Jimmy McGriff • Funkiest Little Band In The Land / Tribute To Basie - 2 CDs

VA • Saga Jazzː The President's Men (Lester Young's Disciples)

 

Lester Young, Brew Moore, Gene Ammons, Stan Getz, Wardell Gray, Bob Cooper, Illinois Jacquet, Budd Johnson, Dexter Gordon, Al Cohn, Zoot Sims, Henri Renaud, Warne Marsh, Jimmy Giuffre, Paul Quinichette, Sonny Stitt, Bobby Jaspar, Bill Perkins …

Claude Hopkins • Swing Time!

 

Review by Scott Yanow
Claude Hopkins is best-known for being a powerful stride pianist who led a big band in the 1930s; he is also known for his solo records of 1969-72. Barely on records at all from 1941-59, Hopkins cut three albums for Swingville from 1960-63; the second and third are reissued in full on this 1999 CD. The most surprising aspect to these combo dates is that Hopkins hardly strides at all and comes across as a Teddy Wilson-inspired swing pianist. Much of the time he is in the background, with the success of the sessions really due to the fine playing of the horns. Trombonist Vic Dickenson and tenor saxophonist Budd Johnson play at the high level one would expect on the Swing Time set, with the main revelation being the obscure trumpeter Bobby Johnson, a veteran of Erskine Hawkins' Orchestra, who holds his own with the stars. Hopkins' "Crying My Heart Out for You" from this date is well worth reviving again. The music from the other Swingville album, Let's Jam, gives tenor saxophonist Buddy Tate an opportunity to play his underrated clarinet on "Late Evening" and has several opportunities for the largely forgotten swing trumpeter Joe Thomas to show how lyrical a soloist he was. This CD is recommended even if Hopkins' role is much more minor than expected. 
https://www.allmusic.com/album/swing-time-mw0000666904

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Reseña de Scott Yanow
Claude Hopkins es conocido principalmente por ser un poderoso pianista de stride que lideró una big band en la década de 1930; también es famoso por sus discos en solitario de 1969-72. Apenas grabó entre 1941 y 1959, pero entre 1960 y 1963 Hopkins grabó tres álbumes para Swingville; el segundo y el tercero se reeditan íntegramente en este CD de 1999. Lo más sorprendente de estas grabaciones en combo es que Hopkins apenas toca el stride y se presenta como un pianista de swing inspirado en Teddy Wilson. La mayor parte del tiempo permanece en segundo plano, y el éxito de las sesiones se debe realmente a la excelente interpretación de los instrumentos de viento. El trombonista Vic Dickenson y el saxofonista tenor Budd Johnson tocan al alto nivel que cabría esperar en el conjunto Swing Time, siendo la principal revelación el desconocido trompetista Bobby Johnson, un veterano de la Orquesta de Erskine Hawkins, que está a la altura de las estrellas. Vale la pena recuperar «Crying My Heart Out for You» de Hopkins, de esta fecha. La música del otro álbum de Swingville, Let's Jam, da al saxofonista tenor Buddy Tate la oportunidad de tocar su clarinete, infravalorado, en «Late Evening», y ofrece varias oportunidades al trompetista de swing Joe Thomas, en gran parte olvidado, para demostrar lo lírico que era como solista. Este CD es recomendable, aunque el papel de Hopkins sea mucho más secundario de lo esperado. 
https://www.allmusic.com/album/swing-time-mw0000666904

Ray Brown & Milt Jackson • Much In Common

 

 

Review by Michael G. Nastos
Though not partners as had been planned in the initial Modern Jazz Quartet, Ray Brown and Milt Jackson did work together in the early to mid-'60s, this double-CD set includes some fine collaborations and interesting combinations. There are 12 big-band cuts from 1962 led by Brown, primarily featuring Cannonball Adderley with Jackson on the side. From 1965 another eight tracks concentrate on small group efforts with Brown, Jackson, pianist Hank Jones, and different horn soloists, while the final 14 selections from 1964, still as small ensembles with set lineups of guitarist Kenny Burrell, drummer Al Heath, keyboardists Jones, or Wild Bill Davis, also highlight the singing of the gospel vocalist Marion Williams. This can easily be considered a valuable reissue, showcasing two jazz giants in the prime of their careers, playing music not readily identifiable aside from their work with Oscar Peterson (Brown) or MJQ (Jackson) around this time.
https://www.allmusic.com/album/much-in-common-mw0000080450

 

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Reseña de Michael G. Nastos
Aunque no fueron socios como se había planeado en el Cuarteto inicial de Jazz Moderno, Ray Brown y Milt Jackson trabajaron juntos a principios y mediados de los 60, este set de doble CD incluye algunas colaboraciones excelentes y combinaciones interesantes. Hay 12 cortes de big band de 1962 liderados por Brown, principalmente con Cannonball Adderley con Jackson a un lado. A partir de 1965, otras ocho pistas se concentran en esfuerzos de grupos pequeños con Brown, Jackson, el pianista Hank Jones y diferentes solistas de trompa, mientras que las 14 selecciones finales de 1964, aún como conjuntos pequeños con alineaciones establecidas del guitarrista Kenny Burrell, el baterista Al Heath, los tecladistas Jones o Wild Bill Davis, también destacan el canto de la vocalista de gospel Marion Williams. Esto puede considerarse fácilmente una reedición valiosa, que muestra a dos gigantes del jazz en el mejor momento de sus carreras, tocando música que no es fácilmente identificable aparte de su trabajo con Oscar Peterson (Brown) o MJQ (Jackson) en esta época.
https://www.allmusic.com/album/much-in-common-mw0000080450 

 

 

Birdland Dream Band • Birdland Dream Band

 

Ray Charles • Genius + Soul = Jazz

 

 

 

Benny Carter • 'Live And Well In Japan!

 

Benny Carter headed a talent-filled tentet for this frequently exciting concert. With trumpeters Cat Anderson and Joe Newman, trombonist Britt Woodman, Cecil Payne on baritone and Budd Johnson doubling on tenor and soprano, it is not at all surprising that the results would be memorable, but this date actually exceeds one's expectations. In addition to fine jam versions of "Squatty Roo," "Them There Eyes" and "It Don't Mean a Thing," there is a remarkable Louis Armstrong medley on which Carter (on trumpet) plays "When It's Sleepy Time Down South," Cat Anderson follows with a high note solo on "Confessin'" and then Joe Newman (who rarely recorded vocals) does a near-perfect imitation of Louis Armstrong singing on "When You're Smiling."

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Benny Carter encabezó un tentet lleno de talento para este concierto a menudo emocionante. Con los trompetistas Cat Anderson y Joe Newman, el trombonista Britt Woodman, Cecil Payne en el barítono y Budd Johnson doblando en el tenor y el soprano, no es en absoluto sorprendente que los resultados fueran memorables, pero esta cita realmente supera las expectativas. Además de buenas versiones improvisadas de «Squatty Roo», «Them There Eyes» y «It Don't Mean a Thing», hay un notable popurrí de Louis Armstrong en el que Carter (a la trompeta) toca «When It's Sleepy Time Down South», Cat Anderson sigue con un solo de notas altas en «Confessin'» y luego Joe Newman (que rara vez grababa voces) hace una imitación casi perfecta de Louis Armstrong cantando en «When You're Smiling».

The Budd Johnson Quintet • Let's Swing!

Review by Scott Yanow

One of tenor saxophonist Budd Johnson's best showcases, Let's Swing! finds him featured in a quintet with his brother Keg Johnson on trombone, pianist Tommy Flanagan, bassist George Duvivier, and drummer Charlie Persip. Budd starts off with the ballad feature "Serenade in Blue," then performs three originals, including "Downtown Manhattan" and "Uptown Manhattan," as well as three other veteran standards. Throughout, Johnson sounds both modern, as if he had come of age as one of the "cool school," and timeless, since he was a major player by the mid-'30s. A fine set.

https://www.allmusic.com/album/lets-swing%21-mw0000094001

Artist Biography by Scott Yanow

Budd Johnson was a talented and valuable jazz musician for many decades, a behind-the-scenes player and writer who uplifted a countless number of sessions from the 1930s into the '80s. Johnson started off playing in Kansas City in the late '20s, including with the bands of Terrence Holder, Jesse Stone, and George E. Lee. He made his recording debut while with Louis Armstrong's big band (1932-1933), and gained attention for his work as tenor soloist and arranger during three stints with the Earl Hines Orchestra (1932-1942). One of the first tenor saxophonists to be influenced by Lester Young (although by the 1940s, he had a distinctive tone of his own), Johnson had brief stints with Gus Arnheim (1937) and the bands of Fletcher and Horace Henderson (1938) between his periods with Hines. He contributed arrangements to several big bands, including those of Woody Herman, Buddy Rich, Boyd Raeburn, and Billy Eckstine, and was partly responsible for Hines hiring young modernists during 1942-1943. He recorded with Coleman Hawkins on the first bebop session (1944), worked with Dizzy Gillespie and Sy Oliver (1947), and in the 1950s led his own groups, in addition to touring with Snub Mosley (1952) and Benny Goodman (1957). Johnson was with the big bands of Quincy Jones (1960) and Count Basie (1961-1962) before renewing ties with Earl Hines, who he played with on and off again starting in 1964. He formed the JPJ Quartet, which worked on an occasional basis, during 1969-1975; held his own at the 1971 Newport in New York jam sessions; became a jazz educator; and recorded an excellent album with Phil Woods eight months before his death. Budd Johnson led some obscure sessions during 1947-1956, in addition to notable albums for Felsted (1958), Riverside, Swingville, Argo, Black & Blue, Master Jazz, Dragon, and Uptown.

https://www.allmusic.com/artist/budd-johnson-mn0000640725/biography

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Reseña de Scott Yanow

Uno de los mejores espectáculos del saxofonista tenor Budd Johnson, Let's Swing! lo encuentra en un quinteto con su hermano Keg Johnson al trombón, el pianista Tommy Flanagan, el bajista George Duvivier y el baterista Charlie Persip. Budd comienza con la balada "Serenade in Blue" y luego interpreta tres originales, incluyendo "Downtown Manhattan" y "Uptown Manhattan", así como otros tres estándares de veteranos. En todo momento, Johnson suena moderno, como si hubiera alcanzado la mayoría de edad como una de las "escuelas geniales", e intemporal, ya que era un jugador importante a mediados de los años 30. Un buen conjunto.

https://www.allmusic.com/album/lets-swing%21-mw0000094001

Biografía del artista por Scott Yanow

Budd Johnson fue un talentoso y valioso músico de jazz durante muchas décadas, un intérprete y escritor entre bastidores que elevó un sinnúmero de sesiones desde la década de 1930 hasta la de 1980. Johnson comenzó tocando en Kansas City a finales de los años 20, incluyendo con las bandas de Terrence Holder, Jesse Stone y George E. Lee. Debutó en la grabación con la big band de Louis Armstrong (1932-1933), y ganó atención por su trabajo como tenor solista y arreglista durante tres períodos con la Earl Hines Orchestra (1932-1942). Uno de los primeros saxofonistas tenor en ser influenciado por Lester Young (aunque en la década de 1940 tenía un tono distintivo propio), Johnson tuvo breves estancias con Gus Arnheim (1937) y las bandas de Fletcher y Horace Henderson (1938) entre sus períodos con Hines. Contribuyó con arreglos para varias grandes bandas, incluyendo las de Woody Herman, Buddy Rich, Boyd Raeburn y Billy Eckstine, y fue en parte responsable de que Hines contratara a jóvenes modernistas durante 1942-1943. Grabó con Coleman Hawkins en la primera sesión de bebop (1944), trabajó con Dizzy Gillespie y Sy Oliver (1947), y en la década de 1950 dirigió sus propios grupos, además de viajar con Snub Mosley (1952) y Benny Goodman (1957). Johnson estuvo con las grandes bandas de Quincy Jones (1960) y Count Basie (1961-1962) antes de renovar los lazos con Earl Hines, con quien tocaba una y otra vez a partir de 1964. Formó el Cuarteto JPJ, que trabajó ocasionalmente, durante 1969-1975; se desempeñó en las jam sessions de Newport en Nueva York en 1971; se convirtió en un educador de jazz; y grabó un excelente álbum con Phil Woods ocho meses antes de su muerte. Budd Johnson dirigió algunas sesiones oscuras durante 1947-1956, además de notables álbumes para Felsted (1958), Riverside, Swingville, Argo, Black & Blue, Master Jazz, Dragon y Uptown.

https://www.allmusic.com/artist/budd-johnson-mn0000640725/biography

Earl Hines & His Quartet • ''Fatha'' Blows Best

 

Biography by Scott Yanow
Once called "the first modern jazz pianist," Earl Hines differed from the stride pianists of the 1920s by breaking up the stride rhythms with unusual accents from his left hand. While his right hand often played octaves so as to ring clearly over ensembles, Hines had the trickiest left hand in the business, often suspending time recklessly but without ever losing the beat. One of the all-time great pianists, Hines was a major influence on Teddy Wilson, Jess Stacy, Joe Sullivan, Nat King Cole, and even to an extent on Art Tatum. He was also an underrated composer responsible for "Rosetta," "My Monday Date," and "You Can Depend on Me," among others.

Earl Hines played trumpet briefly as a youth before switching to piano. His first major job was accompanying vocalist Lois Deppe, and he made his first recordings with Deppe and his orchestra in 1922. The following year, Hines moved to Chicago where he worked with Sammy Stewart and Erskine Tate's Vendome Theatre Orchestra. He started teaming up with Louis Armstrong in 1926, and the two masterful musicians consistently inspired each other. Hines worked briefly in Armstrong's big band (formerly headed by Carroll Dickerson), and they unsuccessfully tried to manage their own club. 1928 was one of Hines' most significant years. He recorded his first ten piano solos, including versions of "A Monday Date," "Blues in Thirds," and "57 Varieties." Hines worked much of the year with Jimmy Noone's Apex Club Orchestra, and their recordings are also considered classic. Hines cut brilliant (and futuristic) sides with Louis Armstrong's Hot Five, resulting in such timeless gems as "West End Blues," "Fireworks," "Basin Street Blues," and their remarkable trumpet-piano duet "Weather Bird." And on his birthday on December 28, Hines debuted with his big band at Chicago's Grand Terrace.

A brilliant ensemble player as well as soloist, Earl Hines would lead big bands for the next 20 years. Among the key players in his band throughout the 1930s were trumpeter/vocalist Walter Fuller, Ray Nance on trumpet and violin (prior to joining Duke Ellington), trombonist Trummy Young, tenor saxophonist Budd Johnson, Omer Simeon and Darnell Howard on reeds, and arranger Jimmy Mundy. In 1940, Billy Eckstine became the band's popular singer, and in 1943 (unfortunately during the musicians' recording strike), Hines welcomed such modernists as Charlie Parker (on tenor), trumpeter Dizzy Gillespie, and singer Sarah Vaughan in what was the first bebop orchestra. By the time the strike ended, Eckstine, Parker, Gillespie, and Vaughan were gone, but tenor Wardell Gray was still around to star with the group during 1945 and 1946.

In 1948, the economic situation forced Hines to break up his orchestra. He joined the Louis Armstrong All-Stars, but three years of playing second fiddle to his old friend were difficult to take. After leaving Armstrong in 1951, Hines moved to Los Angeles and later San Francisco, heading a Dixieland band. Although his style was much more modern, Hines kept the group working throughout the 1950s, at times featuring Muggsy Spanier, Jimmy Archey, and Darnell Howard. Hines did record on a few occasions, but was largely forgotten in the jazz world by the early '60s. Then, in 1964, jazz writer Stanley Dance arranged for him to play three concerts at New York's Little Theater, both solo and in a quartet with Budd Johnson. The New York critics were amazed by Hines' continuing creativity and vitality, and he had a major comeback that lasted through the rest of his career. Hines traveled the world with his quartet, recorded dozens of albums, and remained famous and renowned up until his death at the age of 79.
https://www.allmusic.com/artist/earl-hines-mn0000455522#biography

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Biografía de Scott Yanow
Llamado en su día "el primer pianista de jazz moderno", Earl Hines se diferenciaba de los pianistas de stride de los años 20 por romper los ritmos de stride con acentos inusuales de su mano izquierda. Mientras que su mano derecha solía tocar octavas para sonar con claridad en los conjuntos, Hines tenía la mano izquierda más complicada del negocio, a menudo suspendiendo el tiempo de forma temeraria pero sin perder nunca el compás. Hines, uno de los mejores pianistas de todos los tiempos, ejerció una gran influencia sobre Teddy Wilson, Jess Stacy, Joe Sullivan, Nat King Cole e incluso, en cierta medida, sobre Art Tatum. También fue un compositor infravalorado, responsable de "Rosetta", "My Monday Date" y "You Can Depend on Me", entre otras.

Earl Hines tocó brevemente la trompeta en su juventud antes de pasarse al piano. Su primer trabajo importante fue acompañar a la vocalista Lois Deppe, e hizo sus primeras grabaciones con Deppe y su orquesta en 1922. Al año siguiente, Hines se trasladó a Chicago, donde trabajó con Sammy Stewart y la Vendome Theatre Orchestra de Erskine Tate. Empezó a formar equipo con Louis Armstrong en 1926, y los dos magistrales músicos no dejaron de inspirarse mutuamente. Hines trabajó brevemente en la big band de Armstrong (anteriormente dirigida por Carroll Dickerson), e intentaron sin éxito gestionar su propio club. 1928 fue uno de los años más significativos para Hines. Grabó sus primeros diez solos de piano, incluyendo versiones de "A Monday Date", "Blues in Thirds" y "57 Varieties". Hines trabajó gran parte del año con la Apex Club Orchestra de Jimmy Noone, y sus grabaciones también se consideran clásicas. Hines grabó brillantes (y futuristas) temas con los Hot Five de Louis Armstrong, que dieron como resultado joyas intemporales como "West End Blues", "Fireworks", "Basin Street Blues" y su extraordinario dúo de trompeta y piano "Weather Bird". Y el día de su cumpleaños, el 28 de diciembre, Hines debutó con su big band en la Grand Terrace de Chicago.

Earl Hines, brillante intérprete de conjuntos y solista, dirigiría big bands durante los 20 años siguientes. Entre los músicos clave de su banda a lo largo de la década de 1930 se encontraban el trompetista/vocalista Walter Fuller, Ray Nance a la trompeta y al violín (antes de unirse a Duke Ellington), el trombonista Trummy Young, el saxofonista tenor Budd Johnson, Omer Simeon y Darnell Howard a las cañas, y el arreglista Jimmy Mundy. En 1940, Billy Eckstine se convirtió en el cantante popular de la banda, y en 1943 (desgraciadamente durante la huelga de grabación de los músicos), Hines dio la bienvenida a modernistas como Charlie Parker (al tenor), el trompetista Dizzy Gillespie y la cantante Sarah Vaughan en lo que fue la primera orquesta bebop. Cuando terminó la huelga, Eckstine, Parker, Gillespie y Vaughan ya no estaban, pero el tenor Wardell Gray seguía con el grupo durante 1945 y 1946.

En 1948, la situación económica obligó a Hines a disolver su orquesta. Se unió a los Louis Armstrong All-Stars, pero tres años de ser el segundo plato de su viejo amigo fueron difíciles de soportar. Tras dejar a Armstrong en 1951, Hines se trasladó a Los Ángeles y más tarde a San Francisco, al frente de una banda de Dixieland. Aunque su estilo era mucho más moderno, Hines mantuvo el grupo en activo durante toda la década de 1950, en ocasiones con Muggsy Spanier, Jimmy Archey y Darnell Howard. Hines grabó en algunas ocasiones, pero a principios de los 60 había caído en el olvido en el mundo del jazz. En 1964, el escritor de jazz Stanley Dance le organizó tres conciertos en el Little Theater de Nueva York, tanto en solitario como en cuarteto con Budd Johnson. Los críticos neoyorquinos quedaron asombrados por la continua creatividad y vitalidad de Hines, que tuvo un gran regreso que duró el resto de su carrera. Hines viajó por todo el mundo con su cuarteto, grabó docenas de álbumes y siguió siendo famoso y reconocido hasta su muerte, a los 79 años.
https://www.allmusic.com/artist/earl-hines-mn0000455522#biography

Clark Terry • Color Changes

 

Jimmy Smith • Any Number Can Win

Originally released on Verve (8552). Includes liner notes by Al Clarke. Digitally remastered using 22-bit technology by Suha Gur (Polygram Studios). With a fat, dynamics-busting horns and woodwinds section utterly transforming the standard sound of Jimmy Smith's trio, ANY NUMBER CAN WIN may bear more of a resemblance to Henry Mancini than to the rootsy grooves one has come to expect from Smith. Which is not to say that the disc doesn't swing; quite the opposite. Smith's Hammond organ sound is oozy enough to liquefy bones, and his powerful, syncopation-addicted right hand intensifies the effect. Guest musicians turn in fine performances, including guitarist Kenny Burrell and the 20 or so members that make up the larger ensemble. The mood of ANY NUMBER CAN WIN alternates from the finger-popping big band interlude of "You Came A Long Way From St. Louis," to slinky boogie-inducers like "The Ape Woman" and the title track (theme song from an MGM movie), ballads like "Georgia On My Mind" and cool electric blues like "The Sermon" and the cover of Ray Charles "What'd I Say?" While perhaps a bit too uber-groovy for jazz purists, those who are looking for instrumental a-go-gos in true swinging 60's style won't be disappointed in this release. One of Verve's most popular discs, recently re-issued on Verve By Request. This is part of Verve's By Request series. Recorded at Van Gelder Studios, Englewood Cliffs, New Jersey in July 1963.

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Originalmente lanzado en Verve (8552). Incluye notas de línea de Al Clarke. Remasterizado digitalmente con tecnología de 22 bits por Suha Gur (Polygram Studios). Con una sección de trompetas y vientos de madera que transforma completamente el sonido estándar del trío de Jimmy Smith, CUALQUIER NÚMERO PUEDE GANAR puede parecerse más a Henry Mancini que a los surcos de raíz que uno espera de Smith. Lo que no quiere decir que el disco no se balancee, sino todo lo contrario. El sonido del órgano Hammond de Smith es lo suficientemente fuerte como para licuar los huesos, y su poderosa mano derecha, adicta a la síncopa, intensifica el efecto. Los músicos invitados hacen buenas actuaciones, incluyendo al guitarrista Kenny Burrell y a los 20 miembros que forman el grupo más grande. El ambiente de ANY NUMBER CAN WIN alterna desde el interludio de big band de "You Came A Long Way From St. Louis", a los músicos de boogie como "The Ape Woman" y la canción principal (tema de una película de MGM), baladas como "Georgia On My Mind" y blues eléctrico como "The Sermon" y la versión de Ray Charles "What'd I Say?". Aunque quizás sea un poco demasiado "super-groovy" para los puristas del jazz, los que buscan a-go-gos instrumentales en el verdadero estilo de los 60's no se sentirán decepcionados con este lanzamiento. Uno de los discos más populares de Verve, recientemente reeditado en Verve By Request. Es parte de la serie "Verve By Request". Grabado en los estudios Van Gelder, Englewood Cliffs, New Jersey en julio de 1963.

 

Roy Eldridge • The Nifty Cat

 

Review
by Scott Yanow
One of only two Eldridge-led studio sessions from the 1961-1974 period, this CD reissue of a set originally recorded for Master Jazz matches the great swing trumpeter with Budd Johnson (who doubles on tenor and soprano), trombonist Benny Morton, pianist Nat Pierce, bassist Tommy Bryant, and drummer Oliver Jackson. All six of the jump tunes are by Eldridge with "5400 North" and "Ball of Fire" being the best-known. For this album, the veteran trumpeter had a very rare opportunity to call his own shots on a recording date, and the generally inspired playing makes this CD a fine example of small-group swing from the early '70s.
https://www.allmusic.com/album/nifty-cat-mw0000188075

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Revisión
por Scott Yanow
Una de las dos únicas sesiones de estudio dirigidas por Eldridge del período 1961-1974, esta reedición en CD de un conjunto originalmente grabado para Master Jazz reúne al gran trompetista de swing con Budd Johnson (que dobla en tenor y soprano), el trombonista Benny Morton, el pianista Nat Pierce, el bajista Tommy Bryant y el baterista Oliver Jackson. Los seis temas de los saltos son de Eldridge, siendo "5400 North" y "Ball of Fire" los más conocidos. Para este álbum, el veterano trompetista tuvo la rara oportunidad de tomar sus propias decisiones en una fecha de grabación, y la interpretación, generalmente inspirada, hace de este CD un buen ejemplo de swing en grupo pequeño de principios de los 70.
https://www.allmusic.com/album/nifty-cat-mw0000188075

 

Earl Hines • Piano Man!

 

Biography by Scott Yanow
Once called "the first modern jazz pianist," Earl Hines differed from the stride pianists of the 1920s by breaking up the stride rhythms with unusual accents from his left hand. While his right hand often played octaves so as to ring clearly over ensembles, Hines had the trickiest left hand in the business, often suspending time recklessly but without ever losing the beat. One of the all-time great pianists, Hines was a major influence on Teddy Wilson, Jess Stacy, Joe Sullivan, Nat King Cole, and even to an extent on Art Tatum. He was also an underrated composer responsible for "Rosetta," "My Monday Date," and "You Can Depend on Me," among others.

Earl Hines played trumpet briefly as a youth before switching to piano. His first major job was accompanying vocalist Lois Deppe, and he made his first recordings with Deppe and his orchestra in 1922. The following year, Hines moved to Chicago where he worked with Sammy Stewart and Erskine Tate's Vendome Theatre Orchestra. He started teaming up with Louis Armstrong in 1926, and the two masterful musicians consistently inspired each other. Hines worked briefly in Armstrong's big band (formerly headed by Carroll Dickerson), and they unsuccessfully tried to manage their own club. 1928 was one of Hines' most significant years. He recorded his first ten piano solos, including versions of "A Monday Date," "Blues in Thirds," and "57 Varieties." Hines worked much of the year with Jimmy Noone's Apex Club Orchestra, and their recordings are also considered classic. Hines cut brilliant (and futuristic) sides with Louis Armstrong's Hot Five, resulting in such timeless gems as "West End Blues," "Fireworks," "Basin Street Blues," and their remarkable trumpet-piano duet "Weather Bird." And on his birthday on December 28, Hines debuted with his big band at Chicago's Grand Terrace.

A brilliant ensemble player as well as soloist, Earl Hines would lead big bands for the next 20 years. Among the key players in his band throughout the 1930s were trumpeter/vocalist Walter Fuller, Ray Nance on trumpet and violin (prior to joining Duke Ellington), trombonist Trummy Young, tenor saxophonist Budd Johnson, Omer Simeon and Darnell Howard on reeds, and arranger Jimmy Mundy. In 1940, Billy Eckstine became the band's popular singer, and in 1943 (unfortunately during the musicians' recording strike), Hines welcomed such modernists as Charlie Parker (on tenor), trumpeter Dizzy Gillespie, and singer Sarah Vaughan in what was the first bebop orchestra. By the time the strike ended, Eckstine, Parker, Gillespie, and Vaughan were gone, but tenor Wardell Gray was still around to star with the group during 1945 and 1946.

In 1948, the economic situation forced Hines to break up his orchestra. He joined the Louis Armstrong All-Stars, but three years of playing second fiddle to his old friend were difficult to take. After leaving Armstrong in 1951, Hines moved to Los Angeles and later San Francisco, heading a Dixieland band. Although his style was much more modern, Hines kept the group working throughout the 1950s, at times featuring Muggsy Spanier, Jimmy Archey, and Darnell Howard. Hines did record on a few occasions, but was largely forgotten in the jazz world by the early '60s. Then, in 1964, jazz writer Stanley Dance arranged for him to play three concerts at New York's Little Theater, both solo and in a quartet with Budd Johnson. The New York critics were amazed by Hines' continuing creativity and vitality, and he had a major comeback that lasted through the rest of his career. Hines traveled the world with his quartet, recorded dozens of albums, and remained famous and renowned up until his death at the age of 79.
https://www.allmusic.com/artist/earl-hines-mn0000455522#biography

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Biografía de Scott Yanow
Llamado en su día "el primer pianista de jazz moderno", Earl Hines se diferenciaba de los pianistas de stride de los años 20 por romper los ritmos de stride con acentos inusuales de su mano izquierda. Mientras que su mano derecha solía tocar octavas para sonar con claridad en los conjuntos, Hines tenía la mano izquierda más complicada del negocio, a menudo suspendiendo el tiempo de forma temeraria pero sin perder nunca el compás. Hines, uno de los mejores pianistas de todos los tiempos, ejerció una gran influencia sobre Teddy Wilson, Jess Stacy, Joe Sullivan, Nat King Cole e incluso, en cierta medida, sobre Art Tatum. También fue un compositor infravalorado, responsable de "Rosetta", "My Monday Date" y "You Can Depend on Me", entre otras.

Earl Hines tocó brevemente la trompeta en su juventud antes de pasarse al piano. Su primer trabajo importante fue acompañar a la vocalista Lois Deppe, e hizo sus primeras grabaciones con Deppe y su orquesta en 1922. Al año siguiente, Hines se trasladó a Chicago, donde trabajó con Sammy Stewart y la Vendome Theatre Orchestra de Erskine Tate. Empezó a formar equipo con Louis Armstrong en 1926, y los dos magistrales músicos no dejaron de inspirarse mutuamente. Hines trabajó brevemente en la big band de Armstrong (anteriormente dirigida por Carroll Dickerson), e intentaron sin éxito gestionar su propio club. 1928 fue uno de los años más significativos para Hines. Grabó sus primeros diez solos de piano, incluyendo versiones de "A Monday Date", "Blues in Thirds" y "57 Varieties". Hines trabajó gran parte del año con la Apex Club Orchestra de Jimmy Noone, y sus grabaciones también se consideran clásicas. Hines grabó brillantes (y futuristas) temas con los Hot Five de Louis Armstrong, que dieron como resultado joyas intemporales como "West End Blues", "Fireworks", "Basin Street Blues" y su extraordinario dúo de trompeta y piano "Weather Bird". Y el día de su cumpleaños, el 28 de diciembre, Hines debutó con su big band en la Grand Terrace de Chicago.

Earl Hines, brillante intérprete de conjuntos y solista, dirigiría big bands durante los 20 años siguientes. Entre los músicos clave de su banda a lo largo de la década de 1930 se encontraban el trompetista/vocalista Walter Fuller, Ray Nance a la trompeta y al violín (antes de unirse a Duke Ellington), el trombonista Trummy Young, el saxofonista tenor Budd Johnson, Omer Simeon y Darnell Howard a las cañas, y el arreglista Jimmy Mundy. En 1940, Billy Eckstine se convirtió en el cantante popular de la banda, y en 1943 (desgraciadamente durante la huelga de grabación de los músicos), Hines dio la bienvenida a modernistas como Charlie Parker (al tenor), el trompetista Dizzy Gillespie y la cantante Sarah Vaughan en lo que fue la primera orquesta bebop. Cuando terminó la huelga, Eckstine, Parker, Gillespie y Vaughan ya no estaban, pero el tenor Wardell Gray seguía con el grupo durante 1945 y 1946.

En 1948, la situación económica obligó a Hines a disolver su orquesta. Se unió a los Louis Armstrong All-Stars, pero tres años de ser el segundo plato de su viejo amigo fueron difíciles de soportar. Tras dejar a Armstrong en 1951, Hines se trasladó a Los Ángeles y más tarde a San Francisco, al frente de una banda de Dixieland. Aunque su estilo era mucho más moderno, Hines mantuvo el grupo en activo durante toda la década de 1950, en ocasiones con Muggsy Spanier, Jimmy Archey y Darnell Howard. Hines grabó en algunas ocasiones, pero a principios de los 60 había caído en el olvido en el mundo del jazz. En 1964, el escritor de jazz Stanley Dance le organizó tres conciertos en el Little Theater de Nueva York, tanto en solitario como en cuarteto con Budd Johnson. Los críticos neoyorquinos quedaron asombrados por la continua creatividad y vitalidad de Hines, que tuvo un gran regreso que duró el resto de su carrera. Hines viajó por todo el mundo con su cuarteto, grabó docenas de álbumes y siguió siendo famoso y reconocido hasta su muerte, a los 79 años.
https://www.allmusic.com/artist/earl-hines-mn0000455522#biography