David Newman • The Many Facets Of

 

Ron Carter • When Skies Are Grey

 

Review by David R. Adler

This beautiful, Latin-themed album by bass superpower Ron Carter almost can stand in as a Stephen Scott showcase, for the young pianist's verve and finesse are in evidence from start to finish. Carter reserves plenty of solo room (and a number of melody statements) for himself, however. Drummer Harvey Mason and percussionist Steve Kroon work together to create a luxurious, flowing Latin vibe that makes each tune a true listening pleasure. One highlight is the group's slow, polyrhythmic take on Jobim's "Corcovado." Another is a grooving version of Carter's "Loose Change," a tune that appeared in a very different light on Joe Henderson's State of the Tenor album. Scott woos with his bluesy delicacy on "Que Pasa," another Carter original, and swings exuberantly on fellow pianist Ray Bryant's "Cubano Chant." Carter's brief quote of "Seven Steps to Heaven" during the closing original, "Mi Tempo," is enough to make one skip a heartbeat. When Skies Are Grey contains nothing ambitious or wildly innovative -- just great, accessible music. Fans of Stephen Scott in particular can't miss with this one.

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Revisión por David R. Adler

Este hermoso álbum, de temática latina, del superpoder del bajo, Ron Carter, casi puede presentarse como un escaparate de Stephen Scott, ya que el entusiasmo y la delicadeza del joven pianista son evidentes de principio a fin. Sin embargo, Carter se reserva una gran cantidad de habitaciones en solitario (y varias declaraciones de melodías) para él. El baterista Harvey Mason y el percusionista Steve Kroon trabajan juntos para crear un ambiente latino lujoso y fluido que hace que cada melodía sea un verdadero placer de escuchar. Un destaque es la toma lenta y polirrítmica del grupo sobre el "Corcovado" de Jobim. Otra es una versión genial de "Loose Change" de Carter, una melodía que apareció con una luz muy diferente en el álbum State of the Tenor de Joe Henderson. Scott se enamora con su delicadeza blues en "Que Pasa", otro original de Carter, y se balancea exuberantemente en el "Canto Cubano" del también pianista Ray Bryant. La breve cita de Carter de "Siete pasos al cielo" durante el cierre original, "Mi tempo", es suficiente para que uno salte un latido. When Skies Are Grey no contiene nada ambicioso o tremendamente innovador, solo música genial y accesible. Los fans de Stephen Scott, en particular, no se pueden perder con este.

 

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Wayne Shorter • The Classic Blue Note Recordings

 

Review from AllMusic:
While this isn't the only Wayne Shorter Blue Note collection, it is the best. The Best of Wayne Shorter, which was released in 1998 within a series of other Blue Note best-ofs that were coming out at the time, is adequate, but with only one disc it's hard to cover any ground with a guy who's recorded around a dozen top-notch records as a leader for Blue Note, and then appeared on scores of others — and that's where this collection wins. The second disc consists of appearances he made alongside such greats as Art Blakey, Lee Morgan, and Freddie Hubbard. Perhaps a Blue Note Wayne Shorter box set is in order? At any rate, "Speak No Evil," "Footprints," "Witch Hunt," and "Nefertiti" prove to highlight Wayne Shorter's astounding career and in turn show off jazz composition in general — as Shorter stands as one of the genre's best songwriters. Recommended as a springboard into the full-length discs these tracks are culled from, The Classic Blue Note Recordings of Wayne Shorter hits the mark.
https://www.allmusic.com/album/the-classic-blue-note-recordings-mw0000662588

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Reseña de AllMusic:
Si bien esta no es la única compilación de Blue Note de Wayne Shorter, sí es la mejor. The Best of Wayne Shorter, publicada en 1998 dentro de una serie de recopilaciones de Blue Note que salían por entonces, es adecuada, pero con un solo disco es difícil cubrir el terreno de un artista que grabó alrededor de una docena de discos de primera categoría como líder para Blue Note, y apareció en decenas más — y ahí es donde esta colección gana. El segundo disco consiste en sus apariciones junto a grandes como Art Blakey, Lee Morgan y Freddie Hubbard. ¿Quizás un box set de Wayne Shorter para Blue Note sea lo que se necesita? En cualquier caso, "Speak No Evil", "Footprints", "Witch Hunt" y "Nefertiti" destacan la asombrosa carrera de Wayne Shorter y a su vez exhiben la composición en el jazz en general — ya que Shorter es uno de los mejores compositores del género. Recomendada como trampolín hacia los discos completos de los que se toman estos temas, The Classic Blue Note Recordings da en el blanco.
https://www.allmusic.com/album/the-classic-blue-note-recordings-mw0000662588

wayneshorter.com ...

Hubert Laws • Laws' Cause

 

 

Internationally renowned flutist Hubert Laws is one of the few classical artists who has also mastered jazz, pop, and rhythm-and-blues genres; moving effortlessly from one repertory to another. He has appeared as a soloist with the New York Philharmonic under Zubin Mehta, with the orchestras of Los Angeles, Dallas, Chicago, Cleveland, Amsterdam, Japan, Detroit and with the Stanford String Quartet. He has given annual performances at Carnegie Hall, and has performed sold out performances in the Hollywood Bowl with fellow flutist Jean-Pierre Rampal and was a member of the New York Philharmonic and Metropolitan Opera Orchestras. In addition, he has appeared at the Montreux, Playboy, and Kool Jazz festivals; he performed with the Modern Jazz Quartet at the Hollywood Bowl in 1982 and with the Detroit Symphony in 1994. His recordings have won three Grammy nominations.

Mr. Laws has been involved in unique projects such as collaborations with Quincy Jones, Bob James, and Claude Bolling for Neil Simon's comedy California Suite, a collaboration with Earl Klugh and Pat Williams on the music for How to Beat the High Cost of Living: and film scores for The Wiz, Color Purple, A Hero Ain't Nothing but a Sandwich, and Spot Marks the X.

There are 20 albums in Mr. Laws' discography for such record companies as: Atlantic, CBS, CTI, including: “My Time Will Come,” and “Storm Then The Calm” for the Music Masters record label.

Session work also remains a staple of Hubert Laws' schedule, and includes collaborations and recordings with such artists as Quincy Jones, Miles Davis, Herbie Hancock, Chick Corea, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughn, Freddie Hubbard, Paul McCartney, Paul Simon, Aretha Franklin, Lena Horne, Sergio Mendes, Bob James, Carly Simon, Clark Terry, Leonard Bernstein and the New York Philharmonic.

In addition, Mr. Laws maintains his own publishing companies, Hulaws Music and Golden Flute Music, and he founded Spirit Productions in 1976 to produce his own albums and those of promising new artists. He was selected the No. 1 flutist in Down Beat readers' polls ten years in a row and was the critic's choice seven consecutive years.

Born in Houston, Mr. Laws' musical education came from various sources. He grew up directly across from a honky- tonk called Miss Mary's Place, his grandfather played the harmonica, and his mother played gospel music on the piano. His classical training got under way in high school. He later enrolled in the music department at Texas Southern University. During this period, he arranged to study privately with Clement Barone who Mr. Laws considers had a profound effect on his development. From there he traveled to Los Angeles with the Jazz Crusaders where he won a scholarship to the Juilliard School of music in New York City. Mr. Laws completed his studies and obtained his degree at the Juilliard School of music in New York City under tutelage of the renowned flutist Julius Baker.

HUBERT LAWS' MUSICAL BACKGROUND
Hubert's musical education has always been an amalgamation. For starters, his boyhood home was directly across the street from an honest-to-goodness honky-tonk, Miss Mary's Place, which still sits on the same spot in Houston's Studewood section. His grandfather played the harmonica and often entertained as a one-man band. His mother, Miola, played gospel music on piano.

The second of eight children in a musical family, Hubert grew up playing rhythm and blues and gospel at dances in the neighborhood. Brother Ronnie and sisters, Eloise and Debra, have all made their mark in the music industry, while sister Blanche has devoted her talent to gospel singing and brother Johnnie has contributed his voice on Hubert's recordings. It's fitting that Hubert's fourth album for Columbia was entitled Family, featuring almost the entire Laws clan.

Starting out on Piano then Mellophone and alto sax, Hubert picked up the flute in high school while volunteering to fill-in on a flute solo performance with his high school orchestra. Music teacher, Clement Barone, is credited with teaching Hubert the fundamentals. During his early teens, Hubert was exposed to jazz by high school band director Sammy Harris at Phillis Wheatley High School. He enjoyed the freedom of improvisation and the creativity allowed by jazz and began playing regularly with a Houston group known variously as the Swingsters, the Modern Jazz Sextet, Night Hawks, the Jazz Crusaders, and more recently, the Crusaders.

After high school, Hubert enrolled in the Music Department at Texas Southern University. After two years there he left with the Crusaders for Los Angeles. This soon became a point of departure to the Juilliard School of Music in New York. Winning a scholarship that would cover the cost of tuition in 1960, Hubert left for New York in a 1950 Plymouth Sedan with $600.00 in his pocket. Fondly remembering the moment he realized his savings would not cover the necessities of life in New York, Hubert recalled, “It was the fall of 1960. I was down to my last fifty bucks and wondering what to do when the phone rang and it was a call offering me my first job at Sugar Ray's Lounge in Harlem. Times were tough then, but, I haven't looked back since.”

Studying all day every day in class or with master flautist Julius Baker, evenings were devoted to gigging for support. Soon Hubert was playing with the likes of Mongo Santamaria, Lloyd Price Big Band, John Lewis of the Modern Jazz Quartet, the Orchestra USA, and the Berkshire Festival Orchestra at Tanglewood — summer home of the Boston Symphony Orchestra.

Recording session work became a staple of Hubert's schedule and included Quincy Jones, Paul McCartney, Paul Simon, Aretha Franklin, Lena Horne, James Moody, Sergio Mendes, Bob James, Carly Simon, George Benson, Clark Terry, and J.J. Johnson. During those tough times, the ability to play R&B and jazz enabled him not only to survive, but to thrive. Hubert believes musicians would do well to learn how to play in a variety of musical idioms.
https://musicians.allaboutjazz.com/hubertlaws

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El flautista de renombre internacional Hubert Laws es uno de los pocos artistas clásicos que también domina los géneros del jazz, el pop y el rhythm-and-blues, pasando sin esfuerzo de un repertorio a otro. Ha actuado como solista con la Filarmónica de Nueva York bajo la dirección de Zubin Mehta, con las orquestas de Los Ángeles, Dallas, Chicago, Cleveland, Ámsterdam, Japón, Detroit y con el Stanford String Quartet. Ha ofrecido actuaciones anuales en el Carnegie Hall y ha agotado las entradas en el Hollywood Bowl con su colega el flautista Jean-Pierre Rampal y ha sido miembro de las orquestas de la Filarmónica de Nueva York y de la Ópera Metropolitana. Además, ha aparecido en los festivales de Montreux, Playboy y Kool Jazz; actuó con el Modern Jazz Quartet en el Hollywood Bowl en 1982 y con la Detroit Symphony en 1994. Sus grabaciones han obtenido tres nominaciones a los Grammy.

El Sr. Laws ha participado en proyectos únicos como las colaboraciones con Quincy Jones, Bob James y Claude Bolling para la comedia de Neil Simon California Suite, una colaboración con Earl Klugh y Pat Williams en la música de How to Beat the High Cost of Living: y partituras de películas como The Wiz, Color Purple, A Hero Ain't Nothing but a Sandwich y Spot Marks the X.

Hay 20 álbumes en la discografía del Sr. Laws para compañías discográficas como: Atlantic, CBS, CTI, incluyendo: "My Time Will Come", y "Storm Then The Calm" para el sello discográfico Music Masters.

El trabajo de sesión también sigue siendo un elemento básico en la agenda de Hubert Laws, e incluye colaboraciones y grabaciones con artistas como Quincy Jones, Miles Davis, Herbie Hancock, Chick Corea, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughn, Freddie Hubbard, Paul McCartney, Paul Simon, Aretha Franklin, Lena Horne, Sergio Mendes, Bob James, Carly Simon, Clark Terry, Leonard Bernstein y la Filarmónica de Nueva York.

Además, el Sr. Laws mantiene sus propias editoriales, Hulaws Music y Golden Flute Music, y fundó Spirit Productions en 1976 para producir sus propios álbumes y los de nuevos artistas prometedores. Fue elegido el flautista número 1 en las encuestas de los lectores de Down Beat durante diez años consecutivos y fue la elección de la crítica durante siete años consecutivos.

Nacido en Houston, la educación musical del Sr. Laws provino de varias fuentes. Creció justo enfrente de un honky-tonk llamado Miss Mary's Place, su abuelo tocaba la armónica y su madre tocaba música gospel en el piano. Su formación clásica comenzó en el instituto. Más tarde se matriculó en el departamento de música de la Texas Southern University. Durante este periodo, consiguió estudiar en privado con Clement Barone, quien el Sr. Laws considera que tuvo un profundo efecto en su desarrollo. Desde allí viajó a Los Ángeles con los Jazz Crusaders, donde ganó una beca para la Juilliard School of music de Nueva York. El Sr. Laws completó sus estudios y obtuvo su título en la Juilliard School of music de Nueva York bajo la tutela del renombrado flautista Julius Baker.

FORMACIÓN MUSICAL DE HUBERT LAWS
La educación musical de Hubert siempre ha sido una amalgama. Para empezar, su casa de la infancia estaba justo enfrente de un honky-tonk de verdad, Miss Mary's Place, que todavía se encuentra en el mismo lugar en el barrio de Studewood de Houston. Su abuelo tocaba la armónica y a menudo actuaba como un solo hombre orquesta. Su madre, Miola, tocaba la música gospel al piano.

Hubert, el segundo de ocho hijos de una familia de músicos, creció tocando rhythm and blues y gospel en los bailes del barrio. Su hermano Ronnie y sus hermanas, Eloise y Debra, han dejado su huella en la industria musical, mientras que la hermana Blanche ha dedicado su talento al canto gospel y su hermano Johnnie ha aportado su voz en las grabaciones de Hubert. Resulta apropiado que el cuarto álbum de Hubert para Columbia se titule Family, con la participación de casi todo el clan Laws.

Hubert empezó tocando el piano, luego el violonchelo y el saxo alto, y en el instituto se hizo con la flauta mientras se ofrecía como voluntario para un solo de flauta en la orquesta de su instituto. Su profesor de música, Clement Barone, le enseñó los fundamentos de la flauta. Durante su adolescencia, Hubert conoció el jazz de la mano del director de la banda del instituto, Sammy Harris, en el Phillis Wheatley High School. Disfrutó de la libertad de improvisación y de la creatividad que permite el jazz y empezó a tocar regularmente con un grupo de Houston conocido como los Swingsters, el Modern Jazz Sextet, los Night Hawks, los Jazz Crusaders y, más recientemente, los Crusaders.

Después del instituto, Hubert se matriculó en el Departamento de Música de la Texas Southern University. Tras dos años allí, se marchó con los Crusaders a Los Ángeles. Pronto se convirtió en el punto de partida hacia la Juilliard School of Music de Nueva York. Ganando una beca que cubriría el coste de la matrícula en 1960, Hubert se fue a Nueva York en un Plymouth Sedan de 1950 con 600 dólares en el bolsillo. Recordando con cariño el momento en que se dio cuenta de que sus ahorros no cubrirían las necesidades de la vida en Nueva York, Hubert recuerda: "Era el otoño de 1960. Estaba con mis últimos cincuenta dólares y preguntándome qué hacer cuando sonó el teléfono y era una llamada ofreciéndome mi primer trabajo en el Sugar Ray's Lounge de Harlem. Eran tiempos difíciles entonces, pero desde entonces no he mirado atrás".

Estudiando todo el día en clase o con el maestro flautista Julius Baker, las noches las dedicaba a dar conciertos de apoyo. Pronto Hubert estuvo tocando con artistas de la talla de Mongo Santamaria, la Lloyd Price Big Band, John Lewis del Modern Jazz Quartet, la Orchestra USA y la Berkshire Festival Orchestra en Tanglewood, sede de verano de la Orquesta Sinfónica de Boston.

Las sesiones de grabación se convirtieron en un elemento básico de la agenda de Hubert y en ellas participaron Quincy Jones, Paul McCartney, Paul Simon, Aretha Franklin, Lena Horne, James Moody, Sergio Mendes, Bob James, Carly Simon, George Benson, Clark Terry y J.J. Johnson. En esos tiempos difíciles, la capacidad de tocar R&B y jazz le permitió no sólo sobrevivir, sino prosperar. Hubert cree que los músicos harían bien en aprender a tocar en una variedad de lenguajes musicales.
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Ron Carter & Jim Hall • Live At Village West

 

 

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Jaki Byard • Out Front!

 

 

Artist Biography

A musician that has spanned the generations of Jazz is Jaki Byard. Jaki Byard was born John Arthur Byard, Jr. on June 15, 1922 in Worcester, Massachusetts. His father was a member of the marching hands at the turn of the 20th century and played the trombone. His mother played the piano for the African Methodist Episcopalian Zion Church (AME). His maternal grandmother played the piano for the silent picture shows (visual movies without sound before “talking movies” were invented). It was on that piano that Jaki began his musical odyssey. When he was 8 years old, he started taking piano lessons from a piano teacher named Grace Johnson. The swing rhythm of the time and the lure of the big bands inspired Jaki throughout most of his career.

At the age of 16, he played his first professional engagement. During WW II, Jaki was drafted into the army, but with luck and circumstance, he was able to join the army along with Earl Bostic, with whom he would later form a musical alliance with.

By the time he was in his late-thirties, Jaki had a recording contract with Prestige records who engaged him in many recording sessions which allowed him the freedom to have his own compositions heard. It was also around this time that he performed with Charles Mingus as part of an ensemble that featured among its players many fabulous musicians: Eric Dolphy, Jack De Johnette, Johnny Coles and Bobby Jones, who toured Europe and made some great sounds and history. During the 1960's, he saw great success, and all of his albums received mostly 3-4 star ratings in DownBeat magazine. In 1966, he won the Down Beat Jazz Poll Award for most promising musician of that year. In 1979, his 21-piece big band, The Apollo Stompers was voted the Best House Band in New York City while playing at Ali's Alley, a club in downtown New York. On his own, Jaki was to win numerous awards and citations for his music and contributions to teaching and dance from many major academic institutions. He always felt “academia” as he put it was very important. A most cherished and proud moment for Jaki was when he was asked by Duke Ellington's son Mercer to sit in for Duke as part of his orchestra while the Duke was ill.

He was presented with an award by the Duke Ellington Society for his performances. In February of 1988, he was also presented with an award from the Mayor for Outstanding Contribution in Black Music and Presence in Boston (the Dr. Martin Luther King Jr. Award). He has the key to Worcester, New Orleans, and many peoples hearts. In 1995, a year after the death of his beloved wife, Louise (my mother), he was presented with an award by then Mayor Rudolph Guliani for his work with the Apollo Stompers in recognition of Harlem Week and its 100th anniversary. And while Jaki won many awards, the most cherished for him was the honor he gave to himself and others when he could write a tune for someone he loved or for a passing whimsy or idea that would send him to the piano with a pencil and composition paper, and it was this love that he did transmit through all of his performances dosed with his outstanding wit and humor.

The sixties and seventies saw a moderate amount of success on the entertainment level. Jaki turned back to teaching and academia in the late mid 1970s, 80's and 90's with occasional recordings in between. In the early 1970's he accepted a position at the New England Conservatory of Music in Boston, Massachusetts where he would stay for over a decade teaching both in the curriculum and privately. Some of the other schools that he taught at were The Hartt School of Music, Northeastern University, Bismark State College, Alma Lewis School of Fine Arts in Boston, The New School in New York City, The Brooklyn Conservatory of Music in Flushing, and lastly The Manhattan School of Music in New York City. He also never had enough time for his parcel of private students who would gladly, trek out to his home in Hollis, Queens for their one on one lessons.

Around 1979-1982 Jaki, along with some other local musicians (among them, percussionist/composer/friend! JR Mitchell, bassist Peck Morrison, vibraphone keyboard player Dwight Gassoway, saxophone player Harold Ousley and bassist Larry Ridley) formed an organization called the Unification of Concerned Artists in the hopes of creating more recognition and engagements for New York-based musicians whose gigs were just too far and few between. As with most endeavors of this sort, things panned out well for a while, but somehow survival happens and time had to be spent on that. I used to transcribe the minutes at the monthly meeting of the Board of Trustees, and in retrospect I can say that we really did try to create some openings. I think that if more time could have been devoted to his effort, it, too would have succeeded.

Jaki's career that spanned over six decades was still going strong. He was still recording and still arranging, composing and teaching. In February of 1999, he was invited to conduct a seminar and play at the Berkley School of Music in Boston, Massachusetts. He never did make it to that engagement. However you define success, for Jaki Byard, being able to play his music for the joy, the creativity, the fun and the teaching of it was all that really mattered to him.

Jaki Byard died (tragically) on February 11, 1999. He was 76 years young and still had much to offer the music and artistic community.

https://musicians.allaboutjazz.com/jakibyard

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Biografía del artista

Un músico que ha abarcado las generaciones de Jazz es Jaki Byard. Jaki Byard nació como John Arthur Byard, Jr. el 15 de junio de 1922 en Worcester, Massachusetts. Su padre fue miembro de las manos en marcha a principios del siglo XX y tocaba el trombón. Su madre tocaba el piano para la Iglesia Metodista Episcopal Africana de Sión (AME). Su abuela materna tocaba el piano para los espectáculos de cine mudo (películas visuales sin sonido antes de que se inventaran las "películas parlantes"). Fue en ese piano que Jaki comenzó su odisea musical. Cuando tenía 8 años, empezó a tomar clases de piano de una profesora de piano llamada Grace Johnson. El ritmo de swing de la época y la atracción de las grandes bandas inspiraron a Jaki durante la mayor parte de su carrera.

A la edad de 16 años, jugó su primer compromiso profesional. Durante la Segunda Guerra Mundial, Jaki fue reclutado en el ejército, pero con suerte y las circunstancias, fue capaz de unirse al ejército junto con Earl Bostic, con quien más tarde formaría una alianza musical.

A finales de los treinta años, Jaki tenía un contrato de grabación con Prestige Records, quien le dedicó muchas sesiones de grabación que le permitieron tener la libertad de hacer escuchar sus propias composiciones. Fue también en esta época cuando tocó con Charles Mingus como parte de un conjunto que contaba entre sus músicos con muchos músicos fabulosos: Eric Dolphy, Jack De Johnette, Johnny Coles y Bobby Jones, que recorrieron Europa e hicieron grandes sonidos e historia. Durante la década de 1960, tuvo un gran éxito, y todos sus álbumes recibieron en su mayoría 3-4 estrellas en la revista DownBeat. En 1966, ganó el premio Down Beat Jazz Poll Award para el músico más prometedor de ese año. En 1979, su big band de 21 músicos, The Apollo Stompers, fue votada como la Mejor Banda House de la ciudad de Nueva York mientras tocaba en Ali's Alley, un club del centro de Nueva York. Por su cuenta, Jaki iba a ganar numerosos premios y menciones por su música y sus contribuciones a la enseñanza y la danza de muchas instituciones académicas importantes. Siempre sintió que la "academia", como él decía, era muy importante. Un momento muy apreciado y orgulloso para Jaki fue cuando el hijo de Duke Ellington, Mercer, le pidió que sustituyera a Duke como parte de su orquesta mientras el Duke estaba enfermo.

La Duke Ellington Society le otorgó un premio por sus actuaciones. En febrero de 1988, también recibió un premio del Alcalde por su destacada contribución a la música negra y presencia en Boston (el premio Dr. Martin Luther King Jr.). Tiene la llave de Worcester, Nueva Orleans y el corazón de muchas personas. En 1995, un año después de la muerte de su amada esposa, Louise (mi madre), recibió un premio del entonces alcalde Rudolph Guliani por su trabajo con los Stompers de Apolo en reconocimiento de la Semana de Harlem y su centenario. Y aunque Jaki ganó muchos premios, el más preciado para él fue el honor que se dio a sí mismo y a otros cuando pudo escribir una melodía para alguien a quien amaba o por un capricho pasajero o una idea que lo enviaría al piano con un lápiz y un papel de composición, y fue este amor el que transmitió a través de todas sus actuaciones dosificadas con su extraordinario ingenio y humor.

Los años sesenta y setenta vieron una cantidad moderada de éxito en el nivel de entretenimiento. Jaki volvió a la enseñanza y a la academia a finales de los años 70, 80 y 90 con grabaciones ocasionales entremedio. A principios de la década de 1970 aceptó un puesto en el New England Conservatory of Music de Boston, Massachusetts, donde permaneció más de una década enseñando tanto en el plan de estudios como en forma privada. Algunas de las otras escuelas en las que enseñó fueron The Hartt School of Music, Northeastern University, Bismark State College, Alma Lewis School of Fine Arts en Boston, The New School en la ciudad de Nueva York, The Brooklyn Conservatory of Music en Flushing, y finalmente The Manhattan School of Music en la ciudad de Nueva York. Tampoco tuvo tiempo suficiente para su grupo de estudiantes privados que, con mucho gusto, iban a su casa en Hollis, Queens, para tomar clases particulares.

Alrededor de 1979-1982 Jaki, junto con otros músicos locales (entre ellos, percusionista/compositor/amigo! JR Mitchell, el bajista Peck Morrison, el teclista de vibráfono Dwight Gassoway, el saxofonista Harold Ousley y el bajista Larry Ridley) formaron una organización llamada Unificación de Artistas Preocupados con la esperanza de crear más reconocimiento y compromisos para los músicos neoyorquinos cuyos conciertos estaban demasiado lejos y eran pocos. Como con la mayoría de los esfuerzos de este tipo, las cosas salieron bien por un tiempo, pero de alguna manera la supervivencia sucede y el tiempo tuvo que ser gastado en eso. Solía transcribir las actas en la reunión mensual de la Junta de Síndicos, y en retrospectiva puedo decir que realmente tratamos de crear algunas vacantes. Creo que si se hubiera podido dedicar más tiempo a su esfuerzo, también habría tenido éxito.

La carrera de Jaki, que abarcó más de seis décadas, seguía siendo fuerte. Seguía grabando y arreglando, componiendo y enseñando. En febrero de 1999, fue invitado a dirigir un seminario y a tocar en la Berkley School of Music de Boston, Massachusetts. Nunca llegó a ese compromiso. Cualquiera que sea su definición del éxito, para Jaki Byard, poder tocar su música con la alegría, la creatividad, la diversión y la enseñanza de la misma era todo lo que realmente le importaba.

Jaki Byard murió (trágicamente) el 11 de febrero de 1999. Tenía 76 años y todavía tenía mucho que ofrecer a la comunidad musical y artística.

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Andrew Hill • Lift Every Voice

  

Reissue. Features the high-fidelity SHM-CD format (compatible with standard CD player) and the latest 24bit 192kHz remastering. A rare and beautiful Andrew Hill session, and one of the classic Blue Note entries into the "jazz and voices" sound that the label pioneered with Donald Byrd and Eddie Gale. Hill leads a core jazz group that includes Woody Shaw on trumpet, Carlos Garnett on tenor, Richard Davis on bass, and Freddie Waits on drums – and the group is backed by a vocal ensemble with a very spiritual vibe – a chorus who soar out soulfully, and really augment the jazz instrumentation of the album! The sound is a lot more hip than the Donald Byrd & Voices albums, and the playing of the core jazz group is very very soulful – along the lines of Hill's Grass Roots album, which was also from the same period. The record's similar to the Max Roach/Billy Harper vocal work around the same time, and titles include "Ghetto Lights", "Hey Hey", "Two Lullabies", and "Love Chant". CD reissue features 6 unissued bonus tracks, including "Blue Spark", "Drew's Tune", "Mother Mercy", "Natural Spirit", and "Such It Is".

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Reedición. Presenta el formato SHM-CD de alta fidelidad (compatible con un reproductor de CD estándar) y la última remasterización de 24 bits y 192 kHz. Una rara y hermosa sesión de Andrew Hill, y una de las entradas clásicas de Blue Note en el sonido de "jazz y voces" en el que el sello fue pionero con Donald Byrd y Eddie Gale. Hill lidera un grupo de jazz que incluye a Woody Shaw en la trompeta, Carlos Garnett en el tenor, Richard Davis en el bajo y Freddie Waits en la batería, y el grupo está respaldado por un conjunto vocal con un ambiente muy espiritual, un coro que se eleva con alma y realmente aumenta la instrumentación de jazz del álbum. El sonido es mucho más moderno que el de los álbumes de Donald Byrd & Voices, y la forma de tocar del grupo principal de jazz es muy, muy conmovedora, en la línea del álbum Grass Roots de Hill, que también era de la misma época. El disco es similar al trabajo vocal de Max Roach/Billy Harper de la misma época, y los títulos incluyen "Ghetto Lights", "Hey Hey", "Two Lullabies" y "Love Chant". La reedición del CD incluye 6 temas extra inéditos, como "Blue Spark", "Drew's Tune", "Mother Mercy", "Natural Spirit" y "Such It Is".


Colaborador / Contributor:  Pierre

Chico Hamilton • The Further Adventures Of El Chico

 

Legendary jazz drummer and bandleader Foreststorn ‘Chico’ Hamilton, born September 21st, 1921 in Los Angeles, had a fast track musical education in a band with his schoolmates Charles Mingus, Illinois Jacquet, Ernie Royal, Dexter Gordon, Buddy Collette and Jack Kelso. Engagements with Lionel Hampton, Slim & Slam, T-Bone Walker, Lester Young, Count Basie, Duke Ellington, Charlie Barnett, Billy Eckstine, Nat King Cole, Sammy Davis Jr., Billie Holiday, Gerry Mulligan and six years with Lena Horne established this young West Coast prodigy as a jazz drummer on the rise, before striking out on his own as a bandleader in 1955.

Chico appears in the March Milastaire number in the film “You'll Never Get Rich” (1941) as part of the backing group supporting Fred Astaire, and performed on the soundtrack of the Bing Crosby/Bob Hope film “Road to Bali”.

Chico’s impact upon jazz includes the introduction of two unique and distinct sounds: first in 1955 with his Original Quintet which combined the sounds of his drums, the bass of Carson Smith, the guitar of Jim Hall, the cello of Fred Katz, and the flute of Buddy Collette; and the second in 1962 with his own drums, the bass of Albert Stinson, the guitar of Gabor Szabo, the tenor sax of Charles Lloyd, and the trombone of George Bohanon.

Recorded first lp as leader in '55 with George Duvivier and Howard Roberts for Pacific Jazz; in '55 formed an unusual quintet in L.A. feat. cello, flute, guitar, bass and drums which acquired national following; the original personnel incl. Buddy Collette, Jim Hall, Fred Katz and Carson Smith; Hamilton continued to tour using different personnel '57-'60; group incl. Paul Horne and John Pisano feat. in the film “Sweet Smell of Success” in '57; group incl. Nate Gershman and Eric Dolphy app. in film “Jazz on a Summer’s Day” in '60; Dolphy makes first recordings with Hamilton on “With Strings Attached”, “Gongs East”, “The Three Faces of Chico”, and “That Hamilton Man”.

Hamilton revamps group in '61 with new musical direction; new group incl. Charles Lloyd, Gabor Szabo, George Bohanon and Albert Stinson; group records for Columbia, Reprise and Impulse also records soundtrack for industrial film “Litho” in '62, the first American film to be shown behind the Iron Curtain. Hamilton forms commercial and film production company in '65; scores the feature films “Repulsion”, “Mr. Rico”, “By Design”, “Liebe Auf Den Ersten Blick”, “Die Sonnengottin”, and “A Practical Man”; scores for television “Portrait of Willie Mays” and the popular children's series “Gerald McBoing Boing”; scores hundreds of commercials for TV and radio. Forms new group with Larry Coryell, Richard Davis and Arnie Lawrence in '66 and records “The Dealer” for Impulse. Performs Montreux and North Sea Jazz Festivals in '72 and '73. Forms new “Players” group in '75 w. Arthur Blythe, Steve Turre, Barry Finnerty and Abdullah; tours with “Players” using different personnel '76-'80; records for Blue Note, Mercury, Nautilus and Elektra. Originating faculty member in '87 of New School University Jazz & Contemporary Music Program.

Forms new group “Euphoria” in '87 w. Eric Person, Cary DeNigris and Reggie Washington; records “Euphoria” '87; tours Europe with “Euphoria” '87, '88, '90. Performs at Verona, Bolzano, Vienne, Nice, North Sea and Montreux Jazz Festivals in '89 with regrouped original quintet w. Buddy Collette, Fred Katz, John Pisano, Carson Smith; records “Reunion” for Soul Note. For Soul Note records “Arroyo” with “Euphoria” group, “Trio!” w. Eric Person , Cary DeNigris, Eric Dolphy tribute “My Panamanian Friend” with “Euphoria” group, and solo drum session “Dancing to a Different Drummer”. Tours Europe with “Euphoria” group '94. Hamilton subject of documentary film by director Julian Benedikt “Dancing to a Different Drummer” '94. 1997 Hamilton receives the New School University Jazz & Contemporary Music Program’s Beacons in Jazz Award in recognition for his “significant contribution to the evolution of Jazz”.

Hamilton releases “Foreststorn” in 2001 featuring his new “Euphoria” group with stalwarts Cary DeNigris on guitar, Paul Ramsey on bass, and a new two horn front line featuring Eric Lawrence on alto and soprano saxes and Evan Schwam on tenor sax, as well as Special Guest Appearances from Former Band members Arthur Blythe, Steve Turre and his wife Akua Dixon, Eric Person, former Spin Doctors guitarist Eric Schenkman (a student of Chico's), Blues Traveler front man John Popper (also a student of Chico's), and Charlie Watts of The Rolling Stones. August 2001 performs in front of 2300 people at Lincoln Center “My Funny Valentine- A Tribute to Chico Hamilton” with “Euphoria” plus Special Guest Appearances from Joe Beck, Arthur Blythe, Larry Coryell, Akua Dixon, Rodney Jones and Eric Person. Fall 2002 releases “Thoughts of…” with his “Euphoria” group with Special Guest Appearances from guitarists and former band members Joe Beck, Larry Coryell and Rodney Jones.

In 1997, Chico received the New School University Jazz & Contemporary Music Programs Beacons in Jazz Award in recognition for his “significant contribution to the evolution of Jazz”. In 2002, Chico was awarded the WLIU-FM Radio Lifetime Achievement Award. At the IAJE in NYC January 2004, Hamilton was awarded a NEA Jazz Master Fellowship, presented to him by Roy Haynes. In December 2006, Congress confirmed the President’s nomination of Chico to the Presidents Council on the Arts. And in 2007, Chico received a Living Legacy Jazz Award as part of The Kennedy Center Jazz in Our Time Festival, as well as receiving a Doctor of Fine Arts from The New School.

Dynamic as ever at the age of 86, Chico Hamilton has a resume that includes scores for film, original compositions, commercial jingles, 50 + albums as a leader, and countless international tours. In 2006, Chico released four CD’s on Joyous Shout! in celebration of his 85th birthday: “Juniflip” featuring guest appearances from- legendary Love front- man Arthur Lee, criminally under-rated vocalist (and successful actor) Bill Henderson, and former Hamilton band members trombonist George Bohanon and bass trombonist Jimmy Cheatham; “Believe” with Special Guest appearances from vocalist and R & B Diva Fontella Bass and trombonist George Bohanon; “6th Avenue Romp” featuring Special Guest appearances from guitarist Shuggie Otis, trumpeter Jon Faddis, trombonist George Bohanon, vocalist Brenna Bavis and percussionist Jaimoe of the Allman Brothers Band; and “Heritage” with Special Guest appearances from vocalist Marya Lawrence and tromboist George Bohanon. September 2007, Chico released “Hamiltonia” sampling his original compositions from the four albums released in 2006. “Hamiltonia” is an impassioned statement of purpose- an emphatic endorsement of writing and performing THIS music in the NOW, the way the GREATS did in their time, and confirms Hamilton's status as one of the most important living jazz artists and composers.

Over the years, Chico has had a series of dance floor successes, including his signature song “Conquistadors from his 60's Impulse album “El Chico”, and the Brazilian influenced song “Strut” from Chico's 1979 outing on Elektra “Nomad”, which became so successful on the Northern Soul Scene in the U.K. that it had its own dance!! “Conquistadors” also was the signature track for E-man when he rocked the dance floor at Frank's Cocktail Lounge in Brooklyn. In 2002 a track titled “For Mods Only” from Chico's 1968 Impulse album “The Dealer”, was included on the [Thievery Corporations “Sounds from the Verve Hi-Fi”. Fall 2006, Rong Music released the 12” vinyl “Kerry's Caravan” from Mudd & Chico Hamilton, a moody yet stunning slice of modern music and a molten melting pot ready made for filling the dance floor with remixes from long-term Idjut Boys collaborator and Fiasco imprint boss Ray Mang!! And the recent Impulsive! Remix Project features Mark De Clive Lowe’s take on Chico’s classic 60s track “El Toro”. Released December of 2007 from SoulFeast (Joaquin 'Joe' Claussell & Brian Michel Bacchus) on 12” Limited Edition Vinyl is their recasting of Chico's classic track “Mysterious Maiden”, and coming Spring 2008 from SoulFeast is a CD & double vinyl 12” EP “Chico Hamilton Presents: Alternative Dimensions of El-Chico”.

Chico is presently teaching at New School University Jazz & Contemporary Music Program; touring extensively in North America with “Euphoria” group which includes Cary DeNigris on guitar, Paul Ramsey on bass, Evan Schwam on flute, tenor and soprano saxes, and Ian Young on flute, alto and baritone saxes, and Jeremy Carlstedt on percussion; recording with his “Euphoria” group and special guests; composing and performing music for film; and working on autobiography.

https://musicians.allaboutjazz.com/chicohamilton

 

Note:
Chico Hamilton passed away on 25 November 2013, in Manhattan, New York.

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El legendario baterista de jazz y director de banda Foreststorn 'Chico' Hamilton, nacido el 21 de septiembre de 1921 en Los Ángeles, tuvo una educación musical acelerada en una banda con sus compañeros de escuela Charles Mingus, Illinois Jacquet, Ernie Royal, Dexter Gordon, Buddy Collette y Jack Kelso. Sus compromisos con Lionel Hampton, Slim & Slam, T-Bone Walker, Lester Young, Count Basie, Duke Ellington, Charlie Barnett, Billy Eckstine, Nat King Cole, Sammy Davis Jr., Billie Holiday, Gerry Mulligan y seis años con Lena Horne hicieron que este joven prodigio de la costa oeste se convirtiera en un baterista de jazz en ascenso, antes de emprender su propio camino como director de orquesta en 1955.

Chico aparece en el número de marzo de Milastaire en la película "You'll Never Get Rich" (1941) como parte del grupo de apoyo a Fred Astaire, y actuó en la banda sonora de la película de Bing Crosby/Bob Hope "Road to Bali".

El impacto de Chico en el jazz incluye la introducción de dos sonidos únicos y distintos: el primero en 1955 con su Quinteto Original que combinaba los sonidos de su batería, el bajo de Carson Smith, la guitarra de Jim Hall, el violonchelo de Fred Katz y la flauta de Buddy Collette; y el segundo en 1962 con su propia batería, el bajo de Albert Stinson, la guitarra de Gabor Szabo, el saxo tenor de Charles Lloyd y el trombón de George Bohanon.

Grabó su primer LP como líder en el 55 con George Duvivier y Howard Roberts para Pacific Jazz; en el 55 formó un quinteto inusual en la hazaña de L.A.: cello, flauta, guitarra, bajo y batería que adquirió seguidores nacionales; el personal original incluía a Buddy Collette, Jim Hall, Fred Katz y Carson Smith; Hamilton siguió de gira usando personal diferente del 57 al 60; el grupo incluía a Paul Horne y John Pisano en la película "Sweet Smell of Success" en el 57; el grupo incluye a Nate Gershman y Eric Dolphy en la película "Jazz on a Summer's Day" en el 60; Dolphy hace las primeras grabaciones con Hamilton en "With Strings Attached", "Gongs East", "The Three Faces of Chico" y "That Hamilton Man".

Hamilton renueva el grupo en el 61 con una nueva dirección musical; el nuevo grupo incluye a Charles Lloyd, Gabor Szabo, George Bohanon y Albert Stinson; el grupo graba para Columbia, Reprise e Impulse y también graba la banda sonora de la película industrial "Litho" en el 62, la primera película americana que se proyectó tras el telón de acero. Hamilton forma una empresa de producción de películas y anuncios en el año 65; graba las partituras de los largometrajes "Repulsion", "Mr. Rico", "By Design", "Liebe Auf Den Ersten Blick", "Die Sonnengottin" y "A Practical Man"; graba las partituras para la televisión "Portrait of Willie Mays" y la popular serie infantil "Gerald McBoing Boing"; graba cientos de anuncios para la televisión y la radio. Forma un nuevo grupo con Larry Coryell, Richard Davis y Arnie Lawrence en el 66 y graba "The Dealer" para Impulse. Actúa en los festivales de jazz de Montreux y del Mar del Norte en 1972 y 1973. Forma un nuevo grupo "Players" en el 75 con Arthur Blythe, Steve Turre, Barry Finnerty y Abdullah; giras con "Players" con personal diferente en el 76-80; discos para Blue Note, Mercury, Nautilus y Elektra. Miembro de la facultad en el 87 del programa de Jazz y Música Contemporánea de la Universidad New School.

Forma el nuevo grupo "Euphoria" en el 87 con Eric Person, Cary DeNigris y Reggie Washington; graba "Euphoria" 87; gira por Europa con "Euphoria" 87, 88 y 90. Se presenta en los festivales de jazz de Verona, Bolzano, Viena, Niza, Mar del Norte y Montreux en el 89 con el quinteto original reagrupado con Buddy Collette, Fred Katz, John Pisano, Carson Smith; graba "Reunion" para Soul Note. Para Soul Note graba "Arroyo" con el grupo "Euphoria", "Trio!" con Eric Person, Cary DeNigris, Eric Dolphy tributo "My Panamanian Friend" con el grupo "Euphoria", y la sesión de batería en solitario "Dancing to a Different Drummer". Gira por Europa con el grupo "Euphoria" del 94. Hamilton tema del documental del director Julian Benedikt "Dancing to a Different Drummer" '94. 1997 Hamilton recibe el premio Beacons in Jazz del Programa de Jazz y Música Contemporánea de la New School University en reconocimiento a su "significativa contribución a la evolución del Jazz".

Hamilton lanza "Foreststorn" en 2001 con su nuevo grupo "Euphoria", con los incondicionales Cary DeNigris en la guitarra, Paul Ramsey en el bajo, y una nueva línea frontal de dos trompas con Eric Lawrence en los saxos alto y soprano y Evan Schwam en el saxo tenor, así como las apariciones como invitados especiales de los ex miembros de la banda Arthur Blythe, Steve Turre y su esposa Akua Dixon, Eric Person, el ex guitarrista de los Spin Doctors Eric Schenkman (un estudiante de Chico's), el testaferro de Blues Traveler John Popper (también un estudiante de Chico's), y Charlie Watts de los Rolling Stones. En agosto de 2001 actúa ante 2300 personas en el Lincoln Center "My Funny Valentine- A Tribute to Chico Hamilton" con "Euphoria", además de las apariciones como invitados especiales de Joe Beck, Arthur Blythe, Larry Coryell, Akua Dixon, Rodney Jones y Eric Person. El otoño de 2002 lanza "Thoughts of..." con su grupo "Euphoria" con Special Guest Appearances de los guitarristas y ex-miembros de la banda Joe Beck, Larry Coryell y Rodney Jones.

En 1997, Chico recibió el premio Beacons in Jazz de los programas de jazz y música contemporánea de la New School University en reconocimiento a su "significativa contribución a la evolución del jazz". En 2002, Chico fue galardonado con el premio WLIU-FM Radio Lifetime Achievement Award. En el IAJE de Nueva York, en enero de 2004, Hamilton fue premiado con una beca NEA Jazz Master Fellowship, presentada por Roy Haynes. En diciembre de 2006, el Congreso confirmó el nombramiento del Presidente de Chico en el Consejo Presidencial de las Artes. Y en 2007, Chico recibió un premio de Jazz del Legado Vivo como parte del Festival de Jazz en Nuestro Tiempo del Centro Kennedy, así como un Doctorado en Bellas Artes de la New School.

Dinámico como siempre a la edad de 86 años, Chico Hamilton tiene un currículum que incluye partituras para películas, composiciones originales, jingles comerciales, más de 50 álbumes como líder, e innumerables giras internacionales. En 2006, Chico lanzó cuatro CD en Joyous Shout! para celebrar su 85 cumpleaños: "Juniflip" con las apariciones como invitado del legendario cantante de Love Arthur Lee, el vocalista (y exitoso actor) Bill Henderson, y los ex miembros de la banda de Hamilton, el trombonista George Bohanon y el trombonista bajo Jimmy Cheatham; "Believe" con las apariciones como invitado especial del vocalista y R & B Diva Fontella Bass y el trombonista George Bohanon; "6th Avenue Romp" con apariciones como invitados especiales del guitarrista Shuggie Otis, el trompetista Jon Faddis, el trombonista George Bohanon, la vocalista Brenna Bavis y el percusionista Jaimoe de la Allman Brothers Band; y "Heritage" con apariciones como invitados especiales de la vocalista Marya Lawrence y el trombonista George Bohanon. En septiembre de 2007, Chico publicó "Hamiltonia" con una muestra de sus composiciones originales de los cuatro álbumes publicados en 2006. "Hamiltonia" es una apasionada declaración de intenciones - un apoyo rotundo a la escritura e interpretación de ESTA música en el AHORA, de la manera en que los GRANDES lo hicieron en su tiempo, y confirma el estatus de Hamilton como uno de los más importantes artistas y compositores de jazz vivos.

A lo largo de los años, Chico ha tenido una serie de éxitos en la pista de baile, incluyendo su canción característica "Conquistadors" de su álbum Impulse de los 60 "El Chico", y la canción de influencia brasileña "Strut" de la salida de Chico en 1979 en Elektra "Nomad", que tuvo tanto éxito en la escena Northern Soul en el Reino Unido que tuvo su propio baile!! "Conquistadors" también fue el tema característico de E-man cuando rockeó en la pista de baile del Frank's Cocktail Lounge en Brooklyn. En 2002, un tema titulado "For Mods Only" del álbum "The Dealer" de Chico's Impulse en 1968, fue incluido en el [Thievery Corporations "Sounds from the Verve Hi-Fi"]. En otoño de 2006, Rong Music lanzó el vinilo de 12" "Kerry's Caravan" de Mudd & Chico Hamilton, una malhumorada pero impresionante rebanada de música moderna y un crisol fundido listo para llenar la pista de baile con remezclas del colaborador de larga data de Idjut Boys y jefe de imprenta de Fiasco, Ray Mang!! ¡Y el reciente "Impulsivo"! Remix Project presenta la versión de Mark De Clive Lowe del clásico de los 60 "El Toro" de Chico. Lanzado en diciembre de 2007 por SoulFeast (Joaquin 'Joe' Claussell & Brian Michel Bacchus) en vinilo de 12" de edición limitada es su refundición del tema clásico de Chico "Mysterious Maiden", y la próxima primavera de 2008 de SoulFeast es un CD y doble vinilo de 12" EP "Chico Hamilton Presents": Dimensiones alternativas de El-Chico".

Chico está actualmente enseñando en el programa de jazz y música contemporánea de la New School University; está de gira por América del Norte con el grupo "Euphoria", que incluye a Cary DeNigris en la guitarra, Paul Ramsey en el bajo, Evan Schwam en la flauta, saxos tenor y soprano, e Ian Young en la flauta, saxos alto y barítono, y Jeremy Carlstedt en la percusión; está grabando con su grupo "Euphoria" e invitados especiales; está componiendo e interpretando música para películas; y está trabajando en la autobiografía.

https://musicians.allaboutjazz.com/chicohamilton

 

Note:
Chico Hamilton passed away on 25 November 2013, in Manhattan, New York.

Philly Joe Jones • Philly Mignon

 

Biography by Scott Yanow
A fiery drummer and a masterful accompanist, Philly Joe Jones came to fame as a key member with the first classic Miles Davis Quintet. After serving in the Army, he moved to New York in 1947, became the house drummer at Cafe Society and played with a who's who of bop (including Charlie Parker, Dizzy Gillespie, and Fats Navarro). He worked regularly with Ben Webster, Joe Morris, Tiny Grimes, Lionel Hampton, and Tadd Dameron (1953). Jones was with Miles Davis during 1955-1958, including the quintet years (1955-1956) with John Coltrane, Red Garland, and Paul Chambers and the beginnings of the super sextet that also included Cannonball Adderley (recording the classic Milestones album). In 1958, he started leading his own groups, recording for Riverside (1958-1959) and Atlantic (1960). Jones lived in London and Paris during 1967-1972 (performing and recording with some avant-garde players, including Archie Shepp). He eventually returned to Philadelphia, where he led a fusion group, Le Grand Prix, toured with Bill Evans during 1976, recorded for Galaxy in 1977 and 1979, and worked with Red Garland. Starting in 1981, he led the group Dameronia, which revived Tadd Dameron's music. But in reality, everything that Philly Joe Jones did after Miles Davis was anticlimactic.
https://www.allmusic.com/artist/philly-joe-jones-mn0000845443#biography

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Biografía de Scott Yanow
Philly Joe Jones, ardiente batería y acompañante magistral, saltó a la fama como miembro clave del primer quinteto clásico de Miles Davis. Después de servir en el ejército, se trasladó a Nueva York en 1947, se convirtió en el batería del Cafe Society y tocó con la flor y nata del bop (como Charlie Parker, Dizzy Gillespie y Fats Navarro). Trabajó regularmente con Ben Webster, Joe Morris, Tiny Grimes, Lionel Hampton y Tadd Dameron (1953). Jones estuvo con Miles Davis durante 1955-1958, incluyendo los años del quinteto (1955-1956) con John Coltrane, Red Garland y Paul Chambers y los inicios del super sexteto que también incluía a Cannonball Adderley (grabando el clásico álbum Milestones). En 1958 comenzó a liderar sus propios grupos, grabando para Riverside (1958-1959) y Atlantic (1960). Jones vivió en Londres y París entre 1967 y 1972 (actuando y grabando con algunos músicos de vanguardia, como Archie Shepp). Finalmente regresó a Filadelfia, donde dirigió un grupo de fusión, Le Grand Prix, realizó una gira con Bill Evans durante 1976, grabó para Galaxy en 1977 y 1979 y trabajó con Red Garland. A partir de 1981, dirigió el grupo Dameronia, que revivió la música de Tadd Dameron. Pero en realidad, todo lo que Philly Joe Jones hizo después de Miles Davis fue anticlimático.
https://www.allmusic.com/artist/philly-joe-jones-mn0000845443#biography

Joe Henderson • Mirror, Mirror

 

www.bluenote.com/artist/joe-henderson ...

Houston Person With Ron Carter • Just Between Friends

Review:

Immediately, Houston Person's saxophone and Ron Carter's bass meld so fluidly and effortlessly -- and create such a complete picture -- that it's easy to forget that they are the only two musicians playing. Drums are not missed, nor are piano, horns, or anything else: Person and Carter's communication skills here, as on their previous outings together, are never in doubt; they're "always" in perfect sync. They take on the standards here, and though most of these ten tracks have been recorded to death by other jazz artists, the duo's approach is original and honest enough that the songs sound fresh. "Lover Man (Oh Where Can You Be?)" is smooth, soft, and sexy; Irving Berlin's "Always" swings even if it never quite reaches swing tempo; and "Blueberry Hill" is playful and sweet. "Meditation," an Antonio Carlos Jobim tune, proves that bossa nova requires only the most minimal of instrumentation in order for its free-swaying tropical lilt to feel whole. The opening "How Deep Is the Ocean," another Berlin classic, sets the mood by establishing that melody and rhythm are never far apart -- neither musician is in any great hurry here and never eager to dominate or go outside of the songs' stated bounds. It's a collaboration in the truest sense, one in which emotion and the integrity of the material and arrangements trounce showboating.

https://www.allmusic.com/album/just-between-friends-mw0000785256

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Revisión:

Inmediatamente, el saxofón de Houston Person y el bajo de Ron Carter se funden tan fluidamente y sin esfuerzo - y crean un cuadro tan completo - que es fácil olvidar que son los únicos dos músicos que tocan. No se echa de menos la batería, ni el piano, ni las trompetas, ni nada más: las habilidades de comunicación de Person y Carter aquí, como en sus anteriores salidas juntos, nunca se ponen en duda; están "siempre" en perfecta sincronía. Ellos asumen los estándares aquí, y aunque la mayoría de estos diez temas han sido grabados hasta la muerte por otros artistas de jazz, el enfoque del dúo es original y lo suficientemente honesto como para que las canciones suenen frescas. "Lover Man (Oh Where Can You Be?)" es suave, delicado y sexy; "Always" de Irving Berlin se balancea incluso si nunca alcanza el tempo del swing; y "Blueberry Hill" es juguetona y dulce. "Meditación", una melodía de Antonio Carlos Jobim, demuestra que la bossa nova requiere sólo el más mínimo de instrumentación para que su libre giro tropical se sienta completo. La apertura "How Deep Is the Ocean", otro clásico de Berlín, establece el ambiente al establecer que la melodía y el ritmo nunca están muy separados - ningún músico tiene mucha prisa aquí y nunca está ansioso por dominar o salirse de los límites establecidos de las canciones. Es una colaboración en el sentido más verdadero, una en la que la emoción y la integridad del material y los arreglos triunfan.

https://www.allmusic.com/album/just-between-friends-mw0000785256

Paul Desmond • From The Hot Afternoon

All the featured performances are excellent, Paul Desmond's playing is superb, taking a little more of a back seat, but with some beautiful, memorable phrasing. Not mentioned in other reviews are three vocal tracks featuring Wanda de Sa, "To Say Goodbye", "Circles" and "Crystal Illusions". In "To Say Goodbye", she was forced by the recording schedule and low register of the instrumental part to sing well below her normal register, producing a striking and sultry version of this song, a must-have for her fans. Edu Lobo may not be Jobim, but "Crystal Illusions" is perhaps his best known work. He performs on the track and Wanda (his wife) sings it beautifully. The swirling '70s orchestation suits the song very well, the edgy chord shifts provide Paul with a challenging backdrop for his solos; this is probably my favourite version. This is an easy listening classic which is head and shoulders above others in the genre and has the power to move you with some exceptional performances by several icons of jazz and the '60s "Bossa" sound. - by Ricardo, Amazon.com

Review by Richard S. Ginell

Paul Desmond's first genuine all-Brazilian album under the Creed Taylor signature was a beauty, a collection of songs by the then-moderately known Edu Lobo and the emerging giant Milton Nascimento, then only in his early twenties. All Desmond has to do is sit back and ride the Brazilian grooves while lyrically ruminating on whatever pops into his head. It sounds so effortless -- until you try it yourself. The swirling, often gorgeous orchestral arrangements are by Don Sebesky (one CD edition mistakenly gives Claus Ogerman credit on the cover), Airto Moreira leads the samba-flavored percussion forces, and Lobo and his wife Wanda de Sah appear on three of Lobo's four songs. Lobo's "To Say Goodbye," "Circles," and "Martha and Romao" have exactly the brand of wistful sadness that Desmond could communicate so well; on the former, de Sah has to sing well below the register with which she is comfortable, and the strain is painfully obvious. Some of Nascimento's best early tunes are here, including the tense title track, the popping "Catavento," and "Canto Latino." "Catavento" inspires a particularly inventive solo from Desmond where he pulls out one of his age-old tricks, quoting "St. Thomas." This 2000 Verve "By Request" edition adds no less than six alternate takes to the package.

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Todas las actuaciones son excelentes, la interpretación de Paul Desmond es magnífica, tomando un poco más de un asiento trasero, pero con un fraseo hermoso y memorable. En otras críticas no se mencionan tres pistas vocales con Wanda de Sa, "To Say Goodbye", "Circles" y "Crystal Illusions". En "To Say Goodbye", se vio obligada por el horario de grabación y el registro bajo de la parte instrumental a cantar muy por debajo de su registro normal, produciendo una llamativa y sensual versión de esta canción, imprescindible para sus fans. Edu Lobo puede no ser Jobim, pero "Ilusiones de Cristal" es quizás su obra más conocida. Actúa en la pista y Wanda (su esposa) la canta muy bien. La orquestación de los años 70 se adapta muy bien a la canción, los cambios de acordes nerviosos proporcionan a Paul un telón de fondo desafiante para sus solos; esta es probablemente mi versión favorita. Se trata de un clásico de fácil escucha que está por encima de otros en el género y que tiene el poder de conmoverte con algunas actuaciones excepcionales de varios iconos del jazz y del sonido de la Bossa de los años 60. - por Ricardo, Amazon.com

Reseña de Richard S. Ginell

El primer álbum genuinamente brasileño de Paul Desmond bajo la firma de Creed Taylor fue una belleza, una colección de canciones del entonces moderadamente conocido Edu Lobo y del gigante emergente Milton Nascimento, entonces sólo a los veinte años. Todo lo que tiene que hacer Desmond es sentarse y correr por los surcos brasileños mientras rumia líricamente sobre lo que se le viene a la cabeza. Suena tan fácil... hasta que lo pruebes tú mismo. Los arremolinados y a menudo magníficos arreglos orquestales son de Don Sebesky (una edición en CD da crédito a Claus Ogerman en la portada), Airto Moreira lidera las fuerzas de la percusión con sabor a samba, y Lobo y su esposa Wanda de Sah aparecen en tres de las cuatro canciones de Lobo. "To Say Goodbye", de Lobo, "Circles" y "Martha and Romao" tienen exactamente la marca de tristeza melancólica que Desmond podía comunicar tan bien; en la primera, de Sah tiene que cantar muy por debajo del registro con el que se siente cómoda, y la tensión es dolorosamente obvia. Algunas de las mejores canciones tempranas de Nascimento están aquí, incluyendo el tenso tema del título, el pop "Catavento" y "Canto Latino". "Catavento" inspira un solo particularmente inventivo de Desmond donde saca uno de sus viejos trucos, citando a "St. Thomas". Esta edición 2000 de Verve "By Request" añade no menos de seis tomas alternativas al paquete.

Charles McPherson • Charles McPherson

 

Benny Golson • Just Jazz! [The Complete Triple Play Stereo Sessions]

 

Review from Jazz Journal
Benny Golson's tenor playing is consistently inventive and melodic, displaying the qualities that made him one of the major voices of hard bop.
httpsjazzjournal.co.uk

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Resena de Jazz Journal
El saxo tenor de Benny Golson es constantemente inventivo y melodico, mostrando las cualidades que lo convirtieron en una de las voces principales del hard bop.
httpsjazzjournal.co.uk

Donald Harrison • This Is Jazz

 

 

Review
by Thom Jurek  
The last time Donald Harrison, Ron Carter, and Billy Cobham recorded together as a trio was on 2005's New York Cool: Live at the Blue Note. Carter and Harrison have worked together in a couple of episodes of the excellent HBO television series Treme, but the particular chemistry this trio puts forth has been missed because of its kinetic spontaneity, and even more, its sense of balance. This Is Jazz was recorded in March of 2011. It contains originals, covers, and standards. Carter's "Cut & Paste" opens the set with a beautiful knotty blues head in which the swing is built-in hard. Cobham keeps his playing tight, focused on Carter's bassline, as Harrison stops and starts in the melody before he takes off. Cobham drops out briefly and lets Harrison solo as Carter walks his bass furiously. When Harrison starts to sprint -- albeit elegantly -- Carter's right there as Cobham comes back and the fun begins in earnest. Harrison flirts with the outside but never quite goes there. This is post-bop playing at a high and imaginative level. On Carter's "MSRP," he and Harrison introduce a blues theme in unison before Cobham enters. His playing is so seamless and intuitive, and compared to the Cobham of old, quite restrained. He syncopates, shuffles, and connects with Carter on every level, never offering more than what's necessary, yet swinging like mad. The eleven-and-a-half minute reading of Miles Davis' "Seven Steps to Heaven" is presented with requisite fire and imagination, with Harrison pushing hard at the tune's margins and Carter finding something new in the architecture (he played on the original). In the reading of "I Can't Get Started," Cobham introduces a beautiful -- and unexpected -- bossa rhythm before Harrison goes over the top reaching for something on the horizon. Album closer "Treme Swagger" is a deeply funky, second-line fingerpopper by Harrison. Cobham has the breaks and bumps to make it jump, while Carter gets into the bottom end of his bass to make the groove pour out of it. Harrison punches up the melody, rhythmically and soulfully, strutting it from uptown to downtown capturing the essence of not only NOLA jazz, but its blues and R&B too. When Cobham pops his breaking solo and Carter follows, it's a certified dance number. This Is Jazz is the finest offering by this trio to date. Let's hope it isn't another six years before they record again.
https://www.allmusic.com/album/this-is-jazz-live-at-the-blue-note-mw0002186152

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Reseña
por Thom Jurek
La última vez que Donald Harrison, Ron Carter y Billy Cobham grabaron juntos como trío fue en el New York Cool: Live at the Blue Note de 2005. Carter y Harrison han trabajado juntos en un par de episodios de la excelente serie de televisión de HBO Treme, pero la química particular que presenta este trío se ha perdido debido a su espontaneidad cinética y, aún más, a su sentido del equilibrio. This Is Jazz se grabó en marzo de 2011. Contiene originales, versiones y estándares. "Cut & Paste" de Carter abre el set con una hermosa cabeza de blues con nudos en la que el swing está incorporado con fuerza. Cobham sigue tocando firme, concentrado en la línea de bajo de Carter, mientras Harrison se detiene y comienza en la melodía antes de despegar. Cobham se retira brevemente y deja que Harrison solo mientras Carter camina furiosamente con su bajo. Cuando Harrison comienza a correr, aunque con elegancia, Carter está justo allí cuando Cobham regresa y la diversión comienza en serio. Harrison coquetea con el exterior, pero nunca va allí. Esto es post-bop tocando a un nivel alto e imaginativo. En "MSRP" de Carter, él y Harrison presentan un tema de blues al unísono antes de que entre Cobham. Su forma de tocar es tan fluida e intuitiva, y en comparación con el Cobham de antaño, bastante restringida. Sincopa, baraja y se conecta con Carter en todos los niveles, sin ofrecer nunca más de lo necesario, pero balanceándose como un loco. La lectura de once minutos y medio de "Seven Steps to Heaven" de Miles Davis se presenta con el fuego y la imaginación necesarios, con Harrison empujando con fuerza los márgenes de la melodía y Carter encontrando algo nuevo en la arquitectura (tocó en el original). ). En la lectura de "I Can't Get Started", Cobham presenta un hermoso e inesperado ritmo de bossa antes de que Harrison se pase de la raya buscando algo en el horizonte. El cierre del álbum "Treme Swagger" es un fingerpopper de segunda línea profundamente funky de Harrison. Cobham tiene los quiebres y golpes para hacerlo saltar, mientras que Carter se mete en el extremo inferior de su bajo para hacer que el ritmo fluya. Harrison realza la melodía, rítmica y conmovedora, estructurándola desde el centro hasta el centro de la ciudad, capturando la esencia no solo del jazz de NOLA, sino también del blues y el R&B. Cuando Cobham hace estallar su solo de ruptura y Carter lo sigue, es un número de baile certificado. This Is Jazz es la mejor propuesta de este trío hasta la fecha. Esperemos que no pasen otros seis años antes de que vuelvan a grabar.
https://www.allmusic.com/album/this-is-jazz-live-at-the-blue-note-mw0002186152

donaldharrison.com ...

Art Pepper • So In Love

 

Biography by Matt Collar
With his lyrical, swinging style, alto saxophonist Art Pepper is recognized as one of the major jazz stars to emerge out of the West Coast jazz scene of the 1950s. A gifted soloist by his teens, Pepper initially drew attention touring as a member Stan Kenton's band before launching his solo career. He achieved almost instant fame, famously finishing second behind Charlie Parker as best alto saxophonist (he also occasionally played clarinet and tenor sax) in the 1952 DownBeat magazine readers' poll. Along with artists like Chet Baker, Gerry Mulligan, Shelly Manne, and others, Pepper became synonymous with the laid-back West Coast jazz sound. However, he was also a heroin addict, and his career was often sidelined due to drug-related stints in prison. Nonetheless, he remained a vital performer, issuing albums like 1959's Plus Eleven and 1960's Intensity. After entering the Synanon drug rehabilitation program in the late '60s, Pepper resurrected his career. Working alongside his wife and manager Laurie Pepper, he recorded a series of comeback albums including 1975's Living Legend and 1980's Straight Life (also the title of his 1980 memoir) which found him embracing a more muscular, hard bop and modal sound influenced by John Coltrane. Despite, or perhaps because of his troubled career, Pepper -- who died of a stroke in 1982 -- remains a dualistic symbol for both the fallen jazz star and journeyman who never gave up.

Arthur Edward Pepper, Jr. was born in 1925 in Gardena, California to a merchant seaman father and teenage mother. Both of his parents struggled with alcoholism and the young Pepper was sent to live with his paternal grandmother in nearby San Pedro. Growing up, he expressed an interest in music and started taking clarinet lessons at age nine and switched to alto saxophone at age 13. By the time he was 15, he was attending jazz and blues jam sessions at largely African-American clubs on Central Avenue in downtown Los Angeles, playing with drummer Lee Young, saxophonist Benny Carter, and others. He was still a teenager when he joined Stan Kenton's band, touring the U.S. until he was drafted into the Army in 1943. Following his discharge after World War II, Pepper returned to Los Angeles, where he again joined Kenton's ensemble, playing alongside bandmates like Conte Candoli, Lee Konitz, Frank Rosolino, and others.

By the early '50s, Pepper was a star, widely regarded as one of the best alto saxophonists in the country. Though he had only appeared on a handful of recordings, he was popular enough to finish second behind Charlie Parker in the 1952 DownBeat magazine readers' poll. However, it was also during this initial career ascent that he was arrested and sent to prison on drug-related charges stemming from heroin addiction; an issue that plagued him throughout his career and resulted in a number of incarcerations. Released from prison in 1956, Pepper quickly made up for lost time, recording a number of classic albums including Art Pepper Meets the Rhythm Section featuring Miles Davis bandmates Red Garland, Paul Chambers, and Philly Joe Jones, Surf Ride with Russ Freeman and Hampton Hawes, and Playboys with trumpeter Chet Baker. All of these albums showcased Pepper's fluid, bop-informed improvisational style and singing tone, solidifying his reputation as one of the architects of the cool, West Coast jazz sound. There were also sessions with Wane Marsh, Herb Ellis, Jimmy Giuffre, and others.

Pepper had a number of well-regarded albums issued in the early '60s including Intensity with pianist Dolo Coker, Smack Up with trumpeter Jack Sheldon, and Gettin' Together!, which again found him backed by Miles Davis' rhythm section of Red Garland, Paul Chambers, and Philly Joe Jones. However, while he remained a popular artist, much of his career was sidelined during the '60s as he served time in prison, including two stints at San Quentin, where he played in a group with fellow saxophonist Frank Morgan. Following his final release from prison, Pepper entered the drug rehabilitation program Synanon based in Santa Monica. There he met and eventually married his third wife, photographer Laurie Pepper, who also became his manager. With the use of methadone, the saxophonist entered a period of recovery which found him recording more and more throughout the '70s.

Living Legend arrived in 1975 on Contemporary Records and found Pepper playing with longtime associates pianist Hampton Hawes, bassist Charlie Haden, and drummer Shelly Manne. The album also revealed his transition toward a more aggressive, harmonically complex approach influenced by the work of John Coltrane. Equally earthy and soulful albums followed including 1976's The Trip, 1977's No Limit, and 1978's Among Friends. In the late '70s, Pepper signed a contract with Galaxy Records and issued a slew of albums for the label that found him striking a balance between his earlier West Coast style and latter-career interest in Coltrane's music. Art Pepper Today arrived in 1979 and featured pianist Stanley Cowell, bassist Cecil McBee, and drummer Roy Haynes.

In 1980, Pepper published his autobiography, Straight-Life, co-written with Laurie, in which he openly discussed his career and issues with drugs and prison. He continued to record often throughout his later years, issuing albums on the Galaxy and Artist House labels, including 1980's So in Love and 1984's Artworks. He often paired with pianist George Cables, issuing two 1982 duets albums with Tete-a-Tete and Goin' Home. It was at the height of his comeback that Pepper died of a stroke on June 15, 1982 in Los Angeles at the age of 56. Following his death, Laurie continued to issue many bootleg and previously unreleased sessions by the saxophonist on her Widow's Taste imprint. She also paired with Omnivore Records for a series of compilations detailing his Galaxy and Artist House albums, including 2017's Art Pepper Presents: West Coast Sessions, Vol. 1: Sonny Stitt, and 2019's Promise Kept: The Complete Artists House Recordings.
https://www.allmusic.com/artist/art-pepper-mn0000505047#biography

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Biografía de Matt Collar
Con su estilo lírico y oscilante, el saxofonista alto Art Pepper es reconocido como una de las principales estrellas del jazz que surgieron de la escena del jazz de la Costa Oeste de la década de 1950. Pepper, un talentoso solista en su adolescencia, inicialmente llamó la atención de gira como miembro de la banda de Stan Kenton antes de lanzar su carrera en solitario. Alcanzó fama casi instantánea, quedando en segundo lugar detrás de Charlie Parker como mejor saxofonista alto (también tocó ocasionalmente clarinete y saxo tenor) en la encuesta de lectores de la revista DownBeat de 1952. Junto con artistas como Chet Baker, Gerry Mulligan, Shelly Manne y otros, Pepper se convirtió en sinónimo del relajado sonido del jazz de la Costa Oeste. Sin embargo, también era adicto a la heroína, y su carrera a menudo quedó al margen debido a períodos en prisión relacionados con las drogas. No obstante, siguió siendo un intérprete vital, publicando álbumes como Plus Eleven de 1959 e Intensity de 1960. Después de ingresar al programa de rehabilitación de drogas Synanon a fines de los 60, Pepper resucitó su carrera. Trabajando junto a su esposa y manager Laurie Pepper, grabó una serie de álbumes de regreso, incluidos Living Legend de 1975 y Straight Life de 1980 (también el título de sus memorias de 1980), que lo encontraron adoptando un sonido más musculoso, hard bop y modal influenciado por John Coltrane. A pesar de, o quizás debido a su problemática carrera, Pepper, quien murió de un derrame cerebral en 1982, sigue siendo un símbolo dualista tanto para la estrella caída del jazz como para journeyman que nunca se rindió.

Arthur Edward Pepper, Jr. nació en 1925 en Gardena, California, de padre marinero mercante y madre adolescente. Sus dos padres lucharon contra el alcoholismo y el joven Pepper fue enviado a vivir con su abuela paterna en la cercana San Pedro. Al crecer, expresó su interés por la música y comenzó a tomar lecciones de clarinete a los nueve años y cambió al saxofón alto a los 13 años. Cuando tenía 15 años, asistía a sesiones improvisadas de jazz y blues en clubes mayoritariamente afroamericanos en Central Avenue en el centro de Los Ángeles, tocando con el baterista Lee Young, el saxofonista Benny Carter y otros. Todavía era un adolescente cuando se unió a la banda de Stan Kenton, recorriendo los EE.UU. hasta que fue reclutado por el Ejército en 1943. Tras su baja después de la Segunda Guerra Mundial, Pepper regresó a Los Ángeles, donde nuevamente se unió al conjunto de Kenton, tocando junto a compañeros de banda como Conte Candoli, Lee Konitz, Frank Rosolino y otros.

A principios de los 50, Pepper era una estrella, ampliamente considerado como uno de los mejores saxofonistas altos del país. Aunque solo había aparecido en un puñado de grabaciones, fue lo suficientemente popular como para terminar segundo detrás de Charlie Parker en la encuesta de lectores de la revista DownBeat de 1952. Sin embargo, también fue durante este ascenso inicial en su carrera que fue arrestado y enviado a prisión por cargos relacionados con drogas derivados de la adicción a la heroína; un problema que lo plagó a lo largo de su carrera y resultó en una serie de encarcelamientos. Liberado de prisión en 1956, Pepper recuperó rápidamente el tiempo perdido, grabando una serie de álbumes clásicos que incluían Art Pepper Meets the Rhythm Section con los compañeros de banda de Miles Davis Red Garland, Paul Chambers y Philly Joe Jones, Surf Ride con Russ Freeman y Hampton Hawes, y Playboys con el trompetista Chet Baker. Todos estos álbumes mostraron el estilo fluido de improvisación y el tono de canto de Pepper, informado por el bop, solidificando su reputación como uno de los arquitectos del sonido fresco del jazz de la Costa Oeste. También hubo sesiones con Wane Marsh, Herb Ellis, Jimmy Giuffre y otros.

Pepper tuvo una serie de álbumes bien considerados publicados a principios de los 60, incluidos Intensity con el pianista Dolo Coker, Smack Up con el trompetista Jack Sheldon y Gettin 'Together!, que nuevamente lo encontró respaldado por la sección rítmica de Miles Davis de Red Garland, Paul Chambers y Philly Joe Jones. Sin embargo, aunque siguió siendo un artista popular, gran parte de su carrera quedó al margen durante los años 60 mientras cumplía condena en prisión, incluidas dos temporadas en San Quintín, donde tocó en un grupo con su compañero saxofonista Frank Morgan. Después de su liberación final de la prisión, Pepper ingresó al programa de rehabilitación de drogas Synanon con sede en Santa Mónica. Allí conoció y finalmente se casó con su tercera esposa, la fotógrafa Laurie Pepper, quien también se convirtió en su manager. Con el uso de metadona, el saxofonista entró en un período de recuperación que lo encontró grabando más y más a lo largo de los años 70.

Living Legend llegó en 1975 a Contemporary Records y encontró a Pepper tocando con el pianista Hampton Hawes, el bajista Charlie Haden y la baterista Shelly Manne. El álbum también reveló su transición hacia un enfoque más agresivo y armónicamente complejo influenciado por el trabajo de John Coltrane. Le siguieron álbumes igualmente terrenales y conmovedores, incluidos The Trip de 1976, No Limit de 1977 y Among Friends de 1978. A finales de los 70, Pepper firmó un contrato con Galaxy Records y publicó una gran cantidad de álbumes para el sello que lo encontraron logrando un equilibrio entre su estilo anterior de la Costa Oeste y el interés de su última carrera en la música de Coltrane. Art Pepper Today llegó en 1979 y contó con el pianista Stanley Cowell, el bajista Cecil McBee y el baterista Roy Haynes.

En 1980, Pepper publicó su autobiografía, Straight-Life, coescrita con Laurie, en la que hablaba abiertamente de su carrera y sus problemas con las drogas y la prisión. Continuó grabando a menudo a lo largo de sus últimos años, publicando álbumes en los sellos Galaxy y Artist House, incluidos So in Love de 1980 y Artworks de 1984. A menudo se emparejó con el pianista George Cables, publicando dos álbumes de duetos en 1982 con Tete-a-Tete y Goin ' Home. Fue en el apogeo de su regreso que Pepper murió de un derrame cerebral el 15 de junio de 1982 en Los Ángeles a la edad de 56 años. Después de su muerte, Laurie continuó publicando muchas sesiones piratas e inéditas del saxofonista en su sello Widow's Taste. También se asoció con Omnivore Records para una serie de compilaciones que detallan sus álbumes Galaxy y Artist House, incluido Art Pepper Presents: West Coast Sessions, Vol. 1: Sonny Stitt, y Promise Kept de 2019: The Complete Artists House Recordings.
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