VA • Intimate Jazz

 

 

 

The Atlantic Family • Live At Montreux

 

Review by Scott Yanow
This double LP was recorded at a series of concerts sponsored by Atlantic Records at the 1976 Montreux Jazz Festival. The mixture of jazz and R&B musicians is quite odd and sometimes stimualting. In addition to members of The Average White Band and soul singers Ben E. King and Luther Vandross, such players as tenor-saxophonist Michael Brecker, trumpeter Randy Brecker, altoist Sonny Fortune, flutist Herbie Mann, tenor-saxophonist David "Fathead" Newman and even trumpeter Don Ellis have their solos. It's an odd but ultimately successful jam session, long out-of-print. 
https://www.allmusic.com/album/the-atlantic-family-live-at-montreux-mw0000965877

///////

Rezension von Scott Yanow
Diese Doppel-LP wurde bei einer Reihe von Konzerten aufgenommen, die von Atlantic Records anlässlich des Montreux Jazz Festivals 1976 gesponsert wurden. Die Mischung aus Jazz- und R&B-Musikern ist recht ungewöhnlich und manchmal anregend. Neben Mitgliedern der Average White Band und den Soulsängern Ben E. King und Luther Vandross haben auch Tenorsaxophonist Michael Brecker, Trompeter Randy Brecker, Altist Sonny Fortune, Flötist Herbie Mann, Tenorsaxophonist David „Fathead“ Newman und sogar Trompeter Don Ellis ihre Soli. Es ist eine seltsame, aber letztlich erfolgreiche Jam-Session, die lange vergriffen war. 
https://www.allmusic.com/album/the-atlantic-family-live-at-montreux-mw0000965877

David Fathead Newman • Straight Ahead

 

Review
by AllMusic
The title of this 1961 release best sums up this quartet album. There is nothing particularly innovative about this recording, but the level of expertise and musical maturity displayed here is truly astonishing. This is simply straight-ahead hard bop performed by some of the finest musicians in 1960s jazz, including saxophonist David "Fathead" Newman and pianist Wynton Kelly.

Newman's playing is not only confident, it is unbelievably inspired. He rips through all six selections here, employing the great bebop vernacular developed by Charlie Parker and Dizzy Gillespie. Newman plays tenor, alto, and flute on STRAIGHT AHEAD, providing some variation to this set. Newman's flute work on his composition "Night of Nisan" is particularly energetic, as is his alto solo on his bluesy "Congo Chant." The highlight of the record, however, is the smoking, Caribbean-flavored opening track, "Batista's Groove."
https://www.allmusic.com/album/straight-ahead-mw0000661652

///////

Reseña
por AllMusic
El título de esta edición de 1961 es el que mejor resume este álbum de cuarteto. No hay nada particularmente innovador en esta grabación, pero el nivel de pericia y madurez musical que se muestra aquí es realmente asombroso. Se trata simplemente de hard bop directo interpretado por algunos de los mejores músicos del jazz de los 60, entre ellos el saxofonista David "Fathead" Newman y el pianista Wynton Kelly.

La interpretación de Newman no sólo es segura, sino increíblemente inspirada. Hace estragos en las seis selecciones, empleando el gran lenguaje del bebop desarrollado por Charlie Parker y Dizzy Gillespie. Newman toca el tenor, el contralto y la flauta en STRAIGHT AHEAD, aportando cierta variación a este conjunto. El trabajo de Newman con la flauta en su composición "Night of Nisan" es especialmente enérgico, al igual que su solo de contralto en su blues "Congo Chant". El punto culminante del disco, sin embargo, es el humeante tema de apertura con sabor caribeño, "Batista's Groove".
https://www.allmusic.com/album/straight-ahead-mw0000661652

Don Patterson • The Best Of Don Patterson

Dr. Lonnie Smith • Think!

www.drlonniesmith.com ...

Hank Crawford • Indigo Blue

 

Brother Jack McDuff & David Newman • Double Barrelled Soul

Herbie Mann • Live At The Whiskey A Go Go & Mississippi Gambler

Herbie Mann • Celebration

 

Review
by Scott Yanow
To celebrate his 65th birthday, the influential flutist Herbie Mann played for a week at the Blue Note in New York, along with some of his favorite musicians. Among the many guests on this CD are such notables as trumpeters Claudio Roditi and Randy Brecker, altoists David "Fathead" Newman, Paquito D'Rivera and Bobby Watson, fellow flutist Dave Valentin, Tito Puente on timbales and several rhythm sections. Alternating between Brazilian music, vintage funk jazz (such as "Memphis Underground"), a catchy boogaloo blues ("Dippermouth") and a few straight-ahead tracks ("Au Privave" and "Jeep's Blues"), the flutist sounds as if he had a great time. The diverse music is consistently infectious and joyful, with all eight selections well worth hearing. Highly recommended.
https://www.allmusic.com/album/65th-birthday-celebration-live-at-the-blue-note-in-new-york-city-mw0000096746

///////

Reseña
por Scott Yanow
Para celebrar su 65 cumpleaños, el influyente flautista Herbie Mann tocó durante una semana en el Blue Note de Nueva York, junto a algunos de sus músicos favoritos. Entre los numerosos invitados de este CD se encuentran figuras tan notables como los trompetistas Claudio Roditi y Randy Brecker, los contraltos David "Fathead" Newman, Paquito D'Rivera y Bobby Watson, el también flautista Dave Valentin, Tito Puente a los timbales y varias secciones rítmicas. Alternando entre música brasileña, funk jazz vintage (como "Memphis Underground"), un pegadizo boogaloo blues ("Dippermouth") y algunos temas directos ("Au Privave" y "Jeep's Blues"), el flautista suena como si se lo hubiera pasado en grande. La diversidad de la música es siempre contagiosa y alegre, y merece la pena escuchar las ocho selecciones. Muy recomendable.
https://www.allmusic.com/album/65th-birthday-celebration-live-at-the-blue-note-in-new-york-city-mw0000096746

Hank Crawford • The Soul Clinic

 

Hank Crawford was an alto sax sensation since he stepped out of the Ray Charles band back in 1963. A signature piercing, full bodied, blues, soul, and gospel drenched tone, sets him apart from the alto pack. He has an instantly recognizable voice, and his excellent choice of material suits his style perfectly. He is a bluesman turned preacher on the sax, and the sermon is always on time.

Bennie Ross Crawford Jr. was born in Memphis, Tennessee on December 21, 1934, began formal piano studies at age nine and was soon playing for his church choir. His father had brought an alto saxophone home from the service and when Hank entered high school, he took it up in order to join the band. He credits Charlie Parker, Louis Jordan, Earl Bostic and Johnny Hodges as early influences.

At school, he hung out with Phineas and Calvin Newborn, Booker Little, George Coleman, Frank Stozier and Harold Mabern—all of whom would go on to become important jazz figures. "We had a pretty good education just by being around each other," Crawford says now.

Before he had finished high school, Hank was playing in bands led by Ben Branch, Tuff Green, Al Jackson, Sr. and Ike Turner. They were frequently called upon to back such up-and-coming blues singers as B. B. King, Bobby Bland, Junior Parker, Johnny Ace and Roscoe Gordon and the Palace Theatre, the Club Paradise and other Memphis venues.

In 1953, Crawford went away to Tennessee State College in Nashville where he developed his arranging skills as a leader of the school dance band, which included vocalist Leon Thomas. During the evening, he led a quartet called Little Hank and the Rhythm Kings. Discovered one night at the Subway Lounge by country producer Roy Hall, the group cut "The House of Pink Lights" and "Christine" for a local label with Crawford as featured vocalist.

His big break came in 1958 when Ray Charles passed through Nashville. Baritone saxophonist Leroy “Hog” Cooper had just left the band, and Charles offered Crawford the baritone chair. “I learned a lot about discipline and phrasing from Ray,” Crawford says. “He would keep me up a lot of nights and dictate arrangements to me. I learned how to voice and get that soulful sound. I think I kinda had it before, but being around him just helped that much more.”

"Sherry", Hank's first composition and arrangement for the Charles septet, was recorded for the Ray Charles At Newport album shortly after he joined the band. He also contributed three tunes and six arrangements to Fathead Newman's debut albums later in 1958. Two years later, Charles expanded to full big band size and appointed Crawford musical director. (Crawford also switched to alto around this time.)

When Crawford left Ray Charles in 1963 to form his own septet, he had already established himself with several albums for Atlantic. From 1960 until 1970, he recorded twelve LPs for the label, many while balancing his earlier duties as Ray’s director. He released such pre-crossover hits as "Misty", "The Pepper", "Skunky Green", and "Whispering Grass".

After signing with Creed Taylor's Kudo label in 1971, he cut one album a year over the next eight years. At Kudu, Crawford wasn't allowed to write his own charts and was instead handed lavish arrangements in the then- fashionable CTI crossover mold. He still managed to come out with consistently quality work.

Crawford returned to classic form upon signing with Milestone Records in 1982, playing alto saxophone and often writing in the soulful manner that first made him famous. Some of his albums for the company— Midnight Ramble, (’82) Indigo Blue, (’83) Roadhouse Symphony, (’85) Night Beat, (’88) Groove Master, (’90) and South-Central. (’92).

In 1986, the saxophonist began working with blues-jazz organ master Jimmy McGriff. These are soul jazz played the way it should be, like going to school, it doesn’t get any better. They recorded four co-leader dates for Milestone—Soul Survivors, (’86) Steppin’ Up, (’87) On the Blue Side, (’89) and Road Tested, (’97) this duo also performed numerous club dates and concert dates in the U. S.

The new century found Hank Crawford, shifting gears and going for a more mainstream jazz set in his 2000 release “The World of Hank Crawford.” Though the songs are compositions from jazz masters as Ellington and Tadd Dameron, he delivers in that sanctified church sound that is his trademark.
Source: James Nadal
https://www.allaboutjazz.com/musicians/hank-crawford

///////

Hank Crawford fue una sensación del saxo alto desde que salió de la banda de Ray Charles en 1963. Su tono característico, penetrante y lleno de cuerpo, empapado de blues, soul y gospel, le distingue de los demás saxos altos. Tiene una voz reconocible al instante, y su excelente elección de material se adapta perfectamente a su estilo. Es un bluesman convertido en predicador del saxo, y el sermón siempre llega a tiempo.

Bennie Ross Crawford Jr. nació en Memphis, Tennessee, el 21 de diciembre de 1934, empezó a estudiar piano formalmente a los nueve años y pronto tocó en el coro de su iglesia. Su padre había traído a casa un saxofón alto del servicio y, cuando Hank entró en el instituto, lo cogió para unirse a la banda. Sus primeras influencias fueron Charlie Parker, Louis Jordan, Earl Bostic y Johnny Hodges.

En la escuela, se reunía con Phineas y Calvin Newborn, Booker Little, George Coleman, Frank Stozier y Harold Mabern, todos los cuales se convertirían en importantes figuras del jazz. "Tuvimos una buena educación sólo por el hecho de estar juntos", dice ahora Crawford.

Antes de terminar el instituto, Hank tocaba en bandas dirigidas por Ben Branch, Tuff Green, Al Jackson, Sr. e Ike Turner. A menudo eran llamados para respaldar a cantantes de blues prometedores como B. B. King, Bobby Bland, Junior Parker, Johnny Ace y Roscoe Gordon en el Palace Theatre, el Club Paradise y otros locales de Memphis.

En 1953, Crawford se marchó al Tennessee State College de Nashville, donde desarrolló sus habilidades de arreglista como líder de la banda de baile de la escuela, que incluía al vocalista Leon Thomas. Por la noche, dirigía un cuarteto llamado Little Hank and the Rhythm Kings. Descubiertos una noche en el Subway Lounge por el productor de country Roy Hall, el grupo grabó "The House of Pink Lights" y "Christine" para un sello local con Crawford como vocalista principal.

Su gran oportunidad llegó en 1958 cuando Ray Charles pasó por Nashville. El saxofonista barítono Leroy "Hog" Cooper acababa de dejar la banda y Charles le ofreció a Crawford la silla de barítono. "Aprendí mucho sobre la disciplina y el fraseo de Ray", dice Crawford. "Me mantenía despierto muchas noches y me dictaba los arreglos. Aprendí a vocalizar y a conseguir ese sonido conmovedor. Creo que ya lo tenía, pero estar cerca de él me ayudó mucho más".

"Sherry", la primera composición y arreglo de Hank para el septeto de Charles, se grabó para el álbum Ray Charles At Newport poco después de unirse a la banda. También contribuyó con tres melodías y seis arreglos a los álbumes de debut de Fathead Newman más tarde en 1958. Dos años más tarde, Charles amplió el tamaño de la big band y nombró a Crawford director musical. (Crawford también cambió a contralto por esta época).

Cuando Crawford dejó a Ray Charles en 1963 para formar su propio septeto, ya se había establecido con varios álbumes para Atlantic. Desde 1960 hasta 1970, grabó doce LPs para el sello, muchos de ellos mientras compaginaba sus anteriores obligaciones como director de Ray. Publicó éxitos anteriores al crossover como "Misty", "The Pepper", "Skunky Green" y "Whispering Grass".

Tras firmar con el sello Kudo de Creed Taylor en 1971, grabó un álbum al año durante los ocho años siguientes. En Kudu, a Crawford no se le permitió componer sus propios temas y, en su lugar, se le entregaron lujosos arreglos en el molde crossover de CTI, tan de moda entonces. Aun así, se las arregló para hacer un trabajo de calidad constante.

Crawford volvió a su forma clásica cuando firmó con Milestone Records en 1982, tocando el saxofón alto y escribiendo a menudo de la manera conmovedora que le hizo famoso. Algunos de sus álbumes para la compañía: Midnight Ramble, ('82) Indigo Blue, ('83) Roadhouse Symphony, ('85) Night Beat, ('88) Groove Master, ('90) y South-Central. ('92).

En 1986, el saxofonista comenzó a trabajar con el maestro del órgano de blues-jazz Jimmy McGriff. Esto es soul jazz tocado como debe ser, como ir a la escuela, no hay nada mejor. Grabaron cuatro fechas como colíderes para Milestone-Soul Survivors, ('86) Steppin' Up, ('87) On the Blue Side, ('89) y Road Tested, ('97) este dúo también realizó numerosas fechas en clubes y conciertos en Estados Unidos.

El nuevo siglo encontró a Hank Crawford, cambiando de marcha y apostando por un conjunto de jazz más convencional en su lanzamiento de 2000 "The World of Hank Crawford". Aunque las canciones son composiciones de maestros del jazz como Ellington y Tadd Dameron, él las interpreta con ese sonido de iglesia santificado que es su marca.
Fuente: James Nadal
https://www.allaboutjazz.com/musicians/hank-crawford


 

Don Patterson • Mellow Soul

 

Biography by Steve Huey
Inspired to switch from piano to organ by Jimmy Smith, Don Patterson was one of the Hammond B-3's most bop-rooted players, able to play bluesy soul-jazz grooves or break out of the pocket for some nimble, sharply defined solo lines. Though he led numerous recording dates for Prestige and later Muse, he was best-known as Sonny Stitt's favorite organist, proving eminently compatible with the Parker-influenced saxophonist. Patterson was born in Columbus, OH, on July 22, 1936, and began studying piano as a child. His first major influence was Erroll Garner, and some of that flavor remained in his playing even after he heard Jimmy Smith in 1956 and changed instruments. Patterson made his professional debut on the organ in 1959, and played with a number of groups before Stitt discovered him. The association helped make Patterson's name, and he began recording for Prestige in 1964, often with a trio featuring guitarist Pat Martino and drummer Billy James. Patterson also played with numerous other soul-jazz sax greats over the course of the '60s, before settling in Gary, IN, toward the end of the decade. Drug addiction curtailed his recording activities somewhat, as only a few sporadic sessions for Muse appeared during the '70s. He did revive his career somewhat after moving to Philadelphia, but his health worsened, forcing him to take dialysis frequently; he died on February 10, 1988. 

https://www.allmusic.com/artist/don-patterson-mn0000800821#biography

///////

Biografía de Steve Huey
Inspirado por Jimmy Smith para cambiar el piano por el órgano, Don Patterson fue uno de los intérpretes del Hammond B-3 más arraigados en el bop, capaz de tocar grooves bluesy soul-jazz o de salirse del bolsillo para algunos solos ágiles y definidos. Aunque protagonizó numerosas grabaciones para Prestige y más tarde para Muse, era más conocido como el organista favorito de Sonny Stitt, demostrando ser eminentemente compatible con el saxofonista de influencia Parker. Patterson nació en Columbus, OH, el 22 de julio de 1936, y empezó a estudiar piano de niño. Su primera gran influencia fue Erroll Garner, y parte de ese sabor permaneció en su forma de tocar incluso después de escuchar a Jimmy Smith en 1956 y cambiar de instrumento. Patterson debutó profesionalmente con el órgano en 1959 y tocó con varios grupos antes de que Stitt le descubriera. La asociación ayudó a dar a conocer a Patterson, que empezó a grabar para Prestige en 1964, a menudo con un trío formado por el guitarrista Pat Martino y el batería Billy James. Patterson también tocó con muchos otros grandes del soul-jazz a lo largo de los años 60, antes de establecerse en Gary, Indiana, a finales de la década. Su adicción a las drogas redujo en cierta medida sus actividades discográficas, ya que durante los años 70 sólo apareció en algunas sesiones esporádicas para Muse. Revivió un poco su carrera tras mudarse a Filadelfia, pero su salud empeoró, obligándole a someterse a diálisis con frecuencia; murió el 10 de febrero de 1988. 

https://www.allmusic.com/artist/don-patterson-mn0000800821#biography

Herbie Mann • Surprises

Biography

The world according to flutist and composer Herbie Mann was a utopian musical paradise where jazz is made up of of Afro-Cuban, Middle-Eastern, R&B, and nearly every other kind of music. In the 1960s, he discovered Brazil's bossa-nova; in the 1970s, he even found disco rhythms in jazz.

Unlike most of his contemporaries in jazz, when Mann began playing flute in 1940s he had no forefathers to learn from, no pioneers of jazz flute to idolize. He was forced to look elsewhere—both inside and outside of jazz—to develop his approach to jazz and the flute. Among numerous musical influences, Mann was particularly drawn to rhythms and melodies from South America and the Caribbean.

Herbie Mann was born Herbert Jay Solomon in Brooklyn, New York, on April 16, 1930. Early in his childhood, Mann was so enthralled with rhythm that he wanted to be a drummer. Instead, a cousin of his mother convinced him to play the clarinet.

In 1948, Mann began serving four years in the army and while stationed in Trieste, Italy, he began playing saxophone in the military band. After his discharge from the service, he saw a jazz scene overflowing with sax players and he fell back on his second instrument, the flute. When the Dutch accordionist, Mat Matthews, told him he was looking for a jazz flute player for the first album by the then unknown Carmen McRae, Herbie immediately jumped at the opportunity and spent days “woodshedding” before going into the studio. With this opportunity he was able to distinguish himself from other players as a jazz flutist, of which there were few.

In 1954, Mann released his first album for Bethlehem Records, “Herbie Mann Plays.” Although at that time he was jamming with bebop innovators like bassist Milt Hinton, drummers Art Blakey and Kenny Clarke, and pianist Tommy Flanagan, Mann was never truly comfortable playing straight-ahead bebop. As he began to bring non-jazz elements into his sound, Mann's flute playing began to sound tougher and more aggressive.

Three years later, Mann made the first of three albums for Verve Records, titled “The Magic Flute of Herbie Mann.” The album featured, “The Evolution of Mann” which became an instant hit on the radio thanks to New York disc jockey, “Symphony Sid” Torin. Mann then formed an Afro-Cuban band with percussionists like Rudy Collins, Ray Mantilla, and Carlos “Patato” Valdez, all from Cuba's legendary Machito Orchestra. Because Mann was able to pay the percussionists more money than what they were making with the other Latin orchestras, a rift was created between Mann and many of the other Latin bandleaders. Eventually, Mann's interest in Afro-Cuban jazz led him to the music's source—Africa. In 1959, the U.S. State Department funded a trip for Mann to visit Africa, after they heard his version of “African Suite.”

After his trip to Africa, Mann moved to Atlantic Records, releasing “Common Ground (1960),” which embraced a wider sense of the African musical diaspora. Mann's band included musicians from Puerto Rico, Nigeria, and beyond. This added rhythmic element boosted Herbie's popularity and the list of Latin percussionists who played with him in the late 50's and 60's reads like a Who's Who of the genre: Candido, Ray Barretto, Olatunji, Potato Valdes, Willie Bobo and others. Audiences around the world loved this sound.

Mann recorded a live album at New York City's Village Gate jazz club in 1961, the set featured “Comin' Home Baby” which became Mann's first major crossover hit. The immense popularity of At the Village Gate made Mann a true superstar.

Not content to rest on his laurels, Mann forged ahead into new territory. Inspired by the classic Brazilian film Black Orpheus, Mann convinced his manager Monte Kay to book him a tour to Brazil, although he was hardly known there. Mann returned to the U.S. transformed by the music he had heard in Brazil, intent on making a Brazilian jazz album. Although guitarist Charlie Byrd and saxophonist Stan Getz had already made a smash hit in 1962 with their Brazilian jazz album, “Jazz Samba,” Mann was unimpressed. His response, also released in 1962, was “Do The Bossa Nova,” featuring more of the real deal: Brazilian musicians like Sergio Mendes, guitarist Baden Powell, and pianist and arranger Antonio Carlos Jobim.

After the bossa-nova craze ran its course, Mann ventured off into Middle Eastern music, which resulted in the 1966 album, “Impressions of the Middle East.” Two years later, Mann delved deeper into yet another genre: rhythm & blues. While in London, he heard Willie Mitchell's Hi Records hit, “Mercy” and as he had done with his exploration of Afro-Cuban music, Mann went straight to the source: Memphis, Tennesee.

After absorbing Memphis' Stax and Hi records sounds, Mann came out with the soul-jazz album “Memphis Underground;” it became his best-selling disc ever. The radio-friendly music and the explosive R&B solo work from guitarist Sonny Sharrock on the disc again infuriated jazz critics.

After the breakthrough success with “Memphis Underground,” Mann continued to explore R&B and its distant cousin, disco. In 1969, Atlantic allowed Mann to start his own label, Embryo. Mann released the sexually-charged album Push Push, in 1971, generating a significant amount of controversy over the suggestive album cover—a nude Mann posing seductively with flute in hand.

Throughout the 1970s, Mann created more distance between himself and the jazz establishment by recording reggae, disco, British rock, and Japanese music albums. By the time he recorded “Discotheque,” he hardly had a jazz core audience. Throughout the 1980s, Mann remained in obscurity when it came to jazz. However, towards the end of this ten-year period, he formed a group, Jasil Brazz, and once again reestablished his musical footing in the fertile sounds of his beloved Brazil. He produced two records, “Jasil Brazz,” and “Opalescence,” featuring Brazilian guitarists Romero Lubambo and Ricardo Silveira. Throughout the label “shifts”, he retained his rights to these recordings and in l992 formed his own label, Kokopelli Music. He launched the label with the release of “Deep Pocket,” an all star, soul/jazz recording featuring Les McCann, Cornell Dupree, David Newman and Chuck Rainey.

Two years later, Herbie went into a partnership and Kokopelli Music was expanded to Kokopelli Records. This year and a half venture produced nearly a dozen recordings including Herbie's “Peace Pieces,” a tribute to the music of Bill Evans, featuring guitarist Bruce Dunlap, Eddie Gomez and Randy Brecker.

Herbie released two albums on the Lightyear label from his l995 weeklong celebration of his 65th birthday. The recordings, “Celebration,” and “America Brasil,” feature many of his longtime friends and musical partners from his past, including David “Fathead” Newman, Dave Valentin, Ron Carter, Billy Taylor, Tito Puente, Randy Brecker, Claudio Roditi and others.

By 1997, he was diagnosed with inoperable prostate cancer, and the disease finally took his life on July 1, 2003.

Herbie Mann's career does not lend itself to easy characterization. At the same time, though, his recorded work speaks volumes about his ability to merge widely-varying forms into a coherent and appealing style that was accessible to the average listener. Mann could also be described as one of the first “world” musicians; his sensitivity for non-Western musical forms, evidenced by his ability to integrate them into work that could be easily appreciated by a largely Western audience while still retaining the essential characteristics of its origin, has few parallels among the other musicians of his generation.

Source: James Nadal

///////

Biografía

El mundo, según el flautista y compositor Herbie Mann, era un paraíso musical utópico donde el jazz se compone de música afrocubana, de Oriente Medio, de R&B y de casi cualquier otro tipo de música. En la década de 1960, descubrió la bossa-nova de Brasil; en la década de 1970, incluso encontró ritmos de discoteca en el jazz.

A diferencia de la mayoría de sus contemporáneos del jazz, cuando Mann comenzó a tocar la flauta en la década de 1940 no tenía antepasados de los que aprender, ni pioneros de la flauta de jazz a los que idolatrar. Se vio obligado a buscar en otros lugares, tanto dentro como fuera del jazz, para desarrollar su enfoque del jazz y la flauta. Entre las numerosas influencias musicales, Mann se sintió particularmente atraído por los ritmos y melodías de América del Sur y el Caribe.

Herbie Mann nació Herbert Jay Solomon en Brooklyn, Nueva York, el 16 de abril de 1930. A principios de su infancia, Mann estaba tan cautivado por el ritmo que quería ser un baterista. En cambio, un primo de su madre lo convenció de que tocara el clarinete.

En 1948, Mann comenzó a servir cuatro años en el ejército y mientras estaba destinado en Trieste, Italia, comenzó a tocar el saxofón en la banda militar. Después de su baja del servicio, vio una escena de jazz rebosante de saxofonistas y se echó atrás con su segundo instrumento, la flauta. Cuando el acordeonista holandés, Mat Matthews, le dijo que buscaba un flautista de jazz para el primer álbum de la entonces desconocida Carmen McRae, Herbie aprovechó inmediatamente la oportunidad y pasó días "woodshedding" antes de entrar en el estudio. Con esta oportunidad pudo distinguirse de otros músicos como flautista de jazz, que eran pocos.

En 1954, Mann lanzó su primer álbum para Bethlehem Records, "Herbie Mann Plays". Aunque en ese momento estaba tocando con innovadores del bebop como el bajista Milt Hinton, los bateristas Art Blakey y Kenny Clarke, y el pianista Tommy Flanagan, Mann nunca se sintió realmente cómodo tocando bebop de frente. A medida que empezó a introducir elementos de no jazz en su sonido, la flauta de Mann empezó a sonar más dura y agresiva.

Tres años después, Mann hizo el primero de tres álbumes para Verve Records, titulado "La flauta mágica de Herbie Mann". El álbum presentó "The Evolution of Mann", que se convirtió en un éxito instantáneo en la radio gracias al disc jockey neoyorquino "Symphony Sid" Torin. Mann formó entonces una banda afrocubana con percusionistas como Rudy Collins, Ray Mantilla y Carlos "Patato" Valdez, todos de la legendaria Orquesta Machito de Cuba. Debido a que Mann pudo pagar a los percusionistas más dinero del que ganaban con las otras orquestas latinas, se creó una brecha entre Mann y muchos de los otros directores de orquesta latinos. Con el tiempo, el interés de Mann en el jazz afrocubano le llevó a la fuente de la música: África. En 1959, el Departamento de Estado de los Estados Unidos financió un viaje para que Mann visitara África, después de haber escuchado su versión de "African Suite".

Después de su viaje a África, Mann se trasladó a Atlantic Records y publicó "Common Ground (1960)", que abarcaba un sentido más amplio de la diáspora musical africana. La banda de Mann incluía músicos de Puerto Rico, Nigeria y otros países. Este elemento rítmico añadido aumentó la popularidad de Herbie y la lista de percusionistas latinos que tocaron con él a finales de los años 50 y 60 se lee como un Who's Who del género: Candido, Ray Barretto, Olatunji, Potato Valdes, Willie Bobo y otros. El público de todo el mundo amaba este sonido.

Mann grabó un álbum en vivo en el club de jazz Village Gate de la ciudad de Nueva York en 1961, el conjunto incluía "Comin' Home Baby" que se convirtió en el primer gran éxito de Mann. La inmensa popularidad de "At the Village Gate" hizo de Mann una verdadera superestrella.

No contento con dormirse en sus laureles, Mann se forjó en un nuevo territorio. Inspirado por el clásico brasileño Black Orpheus, Mann convenció a su manager Monte Kay para que le reservara un viaje a Brasil, aunque apenas era conocido allí. Mann regresó a los EE.UU. transformado por la música que había escuchado en Brasil, con la intención de hacer un álbum de jazz brasileño. Aunque el guitarrista Charlie Byrd y el saxofonista Stan Getz ya habían conseguido un gran éxito en 1962 con su álbum de jazz brasileño, "Jazz Samba", Mann no quedó impresionado. Su respuesta, también publicada en 1962, fue "Do The Bossa Nova", con más de lo real: músicos brasileños como Sergio Mendes, el guitarrista Baden Powell, y el pianista y arreglista Antonio Carlos Jobim.

Después de que la locura de la bossa-nova siguiera su curso, Mann se aventuró en la música de Oriente Medio, lo que dio lugar al álbum de 1966, "Impressions of the Middle East". Dos años más tarde, Mann profundizó en otro género: el rhythm & blues. Mientras estaba en Londres, escuchó el éxito de Willie Mitchell en Hi Records, "Mercy" y como había hecho con su exploración de la música afrocubana, Mann fue directamente a la fuente: Memphis, Tennesee.

Después de absorber los sonidos de Stax y Hi Records de Memphis, Mann sacó el álbum de soul-jazz "Memphis Underground"; se convirtió en el disco más vendido de su vida. La música apta para la radio y el explosivo trabajo en solitario de R&B del guitarrista Sonny Sharrock en el disco enfurecieron de nuevo a los críticos de jazz.

Tras el gran éxito de "Memphis Underground", Mann siguió explorando el R&B y su primo lejano, el disco. En 1969, Atlantic permitió a Mann crear su propio sello, Embryo. Mann lanzó el álbum sexualmente cargado Push Push, en 1971, generando una importante controversia sobre la sugerente portada del álbum: una Mann desnuda posando seductoramente con la flauta en la mano.

A lo largo de la década de 1970, Mann creó más distancia entre él y el establecimiento del jazz al grabar álbumes de reggae, disco, rock británico y música japonesa. Cuando grabó "Discoteca", apenas tenía un público de jazz. A lo largo de los años 80, Mann permaneció en el olvido en lo que se refiere al jazz. Sin embargo, hacia el final de este período de diez años, formó un grupo, Jasil Brazz, y una vez más restableció su base musical en los fértiles sonidos de su amado Brasil. Produjo dos discos, "Jasil Brazz" y "Opalescence", con los guitarristas brasileños Romero Lubambo y Ricardo Silveira. Durante los "cambios" del sello, conservó los derechos de estas grabaciones y en 1992 formó su propio sello, Kokopelli Music. Lanzó el sello con el lanzamiento de "Deep Pocket", una grabación de soul/jazz con Les McCann, Cornell Dupree, David Newman y Chuck Rainey.

Dos años más tarde, Herbie se asoció con Kokopelli Music y se expandió a Kokopelli Records. Este año y medio la empresa produjo casi una docena de grabaciones, incluyendo "Peace Pieces" de Herbie, un tributo a la música de Bill Evans, con el guitarrista Bruce Dunlap, Eddie Gómez y Randy Brecker.

Herbie lanzó dos álbumes con el sello Lightyear en la semana de celebración de su 65 cumpleaños en 1995. Las grabaciones, "Celebration" y "America Brasil", presentan a muchos de sus viejos amigos y compañeros musicales de su pasado, incluyendo a David "Fathead" Newman, Dave Valentin, Ron Carter, Billy Taylor, Tito Puente, Randy Brecker, Claudio Roditi y otros.

En 1997 se le diagnosticó un cáncer de próstata inoperable, y la enfermedad finalmente le quitó la vida el 1 de julio de 2003.

La carrera de Herbie Mann no se presta a una fácil caracterización. Sin embargo, al mismo tiempo, su trabajo grabado dice mucho sobre su capacidad de fusionar formas muy variadas en un estilo coherente y atractivo que era accesible para el oyente medio. Mann también podría describirse como uno de los primeros músicos "mundiales"; su sensibilidad por las formas musicales no occidentales, que se pone de manifiesto en su capacidad para integrarlas en una obra que podía ser fácilmente apreciada por un público mayoritariamente occidental, conservando al mismo tiempo las características esenciales de su origen, tiene pocos paralelismos con los demás músicos de su generación.

Fuente: James Nadal

 

 

David Fathead Newman • The Sound of the Wide Open Spaces! + Straight Ahead

 

David Fathead Newman was best known for his long association with Ray Charles, but there was much more to him, as this succinct and panoramic coverage of his talents as a jazzman reveals. His bright, buoyant tenor, despite the apparent Sonny Rollins and John Coltrane influences, has moments of humor and timbre that suggest Lockjaw Davis.

The first album The Sound of the Wide Open Spaces!, introduces a quintet with Newman and fellow Texan James Clay, both on tenor, swinging hard, generating a tremendous amount of excitement and emotional involvement, with Clay adding his rich, sensitive touch on flute.

The second album, Straight Ahead, features a quartet showcasing Newman not only on tenor, but also on alto and flute, with the alto performances firm and convincing and the flute outings equally persuasive. Pianist Wynton Kellys role is a key one, amounting at times to a virtual duet with Newman. In fact, the accompaniment in both dates is impressive, as would be expected from such major league players as Kelly, bassists Paul Chambers and Sam Jones, and drummers Charlie Persip and Art Taylor, who offer impeccable drive, ideas and energy throughout.
https://www.freshsoundrecords.com/david-fathead-newman-albums/5468-the-sound-of-the-wide-open-spaces-straight-ahead-2-lps-on-1-cd.html

///////

David Fathead Newman era más conocido por su larga asociación con Ray Charles, pero había mucho más en él, como revela esta cobertura sucinta y panorámica de su talento como jazzista. Su tenor brillante y alegre, a pesar de las aparentes influencias de Sonny Rollins y John Coltrane, tiene momentos de humor y timbre que sugieren a Lockjaw Davis.

El primer álbum, The Sound of the Wide Open Spaces !, presenta un quinteto con Newman y su compañero texano James Clay, ambos a tenor, balanceándose con fuerza, generando una tremenda cantidad de emoción y participación emocional, con Clay agregando su toque rico y sensible a la flauta .

El segundo álbum, Straight Ahead, presenta un cuarteto que presenta a Newman no solo en tenor, sino también en alto y flauta, con interpretaciones de alto firmes y convincentes y las salidas de flauta igualmente persuasivas. El papel del pianista Wynton Kelly es clave, llegando a veces a un dueto virtual con Newman. De hecho, el acompañamiento en ambas fechas es impresionante, como se esperaría de jugadores de grandes ligas como Kelly, los bajistas Paul Chambers y Sam Jones, y los bateristas Charlie Persip y Art Taylor, quienes ofrecen un impecable impulso, ideas y energía en todo momento.
https://www.freshsoundrecords.com/david-fathead-newman-albums/5468-the-sound-of-the-wide-open-spaces-straight-ahead-2-lps-on-1-cd.html

Fresh Sound Records ...