following year, she switched record labels, signing with Epic and releasing Tailor Made that same year. She also played on Stevie Wonder's platinum album Songs in the Key of Life in 1977.
Tailor Made was the first of three albums for Epic Records; Freestyle followed in 1978 and The Good Life appeared about a year afterward. During the '80s, Humphrey continued to perform regularly, even if she didn't record often. She returned to recording in 1989, releasing City Beat on Malaco Records. Five years later, Passion Flute appeared on her own Paradise Sounds label, where she is President and C.E.O.

 

///////

 

Biografía del artista por Stephen Thomas Erlewine
Bobbi Humphrey es una flautista de jazz cuyos gustos musicales se inclinan hacia la fusión y el jazz-pop suave. Desde el principio de su carrera, Humphrey fue bastante popular, ganando un gran público con su jazz-fusión orientado al pop. A lo largo de su carrera, su popularidad superó el reconocimiento de la crítica, pero recibió altas calificaciones por su técnica y espectáculo. El público siguió a Humphrey durante décadas, comprando sus discos y asistiendo a sus conciertos desde el Festival de Montreux hasta el Carnegie Hall.
Aunque Bobbi Humphrey nació en Marlin, Texas, se crió en Dallas. Empezó a tocar la flauta en el instituto y continuó sus estudios en la Texas Southern University y la Southern Methodist University. Dizzy Gillespie vio a Humphrey tocar en un concurso de talentos en la Southern Methodist e, impresionado por lo que había oído, la instó a seguir una carrera musical en Nueva York. Ella siguió su consejo y consiguió su primera gran oportunidad actuando en el Teatro Apollo en una noche de aficionados. Poco después, empezó a tocar con regularidad por toda la ciudad, incluida una actuación con Duke Ellington.

Humphrey firmó con Blue Note en 1971. Su suave mezcla de jazz, funk, pop y R&B encajaba bien con el nuevo sonido de Blue Note, y sus seis álbumes para el sello -Flute In, Dig This, Blacks and Blues, Satin Doll, Live at Montreux y Fancy Dancer- fueron todos un éxito. En particular, Blacks and Blues, de 1973, fue un éxito rotundo, que le valió una audiencia de pop y R&B transversal. Ese mismo año actuó en el Festival de Montreux, en Suiza. En 1976, fue nombrada mejor instrumentista femenina por Billboard. Al año siguiente, cambió de sello discográfico, firmando con Epic y publicando Tailor Made ese mismo año. También tocó en el álbum de platino de Stevie Wonder Songs in the Key of Life en 1977.

Tailor Made fue el primero de tres álbumes para Epic Records; Freestyle le siguió en 1978 y The Good Life apareció aproximadamente un año después. Durante los años 80, Humphrey siguió actuando con regularidad, aunque no grabara a menudo. Volvió a grabar en 1989, publicando City Beat en Malaco Records. Cinco años más tarde, Passion Flute apareció en su propio sello Paradise Sounds, del que es presidenta y consejera delegada.

 

Harold Mabern • Wailin'

 

www.instagram.com/haroldmabern ...

Essence All Stars • Organic Grooves

Review 1
"...It's a fun jam - cool and hip....the session smolders with B-3 fuel..."
Down Beat (2/97, p.49) - 3 Stars (out of 5)

Review 2
The Essence All Stars' Organic Grooves finds the group turning out good, if unexceptional, hard bop performances of songs by Larry Young ("Luny Tune"), Tina Brooks ("True Blue"), Lenny White ("Old Wine New Bottles") and Hank Mobley ("Smokin'").
- Stephen Thomas Erlewine, All Music Guide

 

///////

 

Reseña 1
"...Es una mermelada divertida - fresca y hipnótica - la sesión arde con el combustible del B-3..."
Down Beat (2/97, p.49) - 3 estrellas (de 5)

Reseña 2
The Essence All Stars' Organic Grooves encuentra al grupo haciendo buenas, aunque no excepcionales, interpretaciones hard bop de canciones de Larry Young ("Luny Tune"), Tina Brooks ("True Blue"), Lenny White ("Old Wine New Bottles") y Hank Mobley ("Smokin'").
- Stephen Thomas Erlewine, All Music Guide

VA • Jazz Dispensary The Dank D-Funk Blend Vol.1

 

Houston Person • The Real Thing

Artist Biography

Houston Person wears the Boss Tenor crown, worn so long by Gene Ammons. Mr. Person is busy working his own gigs; booking his tours, finding new clubs, having phone numbers for every major concert promoter on every continent. He even produces his own albums. His first big break came while working as a sideman with organist Johnny Hammond and his group, co-led by Etta Jones. Mr. Person's working relationship with Ms. Jones began in 1973 and lasted for thirty years, until her recent passing in 2001. Early gigs happened while serving in the Army overseas in Germany, where he played with Eddie Harris, Cedar Walton and others. On Mr. Person's philosophy of jazz, he says, “Well, it's uplifting and important. And a release and a relief. That's what it is, jazz, so called jazz, to me. It's important that it's relaxing. Something that when the end of the day comes, after a hard and frustrating day out in the world, that relieves you. Relaxes you and makes you feel good.” Mr Person adds that all he wants is to give people “good solid melodies with some improvisation and plenty of blues feel.” He smiles, “You always want that dance feeling there, that happy, happy feeling.”

https://musicians.allaboutjazz.com/houstonperson

///////

 

Biografía del artista

Houston Person lleva la corona Boss Tenor, que tanto tiempo lleva Gene Ammons. El Sr. Person está ocupado trabajando en sus propios conciertos; reservando sus giras, buscando nuevos clubes, teniendo números de teléfono de todos los grandes promotores de conciertos en todos los continentes. Incluso produce sus propios álbumes. Su primera gran oportunidad llegó cuando trabajaba como acompañante con el organista Johnny Hammond y su grupo, co-dirigido por Etta Jones. La relación de trabajo del Sr. Person con la Sra. Jones comenzó en 1973 y duró treinta años, hasta su reciente fallecimiento en 2001. Los primeros conciertos tuvieron lugar mientras servía en el Ejército en el extranjero, en Alemania, donde tocó con Eddie Harris, Cedar Walton y otros. Sobre la filosofía del jazz del Sr. Person, dice: "Bueno, es edificante e importante. Y una liberación y un alivio. Eso es lo que es, el jazz, el llamado jazz, para mí. Es importante que sea relajante. Algo que cuando llega el final del día, después de un duro y frustrante día en el mundo, te alivia. Te relaja y te hace sentir bien". El Sr. Person añade que lo único que quiere es dar a la gente "buenas melodías sólidas con un poco de improvisación y un montón de sentimiento blues". Sonríe: "Siempre quieres ese sentimiento de baile, ese sentimiento de felicidad, de felicidad".

https://musicians.allaboutjazz.com/houstonperson

Richard ''Groove'' Holmes • Shippin' Out

Review by Scott Yanow
After cutting a few albums for Groove Merchant in 1972-73, organist Groove Holmes was largely away from records (other than an odd date for Flying Dutchman) until this set, his Muse debut. Back in a comfortable setting, heading a soul-jazz quintet that also includes tenor saxophonist Dave Schnitter (best known for his association with Art Blakey's Jazz Messengers), guitarist Steve Giordano, drummer Idris Muhammad and Buddy Caldwell on conga, Holmes explores a wider range of songs than usual. In addition to his basic blues "Shippin' Out," athe organist swings "Where or When," a faster-than-usual version of "Stella By Starlight," Chick Corea's "Windows" and even a credible interpretation of "Feelings." This fine Muse LP, which would be followed by several other rewarding efforts.

Grant Green • Live At Club Mozambique

Review by Thom Jurek

Live at Club Mozambique was, according to Bob Belden's liner notes, rumored to exist for decades in Blue Note's Grant Green discography, but was never released. His explanation as to why is satisfactory -- Green's star had waned considerably -- and makes some sense, but the label had 15 unissued albums by the guitarist by 1971. This date recorded at the famed Detroit jazz club (Green was living in the city at the time) is the second such set of grooves to be issued from the club floor -- Lonnie Smith's was the first. The band consists of Idris Muhammad, Ronnie Foster, Houston Person, and the all but unknown Clarence Thomas, and the two tenor saxophonists (Thomas also played soprano here) laid out heavy, deep funk on the tunes that were chosen. Foster and Muhammad were symbiotic as a rhythm section. Foster's grooving under-the-cover basslines matched the soul groove style of Muhammad. They locked onto Green and couldn't be shaken loose. Obviously created for an inner-city audience and the jukebox crowd, this set was recorded a scant five months after Alive!, but bites a lot harder. The tunes include a simmering read of the Clarence Carter vehicle "Patches" with Green stretching the melody to the breaking point, and the horn section fills egg him on. "One More Chance" was written by the Corporation (the Mizell Brothers) and recorded by the Jackson 5. It's got that soulful ballad sweetness just over the top of some sparkling chops -- Thomas' soprano here is a perfect foil to both Green and Person. Green's reliance on those low strings for his melody is special; it's meaty and stays in the pocket, allowing for more ensemble interplay -- though his solo is a thing to behold, all knotty yet still full of warmth and vigor. When he starts twinning with Foster near its end, the joy just bleeds from the speakers. The read of "Walk on By" is soulful without being overly ornate. Thomas' "Farid" and the opener, "Jan Jan," written by M. Davis (not Miles), are for the hard jazz fans here. The horn charts are tight and elaborate in their fashion, and Green pulls out the stops layering blues, jazz, and soulful funkiness into each of his lines. And to hear this rhythm section simmer and pop is glorious. Highly recommended.

///////

Reseña de Thom Jurek

Según las notas de Bob Belden, en la discografía de Grant Green de Blue Note se rumorea que existe desde hace décadas en Club Mozambique, pero nunca se publicó. Su explicación de por qué es satisfactoria -la estrella de Green había disminuido considerablemente- y tiene sentido, pero la disquera tenía 15 álbumes no publicados por el guitarrista en 1971. Esta fecha grabada en el famoso club de jazz de Detroit (Green vivía en la ciudad en ese momento) es el segundo de estos surcos que se emiten desde el suelo del club: el de Lonnie Smith fue el primero. La banda está formada por Idris Muhammad, Ronnie Foster, Houston Person, y el casi desconocido Clarence Thomas, y los dos saxofonistas tenor (Thomas también tocó aquí como soprano) presentaron un funk pesado y profundo en las melodías que fueron elegidas. Foster y Mahoma eran simbióticos como una sección rítmica. Las líneas de bajo bajo de Foster encajaban con el estilo soul groove de Muhammad. Se fijaron en Green y no se podían soltar. Obviamente creado para el público del centro de la ciudad y la gente de la rocola, este set fue grabado apenas cinco meses después de Alive! pero muerde mucho más fuerte. Las melodías incluyen una lectura a fuego lento del vehículo de Clarence Carter "Patches" con Green estirando la melodía hasta el punto de ruptura, y la sección de bocina lo llena de huevos. "One More Chance" fue escrito por la Corporación (los hermanos Mizell) y grabado por los Jackson 5. Tiene esa dulzura de balada conmovedora justo encima de unas costillas brillantes - la soprano de Thomas es un papel de aluminio perfecto tanto para Green como para Person. La dependencia de Green de esas cuerdas bajas para su melodía es especial; es carnosa y se mantiene en el bolsillo, lo que permite una mayor interacción con el conjunto, aunque su solo es algo digno de contemplar, todo nudoso pero aún así lleno de calidez y vigor. Cuando empieza a hermanarse con Foster cerca de su fin, la alegría se desangra por los altavoces. La lectura de "Walk on By" es conmovedora sin estar demasiado ornamentada. El "Farid" de Thomas y el "Jan Jan", escrito por M. Davis (no Miles), son para los fans del hard jazz aquí. Las cartas de trompa son apretadas y elaboradas en su forma, y Green saca las paradas superponiendo blues, jazz, y funkiness soulful en cada una de sus líneas. Y escuchar esta sección rítmica hervir a fuego lento y pop es glorioso. Altamente recomendado. 

Grant Green • Carryin' On

Review by Steve Huey

Reissued on CD as part of Blue Note's Rare Groove series, Carryin' On was Grant Green's first album for Blue Note since 1965, an absence of four years during which he recorded just two albums for other labels. Green's return was accompanied by a seismic shift in direction -- Carryin' On was an album of commercially accessible jazz-funk with a heavy R&B influence, plus miles and miles of Fender Rhodes electric piano. It would typify Green's approach over the next few years, which later made him a hero among acid-jazz aficionados, even though it was the last thing purists wanted to hear from him. Those audiences will certainly be split over Carryin' On, whose entire first half is devoted to R&B covers -- the Meters' "Ease Back"; Little Anthony & the Imperials' doo wop standard "Hurt So Bad"; and a tense, barely recognizable version of James Brown's "I Don't Want Nobody to Give Me Nothing." The hottest soloing comes on Green's original "Upshot," and closer "Cease the Bombing" -- though it has no lyrics -- has all the hallmarks of a starry-eyed save-the-world anthem, yet was later covered by Pucho & the Latin Soul Brothers. The presence of Brown-inspired funky drummer Idris Muhammad virtually guarantees a load of sample-ready breakbeats, and Green and the rest of the mostly anonymous sextet work a simmering groove over his propulsive rhythms. Green's playing features more chordal work than usual, but gets very bluesy when he does grab the spotlight. While it won't win over fans of Green's older work, Carryin' On is a solid addition to any acid-jazz/funk/rare-groove library, as are most of Green's albums from this period.

///////

Reseña de Steve Huey

Reeditado en CD como parte de la serie Rare Groove de Blue Note, Carrying On fue el primer álbum de Grant Green para Blue Note desde 1965, una ausencia de cuatro años durante los cuales grabó sólo dos álbumes para otros sellos. El regreso de Green fue acompañado por un cambio sísmico en la dirección - Carrying On fue un álbum de jazz-funk comercialmente accesible con una fuerte influencia de R&B, además de millas y millas de piano eléctrico de Fender Rhodes. Esto tipificaría el enfoque de Green en los próximos años, lo que lo convirtió en un héroe entre los aficionados al jazz ácido, aunque era lo último que los puristas querían escuchar de él. Esas audiencias se dividirán en torno a Carrying On, cuya primera parte está dedicada a las portadas de R&B: "Ease Back" de los Meters; "Hurt So Bad", de Little Anthony & the Imperials; y una versión tensa y apenas reconocible de "I Don't Want Nobody to Give Me Nothing", de James Brown. El solo más caliente llega en el original de Green "Upshot", y más cerca "Cease the Bombing" -aunque no tiene letra- tiene todas las características de un himno de ojos estrellados para salvar al mundo, pero más tarde fue cubierto por Pucho & the Latin Soul Brothers. La presencia del baterista funky de inspiración marrón Idris Muhammad garantiza virtualmente una carga de breakbeats listos para la muestra, y Green y el resto del sexteto, en su mayoría anónimo, trabajan con un ritmo a fuego lento sobre sus ritmos propulsivos. Green toca más acordes de lo habitual, pero se pone muy azul cuando se convierte en el centro de atención. Aunque no se ganará a los fans de los trabajos más antiguos de Green, Carrying On es una sólida adición a cualquier biblioteca de acid-jazz/funk/rare-groove, como lo son la mayoría de los álbumes de Green de este periodo.

Grant Green • Green is Beautiful

Review by Steve Huey

The second album of Grant Green's thorough jazz-funk makeover, Green Is Beautiful finds the guitarist growing more comfortable with harder, funkier R&B than he seemed on the softer-hued Carryin' On. The switch from Fender Rhodes electric piano back to the more traditional Hammond organ certainly helps give the session a little extra grit, but it doesn't return Green to the land of soul-jazz by any means. Green Is Beautiful is still explicitly commercial and accessible to non-jazz audiences, and (purist objections notwithstanding) that's not necessarily a bad thing. Green's take on James Brown's "Ain't It Funky Now" is one of the funkiest items in his rare-groove period; it may be chordally very simple, but the groove is tight and percolating, and Green, tenor saxophonist Claude Bartee, and trumpeter Blue Mitchell all come up with hot, exciting solos. The album also benefits from Green's discovery of composer and occasional organist Earl Neal Creque, who contributes two bright, slinky, horn-driven originals: "The Windjammer," which became one of the signature tunes of Green's late period, and "Dracula." They help give the album a more original voice, and indicate that Green was actively making himself at home in his new musical environment, not just mixing dull originals with phoned-in covers of pop and R&B hits (as he and many other '70s Blue Note artists were accused of doing). Of course, there are still pop covers present -- the Beatles' "A Day in the Life" is a mellow, mid-tempo groove, and Bacharach's "I'll Never Fall in Love Again" doesn't stray far from the melody. Even if those aren't particularly distinctive, the remainder of Green Is Beautiful proves that Green's reinvention as a jazz-funk artist wasn't the misguided disaster it was initially made out to be.

https://www.allmusic.com/album/green-is-beautiful-mw0000623413

///////

Reseña de Steve Huey

El segundo álbum de Grant Green, Green Is Beautiful, es un profundo cambio de imagen de jazz-funk, que encuentra al guitarrista cada vez más cómodo con un R&B más duro y funky de lo que parecía en el más suave Carryin' On. El cambio del piano eléctrico Fender Rhodes al órgano Hammond más tradicional ayuda a dar a la sesión un poco más de garra, pero no devuelve a Green a la tierra del soul-jazz de ninguna manera. Green Is Beautiful sigue siendo explícitamente comercial y accesible para el público no jazzístico, y (a pesar de las objeciones puristas) eso no es necesariamente algo malo. La versión de Green de "Ain't It Funky Now" de James Brown es uno de los temas más funky de su período de rarezas; puede ser muy simple, pero el ritmo es apretado y penetrante, y Green, el saxofonista tenor Claude Bartee, y el trompetista Blue Mitchell, todos vienen con calientes y excitantes solos. El álbum también se beneficia del descubrimiento de Green del compositor y organista ocasional Earl Neal Creque, que contribuye con dos brillantes y estilizados originales de trompeta: "The Windjammer", que se convirtió en una de las melodías distintivas del último período de Green, y "Drácula". Ayudan a dar al álbum una voz más original, e indican que Green se sentía activamente a gusto en su nuevo entorno musical, no sólo mezclando aburridos originales con portadas de éxitos pop y R&B (como se le acusó a él y a muchos otros artistas de Blue Note de los 70). Por supuesto, todavía hay covers pop presentes - "A Day in the Life" de los Beatles es una melodía suave y de ritmo medio, y "I'll Never Fall in Love Again" de Bacharach no se aleja mucho de la melodía. Incluso si no son particularmente distintivas, el resto de "Green Is Beautiful" prueba que la reinvención de Green como artista de jazz-funk no fue el desastre equivocado que inicialmente se pensaba.

https://www.allmusic.com/album/green-is-beautiful-mw0000623413

Leon Spencer • Where Im Coming From

Leon Spencer (1945 - March 11, 2012) was an American acid jazz / soul jazz organist born in Houston, Texas. He played piano with David Newman, and later organ with Melvin Sparks.
Spencer is best known for his albums for the Prestige Records label in the early 1970s, i.e. Sneak Preview (1970) Louisiana Slim (1971) and Where I'm Coming From (1973). Some of the musicians who appeared with him on these albums include Grover Washington, Jr., Idris Muhammad, Melvin Sparks and Buddy Caldwell.

 

///////

 

Leon Spencer (1945 - 11 de marzo de 2012) fue un organista estadounidense de acid jazz / soul jazz nacido en Houston, Texas. Tocó el piano con David Newman, y más tarde el órgano con Melvin Sparks.
Spencer es más conocido por sus álbumes para el sello Prestige Records a principios de la década de 1970, es decir, Sneak Preview (1970) Louisiana Slim (1971) y Where I'm Coming From (1973). Algunos de los músicos que aparecieron con él en estos álbumes son Grover Washington, Jr, Idris Muhammad, Melvin Sparks y Buddy Caldwell.