Skip Martin • The Music From Mickey Spillane's Mike Hammer

 

Description from Trunk Records (by Jonny Trunk):
One of the first soundtrack LPs I ever bought. A classic chunk of crime jazz by one of the masters of the genre.
https://trunkrecords.greedbag.com/buy/music-from-mickey-spillanes-mike-0

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Descripción de Trunk Records (por Jonny Trunk):
Uno de los primeros LPs de bandas sonoras que compré. Un clásico trozo de jazz de crimen de uno de los maestros del género.
https://trunkrecords.greedbag.com/buy/music-from-mickey-spillanes-mike-0

Michel Hausser Quartet & Bobby Jaspar • Vibes + Flute

 

Michel Hausser is a French vibraphonist and jazz accordionist. He played bebop with lines directly inherited from those of Milt Jackson.

Learned piano by his father, he became a professional musician in 1947 in Strasbourg where he was appointed professor at the Academy Accordion Oscar Dhiebolt. In 1949 he formed his first band with which he toured Europe and North Africa. Three years later he moved to the Latin Quarter in Paris, the musical heart of the capital. He gives concerts with violinist Stéphane Grappelli and jazz club The cat fishing. In 1954, he met Milt Jackson he sees as the greatest American vibraphonist.

In 1958, Michel Hausser is designated by critics 1st European vibraphonist. The author considers the Bill Coleman with Geo Daly and Dany Doriz as one of the top three French vibraphone this period and whose style is inspired by that of Milt Jackson1. He made his first recordings with American stars. In 1967, he became Chairman of the Branch Trade Union of Musicians Jazz and Variety France.

In 1969, Michel Hausser returns in Alsace. It creates the Academy Accordion Michel Hausser in Munster and Colmar. It is final member of the SACEM with over 200 works reported, including several film scores.

He runs for 20 years with his Jazz Trio Werner Brum on bass and Bernard Hertrich on guitar and Michel Hausser Regio Jazz Group, a septet made up of soloists French, German and Swiss.

Michel Hausser created in 1988 the Munster Jazz Festival for which he was artistic director until 2008.

Note: I suspect the sides are reversed, as Moanin' is labeled H.E.C. Blues.

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Michel Hausser es un vibrafonista francés y acordeonista de jazz. Jugó al bebop con líneas heredadas directamente de las de Milt Jackson.

Aprendió piano con su padre y se convirtió en músico profesional en 1947 en Estrasburgo, donde fue nombrado profesor de la Academia de Acordeón Oscar Dhiebolt. En 1949 formó su primera banda con la que realizó giras por Europa y el norte de África. Tres años más tarde se trasladó al Barrio Latino de París, el corazón musical de la capital. Da conciertos con el violinista Stéphane Grappelli y el club de jazz The cat fishing. En 1954, conoció a Milt Jackson, al que considera el mejor vibrafonista estadounidense.

En 1958, Michel Hausser es designado por los críticos del primer vibrafonista europeo. El autor considera al Bill Coleman con Geo Daly y Dany Doriz como uno de los tres mejores vibrafones franceses de esta época y cuyo estilo se inspira en el de Milt Jackson1. Hizo sus primeras grabaciones con estrellas americanas. En 1967, se convirtió en Presidente del Sindicato de Músicos de Jazz y Variedad de Francia.

En 1969, Michel Hausser regresa a Alsacia. Crea la Academia de Acordeón Michel Hausser en Munster y Colmar. Es miembro final de la SACEM con más de 200 trabajos reportados, incluyendo varias partituras de películas.

Dirige durante 20 años con su Trío de Jazz Werner Brum al bajo y Bernard Hertrich a la guitarra y Michel Hausser Regio Jazz Group, un septeto formado por solistas franceses, alemanes y suizos.

Michel Hausser creó en 1988 el Munster Jazz Festival del que fue director artístico hasta 2008.

Nota: Sospecho que los lados estan invertidos, ya que Moanin' está etiquetado como H.E.C. Blues.

Chet Baker Quartet • Featuring Russ Freeman

 

Review from AllMusic (by Lindsay Planer):
Chet Baker Quartet Featuring Russ Freeman (1998) is a perfect studio companion to the Mosaic Records set Complete Pacific Jazz Live Recordings of Chet Baker With Russ Freeman (1988). As was the custom for jazz platters of the time, both Baker and Freeman are joined by a different combo on each date. The luminaries include Bobby Whitlock (bass), Joe Mondragon (bass), Bobby White (bass), Larry Bunker (drums) and Shelly Manne (drums) from sessions held circa July and October of 1953. The 25 selections here provide copious evidence of Baker's uncanny artistry as he develops a dark, yet lyrical, interpretive approach. Immediately evident is the thoughtful synergy between Baker and the comparatively understated Freeman, whose comps help link the respective solos. In several notable instances, such as the nonchalant "Isn't It Romantic" or the limber syncopation of "Maid in Mexico," Freeman establishes the melody, rather than simply being relegated to the rhythm section. Additional diverse examples can be heard ranging from a sublime reading of "Imagination" to the upbeat and agile "All the Things You Are" -- which commences in progress. These tunes would seed Baker's back catalog of material, becoming staples during his 30-plus-year repertoire. One facet to Chet Baker Quartet Featuring Russ Freeman that will be of considerable interest to collectors and hardcore enthusiasts are both the 10" EP and the 12" LP takes of "Long Ago and Far Away," "No Ties," "The Thrill Is Gone," "Moon Love" and the 78 rpm and long-player version(s) of "Winter Wonderland." While these renderings have been previously issued, this CD marks the first time that they are presented on a single volume. Among other stellar (if not definitive) inclusions are Freeman's "Russ Job," "Bea's Flat" and the sole Baker vocal on "I Fall in Love Too Easily."
https://www.allmusic.com/album/chet-baker-quartet-featuring-russ-freeman-mw0000197173

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Reseña de AllMusic (por Lindsay Planer):
Chet Baker Quartet Featuring Russ Freeman (1998) es un compañero de estudio perfecto para el set de Mosaic Records Complete Pacific Jazz Live Recordings of Chet Baker With Russ Freeman (1988). Como era costumbre en los discos de jazz de la época, tanto Baker como Freeman están acompañados por un combo diferente en cada fecha. Las figuras destacadas incluyen a Bobby Whitlock (bajo), Joe Mondragon (bajo), Bobby White (bajo), Larry Bunker (batería) y Shelly Manne (batería), de sesiones realizadas aproximadamente en julio y octubre de 1953. Las 25 selecciones aquí presentadas ofrecen abundantes pruebas del extraordinario arte de Baker mientras desarrolla un enfoque interpretativo oscuro pero lírico. Es inmediatamente evidente la sintonía reflexiva entre Baker y el comparativamente discreto Freeman, cuyos comps ayudan a enlazar los respectivos solos. En varios casos notables, como el despreocupado "Isn't It Romantic" o la sincopación ágil de "Maid in Mexico," Freeman establece la melodía, en lugar de ser relegado simplemente a la sección rítmica. Se pueden escuchar ejemplos adicionales y diversos que van desde una sublime lectura de "Imagination" hasta el animado y ágil "All the Things You Are" -- que comienza en progreso. Estos temas sembrarían el catálogo posterior de Baker, convirtiéndose en pilares de su repertorio durante más de 30 años. Un aspecto de Chet Baker Quartet Featuring Russ Freeman que será de considerable interés para coleccionistas y entusiastas acérrimos son tanto las tomas de EP de 10" como las de LP de 12" de "Long Ago and Far Away," "No Ties," "The Thrill Is Gone," "Moon Love" y las versiones de 78 rpm y de larga duración de "Winter Wonderland." Si bien estas interpretaciones han sido publicadas anteriormente, este CD marca la primera vez que se presentan en un solo volumen. Entre otras inclusiones estelares (si no definitivas) se encuentran "Russ Job" y "Bea's Flat" de Freeman, y la única interpretación vocal de Baker en "I Fall in Love Too Easily."
https://www.allmusic.com/album/chet-baker-quartet-featuring-russ-freeman-mw0000197173

John La Porta - The Brothers Sandole • Rare and Obscure Jazz Albums, Modern Music from Philadelphia - Conceptions

 

Description from Fresh Sound Records (Blue Sounds):
Modern Music from Philadelphia: Operating solely on an artistic basis, The Brothers Sandole band was not a commercial venture, but a band decidedly different, daring and experimental. Dennis and Adolph Sandole were music teachers in Philadelphia, who actually wanted to keep teaching but felt that their music was completely original, and so harmonically different in scope that it deserved to be heard on its own merits. The dense, full character of its original figures gave the unit a distinct big band sound, and all the improvisation fits into a well-written pattern. Four of the ten scores presented here are by Dennis, two of them so concise they are over in a matter of seconds; the rest are by Adolph. All compositions by the Sandole brothers are actually cleverly planned pictures, and flawlessly performed. You'll find the entire album to be a rewarding experience, but unfortunately, it was the only one they recorded. A must-have for any jazz collector.

Conceptions: John La Porta was a most skilled musician — clarinetist, alto saxophonist, composer, arranger and teacher. His compositions contain all the elements of modern music — complex rhythmic patterns, rich harmonic colors, and fresh melodic ideas. This set of original compositions for various combinations of instruments illustrates his unusual conception of jazz forms. A more original and creative use of these modern sounds would be hard to find.
https://www.freshsoundrecords.com/sandole-brothers-john-la-porta-albums/54788-modern-music-from-philadelphia-conceptions-2-lp-on-1-cd.html

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Descripción de Fresh Sound Records (Blue Sounds):
Modern Music from Philadelphia: Operando exclusivamente sobre una base artística, la banda de The Brothers Sandole no era una empresa comercial, sino una banda decididamente diferente, atrevida y experimental. Dennis y Adolph Sandole eran profesores de música en Filadelfia, que en realidad querían seguir enseñando pero sentían que su música era completamente original, y tan diferente en alcance armónico que merecía ser escuchada por sus propios méritos. El carácter denso y completo de sus figuras originales le daba a la unidad un sonido distintivo de big band, y toda la improvisación encaja en un patrón bien escrito. Cuatro de las diez partituras presentadas aquí son de Dennis, dos de ellas tan concisas que terminan en cuestión de segundos; el resto son de Adolph. Todas las composiciones de los hermanos Sandole son en realidad cuadros hábilmente planificados, e interpretados impecablemente. Encontrarás que el álbum completo es una experiencia gratificante, pero lamentablemente fue el único que grabaron. Imprescindible para cualquier coleccionista de jazz.

Conceptions: John La Porta era un músico muy hábil — clarinetista, saxofonista alto, compositor, arreglista y profesor. Sus composiciones contienen todos los elementos de la música moderna — patrones rítmicos complejos, ricos colores armónicos e ideas melódicas frescas. Este conjunto de composiciones originales para diversas combinaciones de instrumentos ilustra su inusual concepción de las formas del jazz. Difícilmente se podría encontrar un uso más original y creativo de estos sonidos modernos.
https://www.freshsoundrecords.com/sandole-brothers-john-la-porta-albums/54788-modern-music-from-philadelphia-conceptions-2-lp-on-1-cd.html

Chet Baker Quintet • At the Forum Theater

 

Chet Baker Quintet (with Phil Urso and Bobby Timmons) - At the Forum Theater (1956) {Fresh Sound Records FSRCD 9004, Spain} - 1995
This cd contains,the recordings he made with his quintetthe crewunder Dick Bocks direction at the Los Angeles Forum Theatre in July 1956. On these sessions Chet plays throughout with even greater warmth, virility and maturity of conception than on previous recordings, but with the lyricism that was his forte intact. Ursos earthy, strongly swinging tenor, out of the brothers school, also raises the ante. In the rhythm section Bobby Timmons, who adds a powerful solo voice on piano, is buoyantly funky, while Jimmy Bond and Peter Littman complete a grooving, effectively driving unit behind the soloists.

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Chet Baker Quintet (con Phil Urso y Bobby Timmons) - At the Forum Theater (1956) {Fresh Sound Records FSRCD 9004, España} - 1995
Este cd contiene las grabaciones que hizo con su quinteto bajo la dirección de Dick Bocks en el Forum Theatre de Los Angeles en julio de 1956. En estas sesiones Chet toca con mayor calidez, virilidad y madurez de concepción que en grabaciones anteriores, pero con el lirismo que era su fuerte intacto. El tenor de Ursos, terrenal y con un fuerte swing, salido de la escuela de los hermanos, también sube la apuesta. En la sección rítmica, Bobby Timmons, que añade una poderosa voz solista al piano, es alegremente funky, mientras que Jimmy Bond y Peter Littman completan una unidad groove y eficaz detrás de los solistas.

Johnny Dankworth • London To Newport

 

John Phillip William Dankworth, (20 de septiembre de 1927 – 6 de febrero de 2010), conocido en sus inicios musicales como Johnny Dankworth, fue un compositor de jazz, saxofonista y clarinetista inglés.

Info completa ...

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Sir John Phillip William Dankworth, CBE (20 September 1927 – 6 February 2010), known in his early career as Johnny Dankworth, was an English jazz composer, saxophonist and clarinetist. He was the husband of jazz singer Dame Cleo Laine, who survives him; they married in 1958.  

More info ...

Herbie Mann • Push Push

Review

Flutist Herbie Mann opened up his music on this date for Push Push (and during the era) toward R&B, rock and funk music. The results were generally appealing, melodic and danceable. On such songs as "What's Going On," "Never Can Say Goodbye," "What'd I Say" and the title cut, Mann utilizes an impressive crew of musicians, which include guitarist Duane Allman and keyboardist Richard Tee.

by Scott Yanow

https://www.allmusic.com/album/push-push-mw0000203730

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Revisar

El flautista Herbie Mann abrió su música en esta fecha para Push Push (y durante la época) hacia el R&B, el rock y el funk. Los resultados fueron en general atractivos, melódicos y bailables. En canciones como "What's Going On", "Never Can Say Goodbye", "What'd I Say" y el corte del título, Mann utiliza un impresionante equipo de músicos, que incluye al guitarrista Duane Allman y al teclista Richard Tee.

por Scott Yanow
https://www.allmusic.com/album/push-push-mw0000203730

Red Norvo • The Forward Look

Biography:

Red Norvo was one of jazz's early vibraphonists. He helped establish the xylophone and later the vibraphone as viable jazz instruments.

Norvo was born Kenneth Norville in Beardstown, Illinois. The story goes that he sold his pet pony to help pay for his first marimba. Norvo's career began in Chicago with a band called “The Collegians”, in 1925. He played with many other bands, including an all-marimba band on the vaudeville circuit, and the bands of Paul Whiteman, Benny Goodman, Charlie Barnet, and Woody Herman. Norvo recorded with Mildred Bailey (his wife), Billie Holiday, Dinah Shore and Frank Sinatra, among others. Together, Red and Mildred were known as “Mr. and Mrs. Swing.” He also appeared in the film Screaming Mimi (1958), playing himself.

In 1933 he recorded two sessions for Brunswick under his own name. The first “Knockin' On Wood” and “Hole In The Wall” pleased Brunswick's recording director Jack Kapp and he was booked for another session. This time, Kapp was out of town and Norvo went ahead and recorded two of the earliest, most modern pieces of chamber jazz yet recorded; Bix Beiderbecke's “In A Mist” and Norvo's own “Dance Of The Octopus”, accompanied by Benny Goodman in a rare performance playing a bass clarinet, Dick McDonough on guitar and Artie Bernstein on slap bass. Kapp was outraged when he heard them and tore up Norvo's contract and threw him out. (Interestingly, this modern record remained in print all through the 1930's!)

Norvo recorded 8 modern swing sides for Columbia in 1934-1935, and 15 sides of Decca and their short-lived Champion label series in 1936 (strangely enough, Jack Kapp ran Decca, so they must've patched things up by then).

Starting in 1936 through 1942, Norvo formed a Swing Orchestra and recorded for ARC first on their Brunswick label, then Vocalion and finally Columbia, after CBS bought out the ARC company. Featuring the brilliant arrangements of Eddie Sauter and often featuring Mildred Bailey as vocalist, this series of recordings were among the more sophisticated and elegant swing records of the era.

In June 1945, while a member of the Benny Goodman Sextet, he recorded a session for Comet records using a Sextet which featured members of the Goodman group and also Charlie Parker and Dizzy Gillespie. He said: “Bird and Diz were dirty words for musicians of my generation. But jazz had always gone through changes and in 1945 we were in the middle of another one. Bird and Diz were saying new things in an exciting way. I had a free hand so I gambled”. [1]

In 1949, while trying to find work near home on the West Coast and running into difficulties with large groups, Norvo formed a trio with the novel combination of vibes, guitar, and bass. When the original guitarist and bassist quit (Mundell Lowe and Red Kelly), he brought in two previously little-known players. Tal Farlow became one of the most important of the post-War generation of guitarists, in part because the demands of the trio led him to explore new levels of both speed and harmonic richness on the instrument. Charles Mingus's prominence as a bass player increased through this group, though its repertoire did not reflect the major career he would develop as a composer. The trio lasted until 1951, and recorded two LPs for Savoy.

In 1959 Norvo's group played concerts in Australia with Frank Sinatra; Blue Note released these recordings in 1997. Red Norvo and his group also made several appearances on The Dinah Shore Chevy Show in the late 1950's and early '60s.

Norvo recorded and toured throughout his career until a stroke in the mid-1980s forced him into retirement (although he developed hearing problems long before his stroke). He died at a convalescent home in Santa Monica, California at the age of 91.

https://musicians.allaboutjazz.com/rednorvo

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Biografía:

Red Norvo fue uno de los primeros vibrafonistas del jazz. Ayudó a establecer el xilófono y más tarde el vibráfono como instrumentos de jazz viables.

Norvo nació como Kenneth Norville en Beardstown, Illinois. La historia dice que vendió su poni mascota para ayudar a pagar su primera marimba. La carrera de Norvo comenzó en Chicago con una banda llamada "The Collegians", en 1925. Tocó con muchas otras bandas, incluyendo una banda de marimbas en el circuito de vodevil, y las bandas de Paul Whiteman, Benny Goodman, Charlie Barnet, y Woody Herman. Norvo grabó con Mildred Bailey (su esposa), Billie Holiday, Dinah Shore y Frank Sinatra, entre otros. Juntos, Red y Mildred eran conocidos como "Sr. y Sra. Swing". También apareció en la película Screaming Mimi (1958), interpretándose a sí mismo.

En 1933 grabó dos sesiones para Brunswick con su propio nombre. La primera "Knockin' On Wood" y "Hole In The Wall" complacieron al director de grabación de Brunswick Jack Kapp y fue reservado para otra sesión. Esta vez, Kapp estaba fuera de la ciudad y Norvo se adelantó y grabó dos de las primeras y más modernas piezas de jazz de cámara hasta ahora grabadas; "In A Mist" de Bix Beiderbecke y "Dance Of The Octopus" del propio Norvo, acompañado por Benny Goodman en una rara actuación tocando un clarinete bajo, Dick McDonough en la guitarra y Artie Bernstein en el bajo. Kapp se indignó cuando los escuchó y rompió el contrato de Norvo y lo echó. (¡Interesantemente, este disco moderno permaneció impreso durante los años 30!)

Norvo grabó 8 modernos discos de swing para Columbia en 1934-1935, y 15 discos de Decca y su efímera serie de sellos Champion en 1936 (extrañamente, Jack Kapp dirigía Decca, así que ya deben haber arreglado las cosas para entonces).

Desde 1936 hasta 1942, Norvo formó una orquesta de swing y grabó para ARC primero en su sello de Brunswick, luego en Vocalion y finalmente en Columbia, después de que la CBS comprara la compañía ARC. Con los brillantes arreglos de Eddie Sauter y a menudo con Mildred Bailey como vocalista, esta serie de grabaciones fue uno de los discos de swing más sofisticados y elegantes de la época.

En junio de 1945, mientras era miembro del Sexteto Benny Goodman, grabó una sesión para Comet records usando un Sexteto que incluía a miembros del grupo Goodman y también a Charlie Parker y Dizzy Gillespie. Dijo: "Bird y Diz fueron palabras sucias para los músicos de mi generación. Pero el jazz siempre había sufrido cambios y en 1945 estábamos en medio de otro. Bird y Diz estaban diciendo cosas nuevas de una manera emocionante. Yo tenía una mano libre, así que aposté". [1]

En 1949, mientras intentaba encontrar trabajo cerca de su casa en la Costa Oeste y se encontraba con dificultades con los grandes grupos, Norvo formó un trío con la novedosa combinación de vibráfono, guitarra y bajo. Cuando el guitarrista y bajista original lo dejó (Mundell Lowe y Red Kelly), trajo a dos músicos poco conocidos. Tal Farlow se convirtió en uno de los más importantes de la generación de guitarristas de la posguerra, en parte porque las exigencias del trío le llevaron a explorar nuevos niveles tanto de velocidad como de riqueza armónica en el instrumento. La prominencia de Charles Mingus como bajista aumentó a través de este grupo, aunque su repertorio no reflejaba la importante carrera que desarrollaría como compositor. El trío duró hasta 1951, y grabó dos LPs para Savoy.

En 1959 el grupo de Norvo dio conciertos en Australia con Frank Sinatra; Blue Note publicó estas grabaciones en 1997. Red Norvo y su grupo también hicieron varias apariciones en The Dinah Shore Chevy Show a finales de los 50 y principios de los 60.

Norvo grabó y realizó giras a lo largo de su carrera hasta que un derrame cerebral a mediados de los 80 le obligó a jubilarse (aunque desarrolló problemas de audición mucho antes de su derrame cerebral). Murió en una casa de convalecencia en Santa Mónica, California, a la edad de 91 años.

https://musicians.allaboutjazz.com/rednorvo

 

 

The Dave Brubeck Quartet • Live from the Northwest, 1959

 

 Editorial Reviews
"The Dave Brubeck Quartet - Live from the Northwest, 1959" is the newest release from Brubeck Editions, the family-run label that only puts out music of the highest musical and technical quality. These exciting performances were recorded by the trailblazing and iconic audio engineer, Wally Heider, who pioneered the art of remote recording from his "studio on wheels." The sound he achieved is stellar, and this is perhaps the best live recording you can hear of one the most popular jazz groups of all time. The tapes were recorded in April, 1959 at the Multnomah Jazz Club and Clark College, both in the Portland, Oregon area. On this recording you can hear the Quartet's mastery of spontaneous counterpoint improvisation. Four months later, the Dave Brubeck Quartet's focus shifted to polytonal and polyrhythmic approaches when the group recorded the legendary "Time Out", and changed the course of jazz forever.
https://www.brubeckeditions.com/live-from-the-northwest-1959

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Reseñas Editoriales
"The Dave Brubeck Quartet-Live from the Northwest, 1959" es el lanzamiento más reciente de Brubeck Editions, el sello familiar que solo publica música de la más alta calidad musical y técnica. Estas emocionantes actuaciones fueron grabadas por el pionero e icónico ingeniero de audio, Wally Heider, quien fue pionero en el arte de la grabación remota desde su "estudio sobre ruedas"."El sonido que logró es estelar, y esta es quizás la mejor grabación en vivo que puedes escuchar de uno de los grupos de jazz más populares de todos los tiempos. Las cintas fueron grabadas en abril de 1959 en el Multnomah Jazz Club y Clark College, ambos en el área de Portland, Oregón. En esta grabación se puede escuchar el dominio del Cuarteto de la improvisación contrapuntística espontánea. Cuatro meses después, el enfoque del Dave Brubeck Quartet cambió a enfoques politonales y polirrítmicos cuando el grupo grabó el legendario "Time Out" y cambió el rumbo del jazz para siempre.
https://www.brubeckeditions.com/live-from-the-northwest-1959


www.brubeckeditions.com ...

www.davebrubeck.com ... 

Jack Montrose Sextet • Jack Montrose Sextet

 

Biography by Jason Ankeny
Tenor saxophonist and composer Jack Montrose was a premier exponent of the West Coast jazz movement. His terse phrasing and smooth tone remain the quintessence of California cool. Born December 30, 1928, in Detroit, Montrose spent the first several years of the Depression in Chicago until poverty forced his family to relocate to Chattanooga, TN. Upon teaching himself saxophone he joined a local dance band at the age of 14, and after several tours of the South he relocated to Southern California, where in 1947 he joined the John Kirby Sextet, beginning a long and fertile collaboration with Kirby's baritone saxophonist, Bob Gordon. Montrose continued working with Kirby while studying at Los Angeles State College, and after the bandleader's 1952 death he supported Shorty Rogers and Art Pepper. Upon graduating in 1953, Montrose earned notoriety as a session musician and arranger, contributing to dates headlined by Chet Baker, Clifford Brown, and Dave Pell. After returning from a six-month tour with Stan Kenton in mid-1954, Montrose reunited with Gordon for the Pacific Jazz LP Meet Mr. Gordon. In 1955, the saxophonists convened for an acclaimed Atlantic date, Arranged/Played/Composed by Jack Montrose, followed by a Pacific Jazz session headlined by the former. But by the time of both albums' commercial release, Gordon was dead, killed in a fatal auto accident on August 28, 1955, at the age of only 27.

Montrose resurfaced in 1957 with a pair of RCA releases, Blues and Vanilla and The Horn's Full. He also backed Mel Tormé on a series of LPs recorded with arranger Marty Paich, and briefly collaborated with trumpeter Jack Millman. But by the mid-'50s Montrose was losing a battle with heroin addiction, earning a nagging reputation for missing recording sessions and live gigs. By the time he conquered drug abuse for good in 1961, the West Coast vogue was over and he was relegated to playing local strip joints before relocating to Las Vegas, where he appeared in casino show bands for the better part of the decade. After years out of the limelight, Montrose finally returned to the studio in 1977 for drummer Frank Butler's Xanadu label comeback effort, Stepper. Only in 1986 did he earn his own comeback bid, collaborating with pianist Pete Jolly for the Slingshot release Better Late Than Never. After the Holt imprint issued Montrose's Let's Do It four years later, the saxophonist became a fixture of the West Coast jazz revival circuit, returning to Los Angeles to contribute to efforts including The American Jazz Institute's 2003 Clifford Brown Project, which employed many of the same arrangements Montrose wrote for Brown a half-century earlier. The reissue boom also made several of Montrose's vintage LPs available for a new generation of jazz aficionados, and he finally began to enjoy the recognition long due him when he died in Las Vegas on February 7, 2006.

https://www.allmusic.com/artist/jack-montrose-mn0000778697#biography

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Biografía por Jason Ankeny
El saxofonista tenor y compositor Jack Montrose fue un destacado exponente del movimiento de jazz de la Costa Oeste. Su fraseo conciso y su tono suave siguen siendo la quintaesencia del cool californiano. Nacido el 30 de diciembre de 1928 en Detroit, Montrose pasó los primeros años de la Depresión en Chicago hasta que la pobreza obligó a su familia a mudarse a Chattanooga, Tennessee. Al aprender saxofón por sí mismo, se unió a una banda de baile local a la edad de 14 años, y después de varias giras por el Sur, se mudó al sur de California, donde en 1947 se unió al Sexteto John Kirby, comenzando una larga y fértil colaboración con el saxofonista barítono de Kirby, Bob Gordon. Montrose continuó trabajando con Kirby mientras estudiaba en el Los Angeles State College, y después de la muerte del líder de la banda en 1952 apoyó a Shorty Rogers y Art Pepper. Al graduarse en 1953, Montrose ganó notoriedad como músico de sesión y arreglista, contribuyendo a las fechas encabezadas por Chet Baker, Clifford Brown y Dave Pell. Después de regresar de una gira de seis meses con Stan Kenton a mediados de 1954, Montrose se reunió con Gordon para el LP de Jazz del Pacífico Meet Mr.Gordon. En 1955, los saxofonistas se reunieron para una aclamada cita Atlántica, Arreglada / Tocada / Compuesta por Jack Montrose, seguida de una sesión de Jazz del Pacífico encabezada por el primero. Pero para el momento del lanzamiento comercial de ambos álbumes, Gordon estaba muerto, muerto en un fatal accidente automovilístico el 28 de agosto de 1955, a la edad de solo 27 años.

Montrose resurgió en 1957 con un par de lanzamientos de RCA, Blues and Vanilla y The Horn's Full. También respaldó a Mel Tormé en una serie de LP grabados con el arreglista Marty Paich, y colaboró brevemente con el trompetista Jack Millman. Pero a mediados de los 50, Montrose estaba perdiendo una batalla contra la adicción a la heroína, ganándose una reputación molesta por perderse sesiones de grabación y conciertos en vivo. Para cuando conquistó definitivamente el abuso de drogas en 1961, la moda de la Costa Oeste había terminado y fue relegado a tocar en locales de striptease antes de mudarse a Las Vegas, donde apareció en bandas de espectáculos de casino durante la mayor parte de la década. Después de años fuera del centro de atención, Montrose finalmente regresó al estudio en 1977 para el esfuerzo de regreso del sello Xanadu del baterista Frank Butler, Stepper. Recién en 1986 se ganó su propia oferta de regreso, colaborando con el pianista Pete Jolly para el lanzamiento de Slingshot Better Late Than Never. Después de que el sello Holt emitiera Let's Do It de Montrose cuatro años después, el saxofonista se convirtió en un elemento fijo del circuito de avivamiento del jazz de la Costa Oeste, regresando a Los Ángeles para contribuir a los esfuerzos, incluido el Proyecto Clifford Brown de 2003 del American Jazz Institute, que empleó muchos de los mismos arreglos que Montrose escribió para Brown medio siglo antes. El boom de la reedición también puso a disposición de una nueva generación de aficionados al jazz varios de los LP antiguos de Montrose, y finalmente comenzó a disfrutar del reconocimiento que tanto le merecía cuando murió en Las Vegas el 7 de febrero de 2006.

https://www.allmusic.com/artist/jack-montrose-mn0000778697#biography

J.R. Monterose • J.R. Monterose

 

Review
by Stephen Thomas Erlewine
J.R. Monterose's first session as a leader was a thoroughly enjoyable set of swinging, straight-ahead bop that revealed him as a saxophonist with a knack for powerful, robust leads in the vein of Sonny Rollins and Coleman Hawkins. With a stellar supporting group of pianist Horace Silver, trumpeter Ira Sullivan, bassist Wilbur Ware, and drummer "Philly" Joe Jones, Monterose has recorded a set of bop that swings at a measured pace and offers many delightful moments. Throughout the session, Monterose sounds vigorous, whether he's delivering hard-swinging solos or waxing lyrical. With his bluesy vamps and soulful solos, Silver is equally impressive, while Sullivan's spotlights are alternately punchy and skilled; similarly, the rhythm section is tight, letting the music breathe while keeping the groove. In fact, the quality of the music is so strong, J.R. Monterose qualifies as one of the underappreciated gems in Blue Note's mid-'50s catalog.
https://www.allmusic.com/album/jr-monterose-mw0000263590


Biography
by Scott Yanow
J.R. Monterose (not to be confused with fellow tenor Jack Montrose) is most famous for a gig that he personally did not enjoy, playing with Charles Mingus in 1956 and recording on Mingus' breakthrough album Pithecanthropus Erectus. He grew up in Utica, NY, played in territory bands in the Midwest, and then moved to New York City in the early '50s. Monterose played with Buddy Rich (1952) and Claude Thornhill and recorded with (among others) Teddy Charles, Jon Eardley, and Eddie Bert. After leaving Mingus (whom he did not get along with), Monterose played with Kenny Dorham's Jazz Prophets and recorded a strong set for Blue Note as a leader. Although he performed into the 1980s (doubling on soprano in later years), Monterose never really became famous. In addition to his Blue Note date, he led sets for Jaro (a 1959 session later reissued by Xanadu), Studio 4 (which was reissued by V.S.O.P.), a very obscure 1969 outing for the Dutch label Heavy Soul Music (1969), and, during 1979-1981, albums for Progressive, Cadence, and two for Uptown.
https://www.allmusic.com/artist/jr-monterose-mn0000117136/biography

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Reseña
por Stephen Thomas Erlewine
La primera sesión de J.R. Monterose como líder fue un conjunto muy agradable de swing y bop directo que lo reveló como un saxofonista con una habilidad para las pistas poderosas y robustas en la línea de Sonny Rollins y Coleman Hawkins. Con un grupo de apoyo estelar formado por el pianista Horace Silver, el trompetista Ira Sullivan, el bajista Wilbur Ware y el baterista "Philly" Joe Jones, Monterose ha grabado un conjunto de bop que se balancea a un ritmo medido y ofrece muchos momentos deliciosos. A lo largo de la sesión, Monterose suena vigoroso, ya sea en los solos de swing duro o en los líricos. Silver es igualmente impresionante con sus solos de blues y soul, mientras que los focos de Sullivan son alternativamente punzantes y hábiles; asimismo, la sección rítmica es ajustada, dejando que la música respire mientras mantiene el ritmo. De hecho, la calidad de la música es tan fuerte que J.R. Monterose califica como una de las gemas infravaloradas del catálogo de Blue Note de mediados de los 50.
https://www.allmusic.com/album/jr-monterose-mw0000263590


Biografía
por Scott Yanow
J.R. Monterose (no hay que confundirlo con el tenor Jack Montrose) es más famoso por una actuación que no disfrutó personalmente, tocar con Charles Mingus en 1956 y grabar en el álbum pionero de Mingus, Pithecanthropus Erectus. Creció en Utica (Nueva York), tocó en bandas territoriales en el Medio Oeste y luego se trasladó a Nueva York a principios de los años 50. Monterose tocó con Buddy Rich (1952) y Claude Thornhill y grabó con (entre otros) Teddy Charles, Jon Eardley y Eddie Bert. Después de dejar a Mingus (con quien no se llevaba bien), Monterose tocó con los Jazz Prophets de Kenny Dorham y grabó un sólido conjunto para Blue Note como líder. Aunque actuó hasta la década de 1980 (doblando como soprano en años posteriores), Monterose nunca llegó a ser realmente famoso. Además de su fecha en Blue Note, dirigió conjuntos para Jaro (una sesión de 1959 que luego fue reeditada por Xanadu), Studio 4 (que fue reeditado por V.S.O.P.), una salida muy oscura de 1969 para el sello holandés Heavy Soul Music (1969), y, durante 1979-1981, álbumes para Progressive, Cadence, y dos para Uptown.
https://www.allmusic.com/artist/jr-monterose-mn0000117136/biography

Freddie Mccoy • Lonely Avenue

 

 

Freddie McCoy, born in New York City in 1932, assembled a big crew to create the soulful canvas of his debut album on Prestige in 1965, Lonely Avenue. The coupling of vibes with trumpet, baritone sax, trombone, organ and guitar proved to be a remarkably flexible unit, both mean/funky and contemplative, which also, perhaps not entirely coincidentally, is a description of Freddie McCoy’s musical personality. The vibraphonist generates a lot heat but at the same time his playing is marked by a relaxed flow. Easygoing fellow but he’s not going to let you eat his lunch. One of few vibraphone players that focused on groove and grease. Yes, there’s a blues-drenched bit of Milt Jackson, without the dazzling technique of the God Of Vibes. And yes, there’s a bit of entertainment value that was inherent to the personality of pioneer Lionel Hampton, but the circus has left town before the roar of the lion. Freddie McCoy was more concerned with the kind of soul time that worked as a magnet for workers from all over the hood. Punch the clock, hurry home, slip into some shiny slacks and let’s hear it for the real mccoy’… Once settled in some upper Harlem joint, they shake their hips, shake their asses, shake their heads in amazement at the sight of this slick dude sweating it out behind that weird steel frame. Mallet boogie.

Plenty of warhorse and pop song for that kind of customer: When Sunny Gets Blue, Willow Weep For Me, Harlem Nocturne, Feeling Good. McCoy’s Roëll is a lovely ballad, his take on the Doc Pomus tune Lonely Avenue, best-known through the classic r&b version of Ray Charles, is super-soulful and the album’s crackerjack cookers, Collard Greens and Belly Full Of Greens, would serve well as background tracks for the volatile Ike & Tina Turner. Want some mean greens? Yes please, why not? Beats crème bruleé.

Freddie McCoy began to play the vibraphone in the Army in 1958 and subsequently played with Kenny Burrell, Johnny “Hammond” Smith, Philly Joe Jones and Doug Watkins. Following his debut, McCoy enjoyed a good stretch on Prestige, which released six albums between 1966 and 1968, focusing more and more on r&b and funk-ish ditties. Before he went off the radar, his last album Gimme Some was released by Cobblestone in 1971. Freddie McCoy was also a flight instructor who owned his own plane. No doubt he made some soulful maneuvers in that little booger.

Freddie McCoy passed away in 2009.
http://flophousemagazine.com/2019/02/18/freddie-mccoy-lonely-avenue-prestige-1965/

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Freddie McCoy, nacido en la ciudad de Nueva York en 1932, reunió a un gran equipo para crear el lienzo conmovedor de su álbum debut en Prestige en 1965, Lonely Avenue. El acoplamiento de vibraciones con trompeta, saxo barítono, trombón, órgano y guitarra demostró ser una unidad notablemente flexible, tanto mezquina/funky como contemplativa, que también, quizás no por casualidad, es una descripción de la personalidad musical de Freddie McCoy. El vibrafonista genera mucho calor pero al mismo tiempo su forma de tocar está marcada por un flujo relajado. Un tipo tranquilo, pero no te dejará comer su almuerzo. Uno de los pocos reproductores de vibráfonos que se centró en el groove y la grasa. Sí, hay un poco de Milt Jackson empapado de blues, sin la deslumbrante técnica del Dios de las Vibraciones. Y sí, hay un poco de valor de entretenimiento inherente a la personalidad del pionero Lionel Hampton, pero el circo se fue de la ciudad antes del rugido del león. Freddie McCoy estaba más preocupado por el tipo de tiempo del alma que funcionaba como un imán para los trabajadores de todo el barrio. Pon el reloj, apúrate a casa, ponte unos pantalones brillantes y escuchémoslo por el verdadero Mccoy' Once Una vez instalados en alguna articulación del alto Harlem, sacuden las caderas, sacuden el trasero, sacuden la cabeza asombrados al ver a este tipo resbaladizo sudando detrás de ese extraño marco de acero. Mallet boogie.

Mucho caballo de batalla y canciones pop para ese tipo de cliente: When Sunny Gets Blue, Willow Weep For Me, Harlem Nocturne, Feeling Good. Roëll de McCoy es una balada encantadora, su versión de la melodía de Doc Pomus Lonely Avenue, más conocida a través de la versión clásica de r&b de Ray Charles, es súper conmovedora y las cocinas crackerjack del álbum, Berza y Barriga Llena de Verduras, servirían bien como pistas de fondo para los volátiles Ike y Tina Turner. ¿Quieres algunos mean greens? Sí, por favor, ¿por qué no? Beats crème bruleé.

Freddie McCoy comenzó a tocar el vibráfono en el Ejército en 1958 y posteriormente tocó con Kenny Burrell, Johnny "Hammond" Smith, Philly Joe Jones y Doug Watkins. Tras su debut, McCoy disfrutó de un buen tramo en Prestige, que lanzó seis álbumes entre 1966 y 1968, centrándose cada vez más en canciones de r&b y funk. Antes de desaparecer del radar, Cobblestone lanzó su último álbum Gimme Some en 1971. Freddie McCoy también era instructor de vuelo y dueño de su propio avión. Sin duda hizo algunas maniobras conmovedoras en ese pequeño moco.

Freddie McCoy falleció en 2009.
http://flophousemagazine.com/2019/02/18/freddie-mccoy-lonely-avenue-prestige-1965/

Chico Hamilton • Chico Hamilton Trio

 

Review by Michael G. Nastos
Chico Hamilton's earliest bands in a trio setting featured two fine rising stars of jazz guitar in Howard Roberts and Jim Hall. With the always exceptional George Duvivier playing bass throughout, these three-piece bands laid a foundation for many of Hamilton's more famous groups in the '60s that sported sidemen Larry Coryell and Gabor Szabo. There are hints of the hardcore jazz swing and Latin boogaloo amalgam that Hamilton would perfect, but for this compilation of recordings originally for the Pacific Jazz label, you hear his immaculate work on brushes, more prevalent than his sticks, although many tunes combine the two as he switches off. The eight tracks with the refined playing of Roberts move from a delicate, tasteful version of "Broadway," through the slow, somewhat abstract "Street of Drums," and the ballad "What Is There to Say?" But then the pace picks up with the quick "Nuttye" reinforced by backdrop scat, and the bass-led bop-to-funk "Buddy Boo," where Hamilton's developing style is emerging. Rumbling and tribal drums for the late-night "Uganda" buoys the patient guitar of Roberts, while the two-minute shortie "Lollypop" is a delicious call and response bopper. As polished as the playing of Roberts is, the sessions with the brilliant Jim Hall are the gems of the set, with all of the compositions penned by Duvivier. "Autumn Landscape" is a bit somber and regretful, while "Porch Light" reads angular à la Thelonious Monk, with the guitarist stepping up. A unique, fluid, and dynamic voice at this stage of his career, Hall holds sway in a consistent mezzo piano volume for the bop-tinged "Blues on the Rocks" before Hamilton's deft solo on brushes, but with the wire flanges plays his tom-toms in ultra melodic and inventive fashion for "Skynned Strings." An entry point recording for Chico Hamilton, it displays his savory good common sense well before being more trend- and fashion-conscious, as psychedelia and fusion took over commercialized jazz. What needs to be recognized is that Hamilton did not so much assimilate the trends, but modified and adapted his music to the sign of the times and his own unique talents. This LP represents him at a more innocent time, when jazz was not so adulterated by more popular forms, and it's a fine West Coast-style time capsule for the era.
https://www.allmusic.com/album/chico-hamilton-trio-mw0000875212

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Reseña de Michael G. Nastos
Las primeras bandas de Chico Hamilton en un entorno de trío presentaban a dos excelentes estrellas emergentes de la guitarra de jazz en Howard Roberts y Jim Hall. Con el siempre excepcional George Duvivier tocando el bajo en todo momento, estas bandas de tres integrantes sentaron las bases para muchos de los grupos más famosos de Hamilton en los años 60 que contaban con los acompañantes Larry Coryell y Gabor Szabo. Hay indicios de la amalgama hardcore jazz swing y Latin boogaloo que Hamilton perfeccionaría, pero para esta compilación de grabaciones originalmente para el sello Pacific Jazz, escuchas su inmaculado trabajo en pinceles, más frecuente que sus baquetas, aunque muchas melodías combinan las dos mientras se apaga. Las ocho pistas con la interpretación refinada de Roberts pasan de una versión delicada y de buen gusto de "Broadway", a través de la lenta y algo abstracta "Street of Drums" y la balada " What Is There To Say?"Pero luego el ritmo se acelera con el rápido "Nuttye" reforzado por scat de fondo, y el bajo bop - to-funk "Buddy Boo", donde está surgiendo el estilo en desarrollo de Hamilton. Los tambores retumbantes y tribales de la "Uganda" nocturna hacen flotar la guitarra paciente de Roberts, mientras que la "Piruleta" de dos minutos es un delicioso bopper de llamada y respuesta. Tan pulida como es la interpretación de Roberts, las sesiones con el brillante Jim Hall son las gemas del set, con todas las composiciones escritas por Duvivier. "Autumn Landscape" es un poco sombrío y lamentable, mientras que" Porch Light " dice angular à la Thelonious Monk, con el guitarrista dando un paso al frente. Una voz única, fluida y dinámica en esta etapa de su carrera, Hall domina un volumen consistente de piano mezzo para el "Blues on the Rocks" teñido de bop antes del hábil solo de Hamilton con los pinceles, pero con las bridas de alambre toca sus tom-toms de manera ultra melódica e inventiva para "Skynned Strings."Una grabación de punto de entrada para Chico Hamilton, muestra su sabroso buen sentido común mucho antes de ser más consciente de las tendencias y la moda, ya que la psicodelia y la fusión se apoderaron del jazz comercializado. Lo que hay que reconocer es que Hamilton no asimiló tanto las tendencias, sino que modificó y adaptó su música al signo de los tiempos y a sus propios talentos únicos. Este LP lo representa en un momento más inocente, cuando el jazz no estaba tan adulterado por formas más populares, y es una excelente cápsula del tiempo al estilo de la Costa Oeste para la época.
https://www.allmusic.com/album/chico-hamilton-trio-mw0000875212

The Modern Jazz Quartet • Third Stream Music

The Three Souls • Dangerous Dan Express

 

Jazz Trio from Chicago, led by Sonny Cox (alto) w/ Ken Prince on organ and drummer Robert Shy.

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Trío de Jazz de Chicago, dirigido por Sonny Cox (alto) con Ken Prince en el órgano y el baterista Robert Shy.

Cory Weeds • Condition Blue, The Music Of Jackie McLean

 

coryweeds.com ...

mikeledonne.net ... 

www.peterbernsteinmusic.com ... 

 www.joefarnsworthdrums.com ... 

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Miles Davis • Miles Davis & The Modern Jazz Giants

 

Review from All About Jazz (by Douglas Payne):
Hyperbole aside, this disc's title could hardly be more accurate. Miles Davis. Milt Jackson. Thelonious Monk. John Coltrane. That doesn't even count the legendary rhythm sections (Percy Heath and Kenny Clarke in one, Red Garland, Paul Chambers and Philly Joe Jones in the other). Miles Davis And The Modern Jazz Giants is made up of two sessions, with four tracks from an all-star group with Jackson and Monk from 1954 (which also yielded the title track to Davis's Bags Groove) and one track from the first of the famous 1956 Davis quintet's marathon recordings that produced Workin', Steamin', Cookin' and Relaxin'. The music is unquestionably excellent, yielding sterling and signature input from each participant. The first of these two sessions is famous for being the one where the cranky trumpeter was miffed by the cantankerous Monk's playing behind his solos. "That's bullshit," according to label owner and session supervisor Bob Weinstock in the recently released The Prestige Records Story box set (and confirmed in this disc's liner notes by Ira Gitler). "Miles didn't want him to comp on one tune. There was no hostility, no fighting. I've heard that story many times but those guys had total respect for each other." Indeed, the musical evidence bears Weinstock out. The rapport among these leaders — however edgy it certainly must have been in the studio on that Christmas Eve day — works to the music's advantage. The quintet excels on Davis's "Swing Spring," Monk's "Bemsha Swing" and two very different takes of Gershwin's "The Man I Love." The lone 1956 track is Davis's breathtaking signature reverie on Monk's "'Round Midnight," with the trumpeter's familiar and definitive quintet. This collection essentially documents two important summit meetings from some of the greatest individuals jazz has ever known. Hyperbole aside, the results are significant and timeless.
https://www.allaboutjazz.com/miles-davis-and-the-modern-jazz-giants-miles-davis-prestige-records-review-by-douglas-payne

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Reseña de All About Jazz (por Douglas Payne):
La hipérbole aparte, el título de este disco difícilmente podría ser más preciso. Miles Davis. Milt Jackson. Thelonious Monk. John Coltrane. Y eso sin contar las legendarias secciones rítmicas (Percy Heath y Kenny Clarke en una, Red Garland, Paul Chambers y Philly Joe Jones en la otra). Miles Davis And The Modern Jazz Giants está compuesto por dos sesiones: cuatro temas de un grupo all-star con Jackson y Monk de 1954 (que también produjo el tema titular del Bags Groove de Davis) y un tema de la primera de las famosas sesiones maratón del quinteto de Davis de 1956, que produjeron Workin', Steamin', Cookin' y Relaxin'. La música es inequívocamente excelente, ofreciendo aportes brillantes y característicos de cada participante. La primera de estas dos sesiones es famosa por ser aquella en la que el malhumorado trompetista estaba molesto con el juego de acompañamiento del obstinado Monk detrás de sus solos. "Eso es una tontería", según el dueño del sello y supervisor de sesión Bob Weinstock en el recientemente publicado box set The Prestige Records Story (y confirmado en las notas del liner de este disco por Ira Gitler). "Miles no quería que él acompañara en un tema. No había hostilidad, ni peleas. He escuchado esa historia muchas veces pero esos tipos se tenían total respeto mutuo." De hecho, la evidencia musical le da la razón a Weinstock. La compenetración entre estos líderes — por tensa que ciertamente debió de haber sido en el estudio en aquel día de Nochebuena — trabaja a favor de la música. El quinteto brilla en "Swing Spring" de Davis, "Bemsha Swing" de Monk y dos takes muy diferentes de "The Man I Love" de Gershwin. El único tema de 1956 es la ensoñación emblemática y sobrecogedora de Davis sobre "'Round Midnight" de Monk, con el familiar y definitivo quinteto del trompetista. Esta colección documenta esencialmente dos importantes cumbres de algunos de los más grandes individuos que el jazz haya conocido. La hipérbole aparte, los resultados son significativos e imperecederos.
https://www.allaboutjazz.com/miles-davis-and-the-modern-jazz-giants-miles-davis-prestige-records-review-by-douglas-payne

Kai Winding-J.J. Johnson-Bennie Green • Kai And Jay, Bennie Green With Strings

 

Review by Scott Yanow
Two unrelated session are combined on this CD reissue of an LP. Trombonist Bennie Green is heard on four ballads from 1952 while backed by a rhythm section and six strings. However, the more significant selections are eight songs that for the first time matched together trombonists J.J. Johnson and Kai Winding in a quintet. The Johnson and Winding group would be quite popular during the next two years and, listening to the colorful and melodic versions of such tunes as "How Long Has This Been Going On," "Dinner for One," and "We'll Be Together Again," it is easy to see why.
https://www.allmusic.com/album/kai-and-jay-bennie-green-with-strings-mw0000654635

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Reseña de Scott Yanow
Dos sesiones no relacionadas se combinan en esta reedición en CD de un LP. El trombonista Bennie Green se escucha en cuatro baladas de 1952 mientras está respaldado por una sección rítmica y seis cuerdas. Sin embargo, las selecciones más significativas son ocho canciones que por primera vez emparejaron a los trombonistas J. J. Johnson y Kai Winding en un quinteto. El grupo Johnson y Winding sería bastante popular durante los próximos dos años y, escuchando las versiones coloridas y melódicas de canciones como "How Long Has This Been Going On"," Dinner for One " y "We'll Be Together Again", es fácil ver por qué.
https://www.allmusic.com/album/kai-and-jay-bennie-green-with-strings-mw0000654635

The Billy Taylor Septet ‎• Brazilian Beat

Billy Taylor encompassed that rare combination of creativity, intelligence, vision, commitment and leadership, qualities that made him one of our most cherished national treasures.

The distinguished ambassador of the jazz community to the world-at-large, Dr. Billy Taylor's recording career spans nearly six decades. He has also composed over three hundred and fifty songs, including “I Wish I Knew How It Would Feel To Be Free,” as well as works for theatre, dance and symphony orchestras.

Playing the piano professionally since 1944, he got his start with Ben Webster's Quartet on New York's famed 52nd Street. He then served as the house pianist at Birdland, the legendary jazz club where he performed with such celebrated masters as Charlie Parker, Dizzy Gillespie and Miles Davis. Since the 1950s, Billy Taylor has been leading his own Trio, as well as performing with the most influential jazz musicians of the twentieth century.

Dr. Taylor has not only been an influential musician, but a highly regarded teacher as well, receiving his Masters and Doctorate in Music Education from the University of Massachusetts at Amherst and serving as a Duke Ellington Fellow at Yale University.

He has also hosted and programmed such radio stations WLIB and WNEW in New York, and award winning series for National Public Radio. In the early 1980s, Taylor became the arts correspondent for CBS Sunday Morning.

Dr. Billy Taylor is one of only three jazz musicians appointed to the National Council of the Arts, and also serves as the Artistic Advisor for Jazz to the Kennedy Center for the Performing Arts, where he has developed one acclaimed concert series after another including the Louis Armstrong Legacy series, and the annual Mary Lou Williams Women in Jazz Festival.

With over twenty three honorary doctoral degrees, Dr. Billy Taylor is also the recipient of two Peabody Awards, an Emmy, a Grammy and a host of prestigious and highly coveted prizes, such as the National Medal of Arts, the Tiffany Award, a Lifetime achievement Award from Downbeat Magazine, and, election to the Hall of Fame for the International Association for Jazz Education.

Dr. Billy Taylor passed on Dec. 28, 2010.

https://musicians.allaboutjazz.com/billytaylor

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Billy Taylor comprendía esa rara combinación de creatividad, inteligencia, visión, compromiso y liderazgo, cualidades que lo convirtieron en uno de nuestros tesoros nacionales más preciados.

El distinguido embajador de la comunidad de jazz ante el mundo en general, la carrera discográfica del Dr. Billy Taylor abarca casi seis décadas. También ha compuesto más de trescientas cincuenta canciones, entre ellas "I Wish I Knew How It Would Feel To Be Free", así como obras para teatro, danza y orquestas sinfónicas.

Tocando el piano profesionalmente desde 1944, comenzó con Ben Webster's Quartet en la famosa calle 52 de Nueva York. Luego se desempeñó como pianista en Birdland, el legendario club de jazz donde tocó con maestros tan famosos como Charlie Parker, Dizzy Gillespie y Miles Davis. Desde los años 50, Billy Taylor ha estado dirigiendo su propio trío, así como tocando con los músicos de jazz más influyentes del siglo XX.

El Dr. Taylor no sólo ha sido un músico influyente, sino también un profesor muy respetado, recibiendo su Maestría y Doctorado en Educación Musical de la Universidad de Massachusetts en Amherst y sirviendo como Duke Ellington Fellow en la Universidad de Yale.

También ha sido anfitrión y programador de las estaciones de radio WLIB y WNEW en Nueva York, y de series premiadas para la Radio Pública Nacional. A principios de la década de 1980, Taylor se convirtió en corresponsal de arte de CBS Sunday Morning.

El Dr. Billy Taylor es uno de sólo tres músicos de jazz nombrados para el Consejo Nacional de las Artes, y también sirve como Asesor Artístico de Jazz para el Kennedy Center for the Performing Arts, donde ha desarrollado una aclamada serie de conciertos tras otra, incluyendo la serie Louis Armstrong Legacy, y el Festival anual Mary Lou Williams Women in Jazz.

Con más de veintitrés doctorados honorarios, el Dr. Billy Taylor también ha recibido dos premios Peabody, un Emmy, un Grammy y una serie de prestigiosos y muy codiciados premios, como la Medalla Nacional de las Artes, el Premio Tiffany, un premio de logros de toda una vida de la revista Downbeat y la elección al Salón de la Fama de la Asociación Internacional para la Educación en Jazz.

El Dr. Billy Taylor falleció el 28 de diciembre de 2010.

https://musicians.allaboutjazz.com/billytaylor

 

 

Phil Woods • Americans Swinging in Paris

 

Swinging in Paris Review
by Alain Drouot  
Part of a French series, Americans Swinging in Paris is an outstanding document and a welcome reissue featuring the European Rhythm Machine at its very best with French bassist Henri Texier and a couple of Swiss musicians, pianist George Gruntz, and drummer Daniel Humair, who is often mistaken for a Frenchman as is the case in the CD's liner notes. The program is comprised of two originals by Phil Woods as well as compositions by Oliver Nelson, Sonny Rollins, and Eddie Harris. The epic "And When You Are Young," which Woods penned and dedicated to the memory of Robert Kennedy, is alone worth acquiring this CD. The piece almost starts as a ballad before evolving into an emotionally charged scorcher. The saxophonist takes a long breathtaking solo and never lets the intensity drop a notch. Rarely has Woods ever sounded so adventurous. With Gruntz strumming his piano strings in the background, Texier gets the other feature and delivers a terrific solo that reveals a magnificent tone similar in grain to that of Charlie Haden. Then, the band lets it all loose before returning to the theme and bringing this real tour de force to a close. Ironically, the other masterpiece is a one-and-a-half-minute splendid version of Rollins' "Doxy" incredibly packed with ideas and substance. Woods and company say more in those 90 seconds than some artists do over the course of an album. As for the rest of the program, if it does not reach such heights, it remains first-class material performed by an inspired and wonderful band. A gem that belongs to the collection of any serious jazz fan.
https://www.allmusic.com/album/americans-swinging-in-paris-mw0000379483

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Reseña de Swinging en París
por Alain Drouot  
Parte de una serie francesa, Americans Swinging in Paris es un documento sobresaliente y una bienvenida reedición que presenta a la European Rhythm Machine en su mejor momento con el bajista francés Henri Texier y un par de músicos suizos, el pianista George Gruntz, y el baterista Daniel Humair, que a menudo se confunde con un francés como es el caso en las notas de presentación del CD. El programa está compuesto por dos originales de Phil Woods, así como por composiciones de Oliver Nelson, Sonny Rollins y Eddie Harris. La épica "And When You Are Young", que Woods escribió y dedicó a la memoria de Robert Kennedy, merece por sí sola la adquisición de este CD. La pieza comienza casi como una balada antes de evolucionar hacia un tema de gran carga emocional. El saxofonista se toma un largo e impresionante solo y no deja que la intensidad baje ni un ápice. Pocas veces Woods ha sonado tan aventurero. Con Gruntz rasgando las cuerdas de su piano en el fondo, Texier se hace con la otra función y ofrece un magnífico solo que revela un magnífico tono similar al de Charlie Haden. A continuación, la banda se desahoga antes de retomar el tema y poner fin a este auténtico tour de force. Irónicamente, la otra obra maestra es una espléndida versión de un minuto y medio de "Doxy" de Rollins, increíblemente repleta de ideas y sustancia. Woods y compañía dicen más en esos 90 segundos que algunos artistas a lo largo de un álbum. En cuanto al resto del programa, si no alcanza tales cotas, sigue siendo material de primera clase interpretado por una banda inspirada y maravillosa. Una joya que pertenece a la colección de cualquier aficionado al jazz serio.
https://www.allmusic.com/album/americans-swinging-in-paris-mw0000379483

www.philwoods.com ...