Chico Hamilton • Gongs East

 

Charles Mingus Sextet With Eric Dolphy • Cornell 1964

 

 

Review
by Thom Jurek 
In 2005, Blue Note raised the eyebrows (and expectations) of the jazz world by issuing the previously unreleased Thelonious Monk/John Coltrane Carnegie Hall concert from November of 1957 that literally replaces the few other recordings of the group both sonically and musically. In 2007, courtesy of Charles Mingus' widow Sue, with the help of Michael Cuscuna and Blue Note, gives us another heretofore unknown bit of jazz history with the Charles Mingus Sextet with Eric Dolphy's Cornell University Concert from March 18, 1964. The reason this gig is significant is because apparently, not only didn't anybody know it was recorded, according to Gary Giddins, who wrote the (typically) excellent liners here, no one but the people who put on the show and the students who attended even knew it had taken place! The other reason for its historic importance is that it took place 17 days before the famed Town Hall concert and predated other European shows by the band by at least a month. This is significant because trumpeter Johnny Coles took ill shortly after, and Dolphy passed away a few months later. Until now, the Town Hall gig was the standard for this band, but it is safe to say with this current revelation that it will be replaced in the annals of the canon. This band -- Mingus, Dolphy, Coles, Jaki Byard, Dannie Richmond, and Clifford Jordan -- played perhaps definitive renditions of some Mingus tunes worked out previously at the Five Spot where he assembled the group, and were presumed to have first been performed, and recorded, at Town Hall. Much of the material was also performed on the European tour that followed and climaxed with an appearance at the Monterey Jazz Festival.

These two discs contain a number of debuts and some absolutely startling solos beginning with Byard's solo set opener "ATFW You," which is four-and-a-half minutes of genius and jazz history. Mingus' solos with skeletal Byard backing on "Sophisticated Lady" for another few minutes before the band takes off in earnest with a raucous yet amazingly playful half-hour version of "Fables of Faubus," that dazzles, to say the least, in large part because of the utterly inspired bass playing by the bandleader, and the embedded quotes from corny American folk songs to popular tunes to Chopin. Another debut here is the sextet version of Billy Strayhorn's "Take the 'A' Train," which Mingus had only recorded before with a big band. The differences, as one can imagine, are striking, particularly in Jordan's solo. The introduction of "Meditations" on the second disc of this set is simply shattering. Over half-an-hour in length, it offers once more the genius in Byard's playing and underscores Richmond as far more than a rhythmnatist, and Coles as a soloist who could hang with anybody. Of particular note is the interplay between Jordan and Dolphy's bass clarinet: the tune once more embodies the best of Mingus' thought and inspiration as it takes solid note of the lineage of the music and extends it into the future.

"So Long Eric" also appears here, since at the time of this recording, he was leaving the band, and this piece was a thanks for his contribution to Mingus' music and not the elegy it has been consistently thought of (Giddins points this out). Another welcome surprise here is the sextet performing a six-minute rendition of "When Irish Eyes Are Smiling" (St. Patrick's Day was the day before), kicked off by a jaunty, swinging intro by Byard and Mingus. As the melody becomes pronounced the horns all kick in in unison, and Coles takes a wonderful solo, swinging hard and lyrical with wonderful counterpoint by Mingus and timely fills and comping by Byard, as a jazz version of a reel played by Dolphy on clarinet can be heard in the background. The final surprise is the only known recording of Mingus playing Fats Waller's "Jitterbug Waltz," with killer duo played between Dolphy on flute and Byard. Throughout, Mingus' bass urges them on, digging deep into the groove of the tune, and the dialogue between Mingus and Richmond is nearly telepathic. Despite all of these debuts, there is another very profound reason that this recording is so utterly special, which Giddins reveals near the beginning of his liner notes. There is a kind of exuberance and joy on this set that offers another side of the mercurial and stormy bandleader. Seldom has he sounded so at ease and relaxed as he does here. The confidence in the ensemble is complete, and he feels no need to push but only to encourage and tale delight in the proceedings. This short-lived group proves, as evidenced here, that they were a magical unit that may not have been around as long as Miles Davis' second quintet, or John Coltrane's quartet, but as under-celebrated as its various musicians were -- Coles, Richmond, and especially Byard -- the band itself was as innovative and creative even in the brevity of its existence. This double-disc is every bit as important as the Monk-Coltrane disc, and sounds very fine for a tape that has been sitting in a closet for over 40 years: it truly needs to be heard to even be believed, let alone convinced.
https://www.allmusic.com/album/cornell-1964-mw0000480163

///////

Reseña
por Thom Jurek
En 2005, Blue Note levantó las cejas (y las expectativas) del mundo del jazz al publicar el concierto inédito de Thelonious Monk/John Coltrane en el Carnegie Hall de noviembre de 1957, que literalmente sustituye a las pocas grabaciones del grupo tanto sonora como musicalmente. En 2007, por cortesía de la viuda de Charles Mingus, Sue, con la ayuda de Michael Cuscuna y Blue Note, nos ofrece otro trozo de historia del jazz hasta ahora desconocido con el concierto del Sexteto de Charles Mingus con Eric Dolphy en la Universidad de Cornell del 18 de marzo de 1964. La razón por la que este concierto es significativo es porque, aparentemente, no sólo nadie sabía que se había grabado, sino que, según Gary Giddins, que escribió los (típicos) excelentes forros aquí, ¡nadie más que la gente que organizó el espectáculo y los estudiantes que asistieron sabían que había tenido lugar! La otra razón de su importancia histórica es que tuvo lugar 17 días antes del famoso concierto del Town Hall y fue anterior a otros espectáculos europeos de la banda durante al menos un mes. Esto es significativo porque el trompetista Johnny Coles enfermó poco después y Dolphy falleció unos meses más tarde. Hasta ahora, el concierto del Town Hall era el estándar de esta banda, pero es seguro decir con esta revelación actual que será reemplazado en los anales del canon. Esta banda -Mingus, Dolphy, Coles, Jaki Byard, Dannie Richmond y Clifford Jordan- tocó versiones quizá definitivas de algunos temas de Mingus elaborados previamente en el Five Spot, donde reunió al grupo, y que se presume que fueron interpretados y grabados por primera vez en el Town Hall. Gran parte del material también se interpretó en la gira europea que siguió y que culminó con una aparición en el Festival de Jazz de Monterey.

Estos dos discos contienen una serie de debuts y algunos solos absolutamente sorprendentes, comenzando con el primer solo de Byard, "ATFW You", que son cuatro minutos y medio de genialidad e historia del jazz. Los solos de Mingus con el esquelético apoyo de Byard en "Sophisticated Lady" duran unos minutos más antes de que la banda se lance en serio con una estridente pero increíblemente juguetona versión de media hora de "Fables of Faubus", que deslumbra, por no decir otra cosa, en gran parte por el inspiradísimo toque de bajo del líder de la banda, y las citas incrustadas de cursis canciones folclóricas americanas, melodías populares y Chopin. Otro debut aquí es la versión para sexteto de "Take the 'A' Train" de Billy Strayhorn, que Mingus sólo había grabado antes con una big band. Las diferencias, como se puede imaginar, son notables, sobre todo en el solo de Jordan. La introducción de "Meditations" en el segundo disco de este conjunto es simplemente estremecedora. Con más de media hora de duración, ofrece una vez más la genialidad de Byard y subraya que Richmond es mucho más que un rítmico, y que Coles es un solista que puede estar a la altura de cualquiera. Cabe destacar la interacción entre Jordan y el clarinete bajo de Dolphy: la melodía encarna una vez más lo mejor del pensamiento y la inspiración de Mingus, ya que toma buena nota del linaje de la música y lo extiende hacia el futuro.

"So Long Eric" también aparece aquí, ya que en el momento de esta grabación, él estaba dejando la banda, y esta pieza era un agradecimiento por su contribución a la música de Mingus y no la elegía que se ha pensado sistemáticamente (Giddins señala esto). Otra grata sorpresa es que el sexteto interpreta una versión de seis minutos de "When Irish Eyes Are Smiling" (el Día de San Patricio fue el día anterior), iniciada por una introducción alegre y oscilante de Byard y Mingus. A medida que la melodía se va pronunciando, las trompas entran al unísono, y Coles hace un maravilloso solo, con un swing fuerte y lírico, con el maravilloso contrapunto de Mingus y los oportunos rellenos y composiciones de Byard, mientras se oye de fondo una versión jazzística de un rollo tocado por Dolphy al clarinete. La sorpresa final es la única grabación conocida de Mingus tocando el "Jitterbug Waltz" de Fats Waller, con un dúo asesino entre Dolphy a la flauta y Byard. En todo momento, el bajo de Mingus les impulsa, profundizando en el ritmo de la melodía, y el diálogo entre Mingus y Richmond es casi telepático. A pesar de todos estos debuts, hay otra razón muy profunda por la que esta grabación es tan especial, que Giddins revela al principio de sus notas. Hay una especie de exuberancia y alegría en este conjunto que ofrece otra cara del mercurial y tormentoso director de orquesta. Pocas veces ha sonado tan a gusto y relajado como aquí. La confianza en el conjunto es total, y no siente la necesidad de presionar, sino sólo de animar y deleitarse con las actuaciones. Este grupo de corta vida demuestra, como se evidencia aquí, que era una unidad mágica que puede no haber estado tanto tiempo como el segundo quinteto de Miles Davis, o el cuarteto de John Coltrane, pero por muy poco celebrados que fueran sus diversos músicos - Coles, Richmond, y especialmente Byard - la banda en sí era tan innovadora y creativa incluso en la brevedad de su existencia. Este doble disco es tan importante como el de Monk-Coltrane, y suena muy bien para una cinta que ha estado guardada en un armario durante más de 40 años: realmente hay que escucharlo para creerlo, por no decir convencerlo.
https://www.allmusic.com/album/cornell-1964-mw0000480163

John Coltrane Quintet featuring Eric Dolphy • The Complete November 18, 1961 Paris Concerts

 

Backed by McCoy Tyner, Reggie Workman and Elvin Jones, Coltrane decided in mid-1961 to try his luck with his first European tour as a leader. The group which crossed the ocean, however, wasn't a quartet but a quintet, due to the addition of alto sax and flute player Eric Dolphy. "For a long time", declared later Coltrane, "Eric Dolphy and I had been talking about all kinds of improvising techniques. Finally, I decided that as long as my band was working steadily, it made sense for Eric to join us". The Olympia performances are full of excitement.

Chico Hamilton Quintet with Eric Dolphy • The Original Ellington Suite

 

VA • 70 Sax Classic Jazz - CD#2

 

Oliver Nelson • The Blues And The Abstract Truth

 

Review by Michael G. Nastos

As Oliver Nelson is known primarily as a big band leader and arranger, he is lesser known as a saxophonist and organizer of small ensembles. Blues and the Abstract Truth is his triumph as a musician for the aspects of not only defining the sound of an era with his all-time classic "Stolen Moments," but on this recording, assembling one of the most potent modern jazz sextets ever. Lead trumpeter Freddie Hubbard is at his peak of performance, while alto saxophonists Nelson and Eric Dolphy (Nelson doubling on tenor) team to form an unlikely union that was simmered to perfection. Bill Evans (piano), Paul Chambers (bass), and Roy Haynes (drums) can do no wrong as a rhythm section. "Stolen Moments" really needs no comments, as its undisputable beauty shines through in a three-part horn harmony fronting Hubbard's lead melody. It's a thing of beauty that is more timeless as the years pass. The "Blues" aspect is best heard on "Yearnin'," a stylish, swinging, and swaying downhearted piece that is a bluesy as Evans would ever be. Both "Blues" and "Abstract Truth" combine for the darker "Teenie's Blues," a feature for Nelson and Dolphy's alto saxes, Dolphy assertive in stepping forth with his distinctive, angular, dramatic, fractured, brittle voice that marks him a maverick. Then there's "Hoedown," which has always been the black sheep of this collection with its country flavor and stereo separated upper and lower horn in snappy call-and-response barking. As surging and searing hard boppers respectively, "Cascades" and "Butch & Butch" again remind you of the era of the early '60s when this music was king, and why Hubbard was so revered as a young master of the idiom. A must buy for all jazz fans, and a Top Ten or Top Fifty favorite for many.

https://www.allmusic.com/album/the-blues-and-the-abstract-truth-mw0000188605

Biography by Scott Yanow

The Blues and the Abstract Truth

Oliver Nelson was a distinctive soloist on alto, tenor, and even soprano, but his writing eventually overshadowed his playing skills. He became a professional early on in 1947, playing with the Jeter-Pillars Orchestra and with St. Louis big bands headed by George Hudson and Nat Towles. In 1951, he arranged and played second alto for Louis Jordan's big band, and followed with a period in the Navy and four years at a university. After moving to New York, Nelson worked briefly with Erskine Hawkins, Wild Bill Davis, and Louie Bellson (the latter on the West Coast). In addition to playing with Quincy Jones' orchestra (1960-1961), between 1959-1961 Nelson recorded six small-group albums and a big band date; those gave him a lot of recognition and respect in the jazz world. Blues and the Abstract Truth (from 1961) is considered a classic and helped to popularize a song that Nelson had included on a slightly earlier Eddie "Lockjaw" Davis session, "Stolen Moments." He also fearlessly matched wits effectively with the explosive Eric Dolphy on a pair of quintet sessions. But good as his playing was, Nelson was in greater demand as an arranger, writing for big band dates of Jimmy Smith, Wes Montgomery, and Billy Taylor, among others. By 1967, when he moved to Los Angeles, Nelson was working hard in the studios, writing for television and movies. He occasionally appeared with a big band, wrote a few ambitious works, and recorded jazz on an infrequent basis, but Oliver Nelson was largely lost to jazz a few years before his unexpected death at age 43 from a heart attack.

https://www.allmusic.com/artist/oliver-nelson-mn0000398615/biography

///////

Reseña de Michael G. Nastos

Como Oliver Nelson es conocido principalmente como líder de grandes bandas y arreglista, es menos conocido como saxofonista y organizador de pequeños conjuntos. Blues and the Abstract Truth es su triunfo como músico por los aspectos de definir el sonido de una época no sólo con su clásico de todos los tiempos "Stolen Moments", sino en esta grabación, reuniendo a uno de los sextetos de jazz moderno más potentes de la historia. El trompetista principal Freddie Hubbard está en su mejor momento, mientras que los saxofonistas de alto nivel Nelson y Eric Dolphy (Nelson doblando al tenor) forman un equipo para formar una unión improbable que se cocinó a fuego lento a la perfección. Bill Evans (piano), Paul Chambers (bajo) y Roy Haynes (batería) no pueden hacer nada malo como sección rítmica. "Stolen Moments" realmente no necesita comentarios, ya que su indiscutible belleza brilla en una armonía de tres partes de la trompa que encabeza la melodía principal de Hubbard. Es una cosa de belleza que es más atemporal con el paso de los años. El aspecto "Blues" se oye mejor en "Yearnin'", una pieza de estilo, swinging y swaying downhearted que es un blues como lo sería Evans. Tanto "Blues" como "Abstract Truth" se combinan para el más oscuro "Teenie's Blues", un largometraje para los saxos contralto de Nelson y Dolphy, Dolphy asertivo al dar un paso al frente con su voz distintiva, angular, dramática, fracturada y quebradiza que le marca como un inconformista. Luego está "Hoedown", que siempre ha sido la oveja negra de esta colección con su sabor campestre y su cuerno superior e inferior separado estéreo en un ladrido rápido de llamada y respuesta. Cascades" y "Butch & Butch" le recuerdan una vez más la época de principios de los años 60, cuando esta música era el rey, y por qué Hubbard era tan venerado como un joven maestro del idioma. Una compra imprescindible para todos los fans del jazz, y un Top Ten o Top Fifty favorito para muchos.

https://www.allmusic.com/album/the-blues-and-the-abstract-truth-mw0000188605

Biografía de Scott Yanow

El blues y la verdad abstracta

Oliver Nelson fue un distinguido solista de contralto, tenor e incluso soprano, pero su escritura finalmente eclipsó sus habilidades como intérprete. Se hizo profesional a principios de 1947, tocando con la Jeter-Pillars Orchestra y con las grandes bandas de St. Louis encabezadas por George Hudson y Nat Towles. En 1951, arregló y tocó como segundo contralto para la big band de Louis Jordan, y le siguió un período en la Marina y cuatro años en la universidad. Después de mudarse a Nueva York, Nelson trabajó brevemente con Erskine Hawkins, Wild Bill Davis y Louie Bellson (este último en la costa oeste). Además de tocar con la orquesta de Quincy Jones (1960-1961), entre 1959-1961 Nelson grabó seis álbumes de grupos pequeños y una cita con una gran banda, lo que le dio mucho reconocimiento y respeto en el mundo del jazz. Blues and the Abstract Truth (desde 1961) es considerado un clásico y ayudó a popularizar una canción que Nelson había incluido en una sesión de Eddie "Lockjaw" Davis un poco antes, "Stolen Moments". Además, en un par de sesiones de quinteto, el explosivo Eric Dolphy fue capaz de igualar su ingenio sin miedo. Pero por muy buena que fuera su interpretación, Nelson estaba en mayor demanda como arreglista, escribiendo para las fechas de las grandes bandas de Jimmy Smith, Wes Montgomery y Billy Taylor, entre otros. Para 1967, cuando se mudó a Los Ángeles, Nelson estaba trabajando duro en los estudios, escribiendo para la televisión y el cine. Ocasionalmente apareció con una gran banda, escribió algunas obras ambiciosas y grabó jazz con poca frecuencia, pero Oliver Nelson se perdió en el jazz unos años antes de su inesperada muerte a la edad de 43 años por un ataque cardíaco.

https://www.allmusic.com/artist/oliver-nelson-mn0000398615/biography

Charles Mingus • Incarnations

 

Charles Mingus • Reincarnations

 

Further rare material from the Charles Mingus sessions for the Candid label in 1960 – work that initially gave the world his two famous albums for the company, both of which were easily some of the most revolutionary work he recorded up to that point in his career! The spirit of the tracks here is very similar – Mingus set free from the more confined modes of Columbia Records, and serving up long tracks that are filled with searing solos from a top-shelf array of young modernists – players who include Eric Dolphy on alto and flute, Jimmy Knepper on trombone, Ted Curson and Lonnie Hillyer on trumpets, Booker Ervin on tenor, and Tommy Flanagan on piano – sounding a lot more dynamic here than on his own recordings. The material here was all unissued at the time – and titles include "Melody From The Drums", "Vassarlean", "Body & Soul (take 2)", "Wrap Your Troubles In Dreams (take 4)", and "Reincarnation Of A Lovebird (first version – take 4)
https://www.dustygroove.com/item/193811/Charles-Mingus:Reincarnations

///////

Más material inédito de las sesiones de Charles Mingus para el sello Candid en 1960, un trabajo que inicialmente dio al mundo sus dos famosos álbumes para la compañía, ¡ambos fácilmente algunos de los trabajos más revolucionarios que había grabado hasta ese momento en su carrera! El espíritu de las pistas aquí es muy similar: Mingus se liberó de los modos más limitados de Columbia Records y nos ofrece largas pistas llenas de solos abrasadores de una selección de jóvenes modernistas de primer nivel, entre los que se encuentran Eric Dolphy al saxo alto y la flauta, Jimmy Knepper al trombón, Ted Curson y Lonnie Hillyer a la trompeta, Booker Ervin al saxo tenor y Tommy Flanagan al piano, que suenan mucho más dinámicos aquí que en sus propias grabaciones. El material aquí incluido no se había publicado en ese momento, y los títulos incluyen «Melody From The Drums», «Vassarlean», «Body & Soul (take 2)», «Wrap Your Troubles In Dreams (take 4)» y «Reincarnation Of A Lovebird (primera versión – take 4)».
https://www.dustygroove.com/item/193811/Charles-Mingus:Reincarnations

Benny Golson, Bill Evans, Wayne Shorter, Freddie Hubbard, Eric Dolphy, Ron Carter • Just Jazz!

 

VA • Impulse! 6 Great Jazz Collection

 

 
John Coltrane Quartet: Ballads 
John Coltrane (tenor sax), McCoy Tyner (piano), Jimmy Garrison & Reggie Workman (bass), Elvin Jones (drums)

Sonny Rollins: On Impulse! 
Sonny Rollins (tenor sax), Ray Bryant (piano), Walter Booker (bass), Mickey Roker (drums)

Roy Haynes Quartet: Out of the afternoon 
Roy Haynes (drums), Roland Kirk (tenor sax, flute), Tommy Flanagan (piano), Henry Grimes (bass)

Oliver Nelson: The Blues and the Abstract Truth 
Oliver Nelson (alto sax & tenor sax), Eric Dolphy (alto sax & flute), Freddie Hubbard (trumpet), George Barrow (baritone sax), Bill Evans (piano), Paul Chambers (bass), Roy Haynes (drums)

Count Basie: Count Basie and the Kansas City 7 
Count Basie (piano, organ), Thad Jones (trumpet), Frank Wess (flute), Frank Foster (tenor sax, flute), Eric Dixon (tenor sax, flute), Freddie Green (guitar), Ed Jones (bass), Sonny Payne (drums)

John Coltrane and Johnny Hartman: John Coltrane and Johnny Hartman 
John Coltrane (tenor sax), McCoy Tyner (piano), Jimmy Garrison (bass), Elvin Jones (drums), Johnny Hartman (vocals)

 

Eric Dolphy • Out There

 

Review by Michael G. Nastos  
The follow-up album to Outward Bound, Eric Dolphy's second effort for the Prestige/New Jazz label (and later remastered by Rudy Van Gelder) was equally praised and vilified for many reasons. At a time when the "anti-jazz" tag was being tossed around, Dolphy's nonlinear, harshly harmonic music gave some critics grist for the grinding mill. A second or third listen to Dolphy's music reveals an unrepentant shadowy side, but also depth and purpose that were unprecedented and remain singularly unique. The usage of bassist George Duvivier and cellist Ron Carter (an idea borrowed from Dolphy's days with Chico Hamilton) gives the music its overcast color base, in many ways equally stunning and uninviting. Dolphy's ideas must be fully embraced, taken to heart, and accepted before listening. The music reveals the depth of his thought processes while also expressing his bare-bones sensitive and kind nature. The bluesy "Serene," led by Carter alongside Dolphy's bass clarinet, and the wondrous ballad "Sketch of Melba" provide the sweetest moments, the latter tune identified by the fluttery introspective flute of the leader, clearly indicating where latter-period musicians like James Newton initially heard what would form their concept. Three pieces owe alms to Charles Mingus: his dark, moody, doleful, melodic, and reluctant composition "Eclipse"; the co-written (with Dolphy) craggy and scattered title track featuring Dolphy's emblematic alto held together by the unflappable swing of drummer Roy Haynes; and "The Baron," the leader's dark and dirty, wise and willful tribute to his former boss, accented by a choppy and chatty solo from Carter. "17 West," almost a post-bop standard, is briefly tonal with a patented flute solo and questioning cello inserts, while the unexpected closer written by Hale Smith, "Feathers," is a haunting, soulful ballad of regret where Dolphy's alto is more immediately heard in the foreground. A somber and unusual album by the standards of any style of music, Out There explores Dolphy's vision in approaching the concept of tonality in a way few others -- before, concurrent, or after -- have ever envisioned.
https://www.allmusic.com/album/out-there-mw0002571715

///////

Reseña de Michael G. Nastos  
La continuación de Outward Bound, el segundo trabajo de Eric Dolphy para el sello Prestige/New Jazz (y posteriormente remasterizado por Rudy Van Gelder) fue alabado y vilipendiado a partes iguales por muchas razones. En una época en la que se lanzaba la etiqueta de "antijazz", la música no lineal y duramente armónica de Dolphy proporcionó a algunos críticos materia para el molino. Una segunda o tercera escucha de la música de Dolphy revela un lado sombrío impenitente, pero también una profundidad y un propósito que no tenían precedentes y siguen siendo singularmente únicos. El uso del bajista George Duvivier y del violonchelista Ron Carter (una idea tomada de los días de Dolphy con Chico Hamilton) da a la música su base de color nublado, en muchos sentidos igualmente impresionante y poco atractivo. Las ideas de Dolphy deben ser totalmente asumidas, tomadas en serio y aceptadas antes de escucharlas. La música revela la profundidad de sus procesos de pensamiento a la vez que expresa su naturaleza sensible y amable. El blues "Serene", dirigido por Carter junto al clarinete bajo de Dolphy, y la maravillosa balada "Sketch of Melba" proporcionan los momentos más dulces, esta última melodía identificada por la aleteante flauta introspectiva del líder, indicando claramente dónde músicos de la última época como James Newton escucharon inicialmente lo que formaría su concepto. Tres piezas deben una limosna a Charles Mingus: su oscura, malhumorada, lúgubre, melódica y reticente composición "Eclipse"; el escarpado y disperso tema que da título al disco, escrito conjuntamente con Dolphy, con el emblemático contralto de Dolphy sostenido por el imperturbable swing del batería Roy Haynes; y "The Baron", el oscuro y sucio, sabio y voluntarioso homenaje del líder a su antiguo jefe, acentuado por un solo entrecortado y parlanchín de Carter. "17 West", casi un estándar post-bop, es brevemente tonal, con un solo de flauta patentado e inserciones de violonchelo cuestionadoras, mientras que el inesperado cierre escrito por Hale Smith, "Feathers", es una inquietante y conmovedora balada de arrepentimiento en la que el alto de Dolphy se escucha más inmediatamente en primer plano. Un álbum sombrío e inusual para los estándares de cualquier estilo de música, Out There explora la visión de Dolphy al abordar el concepto de tonalidad de una manera que pocos otros -antes, concurrentes o después- han imaginado.
https://www.allmusic.com/album/out-there-mw0002571715

Eddie Lockjaw Davis Big Band • Trane Whistle

This CD reissue brings back an Eddie "Lockjaw" Davis session in which the distinctive tenor saxophonist is joined by a 13-piece big band arranged by Oliver Nelson. Most significant is the inclusion of the original version of "Stolen Moments" (here called "The Stolen Moment" and predating the more famous Oliver Nelson recording by several months). Eric Dolphy is in the backup group but is not heard from in a solo capacity. There are some spots for trumpeters Richard Williams, Clark Terry and Bobby Bryant along with Nelson on alto but this is primarily Davis' showcase. On a set comprised of four Oliver Nelson originals, the ballad "You Are Too Beautiful" and the leader's "Jaws," Lockjaw as usual shows plenty of emotion during his driving solos.

///////

Esta reedición de CD trae de regreso una sesión de Eddie "Lockjaw" Davis en la que el saxofonista tenor se une a una banda grande de 13 piezas organizada por Oliver Nelson. Lo más significativo es la inclusión de la versión original de "Stolen Moments" (aquí llamada "The Stolen Moment" y que precede a la grabación más famosa de Oliver Nelson por varios meses). Eric Dolphy está en el grupo de copia de seguridad, pero no se oye de él en forma individual. Hay algunos lugares para los trompetistas Richard Williams, Clark Terry y Bobby Bryant junto con Nelson en alto, pero esto es principalmente el escaparate de Davis. En un set compuesto por cuatro originales de Oliver Nelson, la balada "You Are Too Beautiful" y las "Jaws" del líder, Lockjaw, como siempre, muestra mucha emoción durante sus solos de conducción.

Eric Dolphy with Booker Little • Far Cry

 

Review
by Al Campbell
Charlie Parker's influence permeates this 1960 session. Beyond the obvious acknowledgment on song titles ("Mrs. Parker of K.C. ['Bird's Mother']" and "Ode to Charlie Parker"), his restless spirit is utilized as a guiding light for breaking bebop molds. Far Cry finds multi-reedist Eric Dolphy in a transitional phase, relinquishing Parker's governing universal impact and diving into the next controversial phase that critics began calling "anti-jazz." On this date Booker Little's lyrical trumpet and Jackie Byard's confident grasp of multiple piano styles (though both steeped in hard bop) were sympathetic to the burgeoning "avant-garde" approach that Dolphy displays, albeit sparingly, on this session. Far Cry contains the initial performance of Dolphy's future jazz classic "Miss Ann," along with his first recorded solo alto sax performance on "Tenderly," in which Dolphy bridges the gap between the solo saxophone performances of Coleman Hawkins and Anthony Braxton.
https://www.allmusic.com/album/far-cry-mw0000661692

///////

Reseña
por Al Campbell
La influencia de Charlie Parker impregna esta sesión de 1960. Más allá del reconocimiento obvio en los títulos de las canciones ("Mrs. Parker of K.C. ['Bird's Mother']" y "Ode to Charlie Parker"), su espíritu inquieto se utiliza como guía para romper los moldes del bebop. Far Cry encuentra al multireedista Eric Dolphy en una fase de transición, abandonando el impacto universal gobernante de Parker y sumergiéndose en la siguiente fase controvertida que los críticos empezaron a llamar "anti-jazz". En esta fecha, la trompeta lírica de Booker Little y el dominio seguro de Jackie Byard de múltiples estilos de piano (aunque ambos impregnados de hard bop) simpatizaban con el floreciente enfoque "vanguardista" que Dolphy muestra, aunque escasamente, en esta sesión. Far Cry contiene la interpretación inicial del futuro clásico del jazz de Dolphy "Miss Ann", junto con su primera interpretación grabada de saxo alto en solitario en "Tenderly", en la que Dolphy tiende un puente entre las interpretaciones de saxo solo de Coleman Hawkins y Anthony Braxton.
https://www.allmusic.com/album/far-cry-mw0000661692

Eric Dolphy • Caribe

 

Review by
Richard S. Ginell
This record is the equivalent of throwing a stick of dynamite into a sedate, well-ordered dinner party, having the dynamite go off with a bang, and somehow leaving everything in its place. Such is the volatile Eric Dolphy, a serious wailer on the alto sax and even more idiosyncratic and radical on the bass clarinet, who barges into the lair of Juan Amalbert's Latin Jazz Quintet and doesn't perturb them in the least. The title track is sheer schizophrenia, the LJQ ambling along in a conga-accented blues walk while Dolphy fires all over the place on alto sax. Even the more animated "Mambo Ricci" has the same kind of group dynamic; Dolphy on fire, Gene Casey calm and deliberate on piano. Only on "Spring Is Here," where Dolphy switches to a contemplative-toned flute, do we find a balanced meeting ground, though his flute solo on "Sunday Go Meetin'" goes back out on a limb. Not an ideal match, then, but fascinating without a doubt.
https://www.allmusic.com/album/carib%C3%A9-mw0000121703

///////

Reseña por
Richard S. Ginell
Este disco es el equivalente a lanzar un cartucho de dinamita en una cena tranquila y ordenada, hacer que la dinamita explote y, de alguna manera, dejar todo en su sitio. Así es el volátil Eric Dolphy, un serio aullador con el saxo alto y aún más idiosincrásico y radical con el clarinete bajo, que irrumpe en la guarida del Latin Jazz Quintet de Juan Amalbert y no les perturba lo más mínimo. El tema que da título al disco es pura esquizofrenia, el LJQ deambula en un blues con acento de conga mientras Dolphy dispara por todas partes con el saxo alto. Incluso el más animado "Mambo Ricci" tiene el mismo tipo de dinámica de grupo; Dolphy en llamas, Gene Casey tranquilo y deliberado al piano. Sólo en "Spring Is Here", donde Dolphy cambia a una flauta de tono contemplativo, encontramos un punto de encuentro equilibrado, aunque su solo de flauta en "Sunday Go Meetin'" vuelve a la carga. No es pues la pareja ideal, pero sin duda fascinante.
https://www.allmusic.com/album/carib%C3%A9-mw0000121703

Eric Dolphy • Hot And Cool Latin

 

Ornette Coleman • Free Jazz

 

 

Ron Carter • Where

 

Review
by Jim Todd  
This 1961 set has appeared under Eric Dolphy's name, but it is, in fact, bassist Ron Carter's date -- his first as a leader. Carter and Dolphy had played together in Chico Hamilton's group and on Dolphy's important 1960 date Out There. Where? has elements in common with both, but is closer to Hamilton's late-'50s chamber jazz than to the more outward-bound Dolphy date. As on the Dolphy session, Carter is heard on cello for three of the six tracks. Carter's skill is undeniable, but his playing on Where? is a bit polite and monochromatic. The easygoing duet with George Duvivier, for example, is a quiet, back-porch conversation that makes few demands on either of these bass giants. Dolphy -- playing bass clarinet, alto sax, and flute -- is a far more interesting prospect, even if he doesn't blow his face off to the extent he did in other settings. Pianist Mal Waldron is characteristically dry, economical, and swinging. Drummer Charlie Persip quietly impresses with thoughtful, detailed work. Duvivier is on bass when Carter plays cello. The tracks comprise two Carter originals, two standards, and a pair of Randy Weston numbers. Weston's "Saucer Eyes," the album's best track, features a strong group performance, a superbly laconic statement from Waldron, Dolphy's ebullient flute, and captivating brush work from Persip. Carter's "Rally," with Dolphy's freewheeling bass clarinet and the composer's most adventurous cello work on this set, is closest in spirit to Dolphy's own dates from this period.
https://www.allmusic.com/album/where--mw0000654723

///////

Reseña
por Jim Todd  
Este set de 1961 ha aparecido bajo el nombre de Eric Dolphy, pero es, de hecho, la fecha del bajista Ron Carter -- su primera como líder. Carter y Dolphy habían tocado juntos en el grupo de Chico Hamilton y en la importante fecha de Dolphy de 1960 Out There. Where? tiene elementos en común con ambos, pero está más cerca del jazz de cámara de Hamilton de finales de los 50 que de la fecha de Dolphy, más orientada hacia el exterior. Al igual que en la sesión de Dolphy, Carter toca el violonchelo en tres de los seis temas. La habilidad de Carter es innegable, pero su interpretación en Where? es un poco educada y monocromática. El dúo con George Duvivier, por ejemplo, es una conversación tranquila que no exige mucho a ninguno de los dos gigantes del bajo. Dolphy, que toca el clarinete bajo, el saxo alto y la flauta, es una perspectiva mucho más interesante, incluso si no se deja la piel en otros escenarios. El pianista Mal Waldron se caracteriza por su sequedad, economía y swing. El batería Charlie Persip impresiona con su trabajo reflexivo y detallado. Duvivier toca el bajo cuando Carter toca el violonchelo. Los temas incluyen dos originales de Carter, dos estándares y un par de números de Randy Weston. Saucer Eyes" de Weston, el mejor tema del álbum, cuenta con una sólida interpretación de grupo, una declaración magníficamente lacónica de Waldron, la efervescente flauta de Dolphy y el cautivador trabajo de pincel de Persip. Rally" de Carter, con el clarinete bajo desenfadado de Dolphy y el trabajo de violonchelo más aventurero del compositor en este álbum, es el que más se acerca en espíritu a las propias fechas de Dolphy de este periodo.
https://www.allmusic.com/album/where--mw0000654723


www.roncarterbass.com ...

  

George Russell • Ezz-Thetics

 

Review
by Scott Yanow
This is a true classic. Composer/pianist George Russell gathered together a very versatile group of talents (trumpeter Don Ellis, trombonist Dave Baker, Eric Dolphy on alto and bass clarinet, bassist Steve Swallow, and drummer Joe Hunt) to explore three of his originals, "'Round Midnight" (which is given an extraordinary treatment by Dolphy), Miles Davis' "Nardis," and David Baker's "Honesty." The music is post-bop and although using ideas from avant-garde jazz, it does not fall into any simple category. The improvising is at a very high level and the frameworks (which include free and stop-time sections) really inspire the players. Highly recommended.
https://www.allmusic.com/album/ezz-thetics-mw0000526212

///////

Reseña
por Scott Yanow
Este es un verdadero clásico. El compositor/pianista George Russell reunió a un grupo muy versátil de talentos (el trompetista Don Ellis, el trombonista Dave Baker, Eric Dolphy al clarinete alto y bajo, el bajista Steve Swallow y el batería Joe Hunt) para explorar tres de sus originales, "'Round Midnight" (que recibe un tratamiento extraordinario por parte de Dolphy), "Nardis" de Miles Davis y "Honesty" de David Baker. La música es post-bop y, aunque utiliza ideas del jazz de vanguardia, no entra en ninguna categoría simple. La improvisación está a un nivel muy alto y los marcos (que incluyen secciones libres y a tiempo parado) realmente inspiran a los músicos. Muy recomendable.
https://www.allmusic.com/album/ezz-thetics-mw0000526212

Freddie Hubbard • The Complete Blue Note & Impulse '60s Studio Sessions Vol 1

 

This limited edition collection traces Hubbard’s rise to prominence by collecting the entire ten studio albums recorded during his first six years as a leader. All of the music gives evidence of a brilliant player with an ever-more-personal voice, a budding composer who would go on to pen several jazz classics.
https://www.jazzmessengers.com/en/93418/freddie-hubbard/the-complete-blue-note-impulse-studio-sessions

///////

Esta colección de edición limitada recorre el ascenso de Hubbard a la fama recopilando los diez álbumes de estudio grabados durante sus primeros seis años como líder. Toda la música da testimonio de un intérprete brillante con una voz cada vez más personal, un compositor en ciernes que llegaría a escribir varios clásicos del jazz.
https://www.jazzmessengers.com/en/93418/freddie-hubbard/the-complete-blue-note-impulse-studio-sessions



INCLUDES THE ALBUMS:

    • Open Sesame (September 1960)
    • Goin’ Up Blue (April 1961)
    • Hub Cap (September 1961)
    • Ready For Freddie (April 1962)
    • The Artistry Of Freddie Hubbard (February 1963)
    • Hub-Tones (October 1963)
    • Here To Stay (1976)
    • The Body And The Soul (September 1964)
    • Breaking Point (August 1964)
    • Blue Spirits (January 1967)

 

Freddie Hubbard • The Complete Blue Note & Impulse '60s Studio Sessions Vol 2