Warne Marsh • An Unsung Cat

 

Review
by Ken Dryden  
This anthology of the late tenor saxophonist Warne Marsh is intended to serve as a companion to the Scarecrow Press book with the same title, which was published in 2001. This is not your typical anthology, as it includes material from a number of labels, including Prestige, Vanguard, Riverside, VSOP, Inner City, Zinnia, and Storyville, as well as several previously unreleased private recordings. Probably the most intriguing cut is Marsh's performance in the big band the Teenagers playing Woody Herman's "Apple Honey" on NBC's The Hoagy Carmichael Show in the mid-'40s, while still in his late teens and prior to his transformation under the tutelage of pianist Lennie Tristano. Even rarer is a private rehearsal tape of "How High the Moon" (featuring Marsh playing along with a Jamey Aebersold record that has pianist Kenny Barron tuned out!); there are also privately recorded concert dates of "Lennie's Pennies" with a big band led by alto saxophonist Gary Foster and a duet with guitarist Larry Koonse of "Sweet and Lovely." As the reissued tracks are considered, it's obvious that his trademark cool tone is already present on the 1949 recordings with alto saxophonist Lee Konitz (who he recorded with a number of times during his career), which include a wild reworking of "Cherokee" called "Marshmallow" and the even more complex "Tautology" (based on "Idaho"). An emotional "You Don't Know What Love Is" features Marsh in a quartet with the incomparable bassist Niels Pedersen. His mellow interpretation of "Easy" (his reworking of "Easy Living") finds him accompanied by the brilliant pianist Toshiko Akiyoshi; this track is taken from an LP on the long defunct Inner City label. This collection is a well thought out retrospective of a talented musician that deserved greater fame during his lifetime.
https://www.allmusic.com/album/an-unsung-cat-the-life-and-music-of-warne-marsh-mw0000002602

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Reseña
por Ken Dryden  
Esta antología del fallecido saxofonista tenor Warne Marsh pretende servir de complemento al libro de Scarecrow Press del mismo título, publicado en 2001. No es la típica antología, ya que incluye material de varios sellos, como Prestige, Vanguard, Riverside, VSOP, Inner City, Zinnia y Storyville, así como varias grabaciones privadas inéditas. Probablemente el corte más intrigante es la actuación de Marsh en la gran banda The Teenagers tocando "Apple Honey" de Woody Herman en el programa de la NBC The Hoagy Carmichael Show a mediados de los años 40, cuando todavía era un adolescente y antes de su transformación bajo la tutela del pianista Lennie Tristano. Aún más rara es una cinta privada de ensayo de "How High the Moon" (en la que Marsh toca junto a un disco de Jamey Aebersold que tiene afinado al pianista Kenny Barron); también hay fechas de concierto grabadas en privado de "Lennie's Pennies" con una big band dirigida por el saxofonista alto Gary Foster y un dúo con el guitarrista Larry Koonse de "Sweet and Lovely". Al considerar los temas reeditados, es obvio que su característico tono frío ya está presente en las grabaciones de 1949 con el saxofonista alto Lee Konitz (con el que grabó varias veces a lo largo de su carrera), que incluyen una salvaje reelaboración de "Cherokee" llamada "Marshmallow" y la aún más compleja "Tautology" (basada en "Idaho"). Un emotivo "You Don't Know What Love Is" presenta a Marsh en un cuarteto con el incomparable bajista Niels Pedersen. Su melosa interpretación de "Easy" (su reelaboración de "Easy Living") le acompaña la brillante pianista Toshiko Akiyoshi; este tema procede de un LP del desaparecido sello Inner City. Esta colección es una retrospectiva bien pensada de un músico de talento que mereció mayor fama en vida.
https://www.allmusic.com/album/an-unsung-cat-the-life-and-music-of-warne-marsh-mw0000002602

Johnny Hodges • In A Tender Mood

 

"Never the world's most highly animated showman or greatest stage personality, but a tone so beautiful it sometimes brought tears to the eyes, this was Johnny Hodges. Because of this great loss, our band will never sound the same. Johnny Hodges sometimes sounded beautiful, sometimes romantic, and sometimes people spoke of his tone as being sensuous. With the exception of a year or so, almost his entire career was with us. So far as our wonderful listening audience was concerned, there was a great feeling of expectancy when they looked up and saw Johnny Hodges sitting in the middle of the saxophone section, in the front row. I am glad and thankful that I had the privilege of presenting Johnny Hodges for forty years, night after night. I imagine I have been much envied, but thanks to God....” Duke Ellington eulogy.

John Cornelius Hodges was born on the 25th July 1906 in Cambridge, Mass. He started his musical career playing drums and piano before taking up the saxophone at the age of 14, beginning on the soprano and later the alto. Originally self-taught he was given lessons by Sydney Bechet, whom he got to know through his sister. He followed Bechet into Willie 'The Lion' Smith's quartet at the Rhythm Club (around 1924), then played in the house band with Bechet's Club ‘Basha’ in Harlem. He continued to live in Boston and traveled to New York at weekends playing with such musicians as Bobby Sawyer (1925), Lloyd Scott (1926), then from late 1926 with the great Chick Webb at The Paddock Club and The Savoy Ballroom, etc. followed by a short stint with Luckey Roberts.

In May 1928 Johnny joined Duke Ellington's orchestra and he remained a mainstay of the group for the next 40 years. From his first recording in 1928 he revealed his authority and technical mastery of the saxophone, playing with a broad, sweeping tone and producing impressive, cascading runs. In the opinion of many people, he soon became Duke's most valuable soloist. He made hundreds of recordings with Duke and from 1937 led his own small studio group drawn from the orchestra which made many successful series of recordings for Victor and other labels. Titles included “Jeep's Blues,” “Hodge Podge,” “The Jeep is Jumpin” all of which were co-written with Duke. Also in this period of great creativity he played in many other small groups with musicians such as Lionel Hampton, Teddy Wilson, etc., producing classics of the period.

Johnny was one of the many stars of the Ellington band of the 40s producing solos of immense authority on songs such as “Things Ain't What They Used To Be,” “Don't Get Around Much Any More,” “Passion Flower,” etc. From the 40s he concentrated on the alto leaving the soprano alone completely and in this period he regularly won the popularity polls run by magazines such as Downbeat, Metronome, and Esquire.

In March 1951 Johnny left Duke to form his own small group taking with him Lawrence Brown and Sonny Greer and in their first recording session they produced a hit record of “Castle Rock.” Johnny disbanded the group in the spring of 1955 and after a brief spell of TV work on the Ted Steele Show, rejoined Duke in August of that year where, apart from a few brief periods, he remained for the rest of his life. In the spring of 1958 he worked with Billy Strayhorn and in 1961 went to Europe with some of the other band members in a group called The Ellington Giants.

He continued to record prolifically with musicians such as Wild Bill Davis, Earl Hines, and even one session with Lawrence Welk. Duke and Billy Strayhorn continued to write compositions and arrangements featuring Johnny's unique sound and talents leaving a wonderful legacy of recorded music for the enjoyment of successive generations of enthusiasts. He won the admiration of many saxophonists such as Ben Webster and even John Coltrane who played in one of the small groups in 1953-4 said that Johnny was always one of his favorite players.

In his later years Johnny used fewer and fewer notes, remaining close to the melody in ballads and improvising simple but telling riffs on the faster numbers, many of which were based on the blues . The power of his playing came from his sound and his soul, generating immense swing and building the dramatic tension from chorus to chorus. His last attempt at recording was the monumental “New Orleans Suite,” but he would not live to see the final product.

Johnny Hodges died of a heart attack in New York City on the 11th May 1970.
Source: James Nadal
https://www.allaboutjazz.com/musicians/johnny-hodges/

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"Nunca fue el showman más animado del mundo o la personalidad teatral más grande, pero un tono tan hermoso que a veces hacía llorar a los ojos, este era Johnny Hodges. Debido a esta gran pérdida, nuestra banda nunca sonará igual. Johnny Hodges a veces sonaba hermoso, a veces romántico y, a veces, la gente hablaba de su tono como sensual. Con la excepción de un año más o menos, casi toda su carrera estuvo con nosotros. En lo que respecta a nuestra maravillosa audiencia oyente, hubo una gran sensación de expectativa cuando levantaron la vista y vieron a Johnny Hodges sentado en el medio de la sección de saxofones, en la primera fila. Estoy contento y agradecido de haber tenido el privilegio de presentar a Johnny Hodges durante cuarenta años, noche tras noche. Me imagino que me han envidiado mucho, pero gracias a Dios...."Elogio de Duke Ellington.

John Cornelius Hodges nació el 25 de julio de 1906 en Cambridge, Massachusetts. Comenzó su carrera musical tocando la batería y el piano antes de comenzar a tocar el saxofón a los 14 años, comenzando con la soprano y luego con el alto. Originalmente autodidacta, Sydney Bechet le dio lecciones, a quien conoció a través de su hermana. Siguió a Bechet al cuarteto de Willie' The Lion ' Smith en el Rhythm Club (alrededor de 1924), luego tocó en la banda de la casa con el Club 'Basha' de Bechet en Harlem. Continuó viviendo en Boston y viajaba a Nueva York los fines de semana tocando con músicos como Bobby Sawyer (1925), Lloyd Scott (1926), luego desde finales de 1926 con el gran Chick Webb en el Paddock Club y el Savoy Ballroom, etc. seguido de una breve temporada con Luckey Roberts.

En mayo de 1928, Johnny se unió a la orquesta de Duke Ellington y siguió siendo un pilar del grupo durante los siguientes 40 años. Desde su primera grabación en 1928 reveló su autoridad y dominio técnico del saxofón, tocando con un tono amplio y amplio y produciendo carreras impresionantes en cascada. En opinión de mucha gente, pronto se convirtió en el solista más valioso de Duke. Hizo cientos de grabaciones con Duke y, a partir de 1937, dirigió su propio pequeño grupo de estudio extraído de la orquesta, que realizó muchas series exitosas de grabaciones para Victor y otros sellos. Los títulos incluyeron "Jeep's Blues", "Hodge Podge"," The Jeep is Jumpin", todos los cuales fueron coescritos con Duke. También en este período de gran creatividad tocó en muchos otros pequeños grupos con músicos como Lionel Hampton, Teddy Wilson, etc., produciendo clásicos de la época.

Johnny fue una de las muchas estrellas de la Ellington Band de los años 40 produciendo solos de inmensa autoridad en canciones como "Things Ain't What They Used To Be"," Don't Get Around Much Anymore"," Passion Flower", etc. A partir de los años 40 se concentró en el alto dejando completamente sola a la soprano y en este período ganó regularmente las encuestas de popularidad que manejan revistas como Downbeat, Metronome y Esquire.

En marzo de 1951 Johnny dejó Duke para formar su propio pequeño grupo llevándose consigo a Lawrence Brown y Sonny Greer y en su primera sesión de grabación produjeron un exitoso disco de " Castle Rock. Johnny disolvió el grupo en la primavera de 1955 y después de un breve período de trabajo televisivo en The Ted Steele Show, se reincorporó a Duke en agosto de ese año, donde, aparte de unos breves períodos, permaneció por el resto de su vida. En la primavera de 1958 trabajó con Billy Strayhorn y en 1961 se fue a Europa con algunos de los otros miembros de la banda en un grupo llamado Ellington Giants.

Continuó grabando prolíficamente con músicos como Wild Bill Davis, Earl Hines e incluso una sesión con Lawrence Welk. Duke y Billy Strayhorn continuaron escribiendo composiciones y arreglos con el sonido y los talentos únicos de Johnny, dejando un maravilloso legado de música grabada para el disfrute de sucesivas generaciones de entusiastas. Se ganó la admiración de muchos saxofonistas como Ben Webster e incluso John Coltrane, quien tocó en uno de los grupos pequeños en 1953-4, dijo que Johnny siempre fue uno de sus músicos favoritos.

En sus últimos años, Johnny usó cada vez menos notas, permaneciendo cerca de la melodía en las baladas e improvisando riffs simples pero contundentes en los números más rápidos, muchos de los cuales se basaban en el blues . El poder de su interpretación provino de su sonido y su alma, generando un swing inmenso y construyendo la tensión dramática de coro en coro. Su último intento de grabación fue la monumental "Suite de Nueva Orleans", pero no viviría para ver el producto final.

Johnny Hodges murió de un ataque al corazón en la ciudad de Nueva York el 11 de mayo de 1970.
Fuente: James Nadal
https://www.allaboutjazz.com/musicians/johnny-hodges/

Stan Getz • West Coast Jazz

 

 

Review by Al Campbell  
In 1955 the difference between East/West Coast jazz was a hot topic, with critics and fans capable of taking zealous musical alliances with one or the other. The title of this disc, West Coast Jazz, was conceived as a joke, considering all musicians involved were originally from the East Coast and did not play exclusively in the laid-back, commercially profitable, cool style, as pigeonholed by some. Stan Getz was in California for his part in the film the Benny Goodman Story, where he picked up a week long gig at Zardi's in Hollywood. The pickup band that greeted him featured a great rhythm section: Lou Levy (piano), Leroy Vinnegar (bass), and Shelly Manne (drums), along with Conte Candoli (trumpet). These musicians connected with Getz immediately, having crossed paths previously. Impressed with this lineup, he took them into the studio to record West Coast Jazz. Generally unlike West Coast jazz of the time, the rapid group interplay with energized bop solos, still stand out particularly on "S-H-I-N-E" and Dizzy Gillespie's "A Night in Tunisia." Coupled with the album's original six tracks, the Verve Master Edition collects several previously released outtakes from these sessions.
https://www.allmusic.com/album/west-coast-jazz-mw0000602275

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Reseña de Al Campbell  
En 1955 la diferencia entre el jazz de la Costa Este y el de la Costa Oeste era un tema candente, con críticos y aficionados capaces de aliarse musicalmente con uno u otro. El título de este disco, West Coast Jazz, fue concebido como una broma, teniendo en cuenta que todos los músicos involucrados eran originarios de la Costa Este y no tocaban exclusivamente en el estilo relajado, comercialmente rentable y cool, como lo encasillaron algunos. Stan Getz se encontraba en California para participar en la película La historia de Benny Goodman, donde consiguió un concierto de una semana en el Zardi's de Hollywood. La banda que le recibió contaba con una gran sección rítmica: Lou Levy (piano), Leroy Vinnegar (bajo) y Shelly Manne (batería), junto con Conte Candoli (trompeta). Estos músicos conectaron de inmediato con Getz, ya que se habían cruzado con él anteriormente. Impresionado con esta formación, los llevó al estudio para grabar West Coast Jazz. En general, a diferencia del jazz de la Costa Oeste de la época, la rápida interacción del grupo con los energéticos solos de bop, sigue destacando especialmente en "S-H-I-N-E" y en "A Night in Tunisia" de Dizzy Gillespie. Además de los seis temas originales del álbum, la edición maestra de Verve recoge varias grabaciones de estas sesiones publicadas anteriormente.
https://www.allmusic.com/album/west-coast-jazz-mw0000602275

 

www.stangetz.net ...

Osie Johnson And His Orchestra • A Bit Of The Blues

 

Jazz drummer, vocalist, and arranger, born January 11, 1923 in Washington, D.C., died February 10, 1966 in New York City.
Studied harmony at the same high school attended by Frank Wess. He first worked with Sabby Lewis and then, after service in the United States Navy freelanced for a time in Chicago. From 1951 to 1953 he worked in Earl Hines's band. He can be heard on albums by Paul Gonsalves, Zoot Sims, and Mose Allison.
https://www.discogs.com/artist/260724-Osie-Johnson

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Baterista, vocalista y arreglista de jazz, nacido el 11 de enero de 1923 en Washington, D.C., fallecido el 10 de febrero de 1966 en Nueva York.
Estudió armonía en el mismo instituto al que asistió Frank Wess. Primero trabajó con Sabby Lewis y luego, tras el servicio en la Marina de los Estados Unidos, trabajó por libre durante un tiempo en Chicago. De 1951 a 1953 trabajó en la banda de Earl Hines. Se le puede escuchar en álbumes de Paul Gonsalves, Zoot Sims y Mose Allison.
https://www.discogs.com/artist/260724-Osie-Johnson

Larry Wilcox And His Orchestra • Hot Rod Jazz Tuff Saxes And Twangy Guitars

 

US-American orchestra leader, arranger and tenor saxophonist from New York.

Lee Morgan • The Cooker

 

Although Lee Morgan had already made a handful of albums at the age of 19, The Cooker (1957) represents his throwing down the gauntlet as successor to Clifford Brown's vacated throne. It's close to being a pure bebop session, suggestive of a date like For Musicians Only (Verve, 1956), on which Gillespie, Stitt and Getz set some sort of record for NPS (notes per second). At the same time, the precocious trumpeter, already brimming with confidence, is not about to get reckless: he pulls a punch or two, most notably on the opening "Night in Tunisia."

Bebop was a musical language about comparisons, and Morgan was keenly aware of his predecessors. Charlie Parker's incredible four-bar break at the end of the sixteen-bar tag of Gillespie's signature piece on the 1947 Carnegie Hall concert (Diz 'N Bird at Carnegie Hall, Blue Note, 1997) had come to represent the gold standard of jazz improvisation, which Morgan had only begun to approach on his solo performances of the tune with the Gillespie big band (Dizzy Gillespie at Newport, Verve, 1957). And though Clifford Brown's version is equal parts inspired invention and stunning virtuosity (Art Blakey, A Night at Birdland, Vol. 1, Blue Note, 1954), the naked four-bar break is given to Lou Donaldson's alto saxophone, with arguably embarrassing results.

Morgan slyly eludes trouble yet takes the listener by surprise when he omits all but the tag's challenging four bars, which he then "wastes" by simply having bass and drums mark time. The listener's letdown is quickly offset, however, by a blistering trumpet solo starting on the first beat of the main chorus, demonstrating why the rising star chose such a deliberative tempo: almost the entirety of his two-chorus solo is played in double time. As dazzling as his execution is, Morgan has one more deception up his sleeve. On both the earlier Gillespie recording and a later Art Blakey date (A Night in Tunisia, Blue Note, 1960), the trumpeter makes sure he gets his piece said on the A7 altered chord of the tune's cadenza: on this occasion, he takes a complete pass!

The characteristically showy side of Morgan is in evidence on his "Heavy Dipper," an infectious, medium-tempo swinger. Anticipating trademark mannerisms—clipped notes, upward slurs, half-valving, triple-tonguing—his solo is still as flowing as it is playful.

The tempo of "Just One of Those Things" breaks the sound barrier while exposing one of the still-maturing musician's weaknesses: if a turn of phrase sounds good once, certainly playing it a few more times can't be a bad idea. Unfortunately, the effect of these ramped-up, "treadmill" moments can get uncomfortably close to "Carnival of Venice" showpiece territory. The alternate take of the tune proves more musically substantive, though the ballad number—the bebopper's requisite "Lover Man"—does little to advance the newcomer's cause.

Pepper Adams is an unrelenting juggernaut on the date, pushing the leader to rise to each challenge. Bobby Timmons, Paul Chambers and Philly Joe Jones supply all of the heat required for this cooking session, otherwise judiciously staying clear of the head chef, who serves up cuisine likely to impress even the fastidious gourmet.
BY SAMUEL CHELL
January 29, 2007
https://www.allaboutjazz.com/the-cooker-lee-morgan-blue-note-records-review-by-samuel-chell

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Aunque Lee Morgan ya había hecho un puñado de álbumes a la edad de 19 años, The Cooker (1957) representa su lanzamiento del guante como sucesor del trono vacante de Clifford Brown. Está cerca de ser una sesión de bebop puro, que sugiere una fecha como For Musicians Only (Verve, 1956), en la que Gillespie, Stitt y Getz establecieron una especie de récord de NPS (notas por segundo). Al mismo tiempo, el precoz trompetista, ya rebosante de confianza, no está a punto de volverse imprudente: da algún que otro golpe, sobre todo en la inicial "Night in Tunisia".

El Bebop era un lenguaje musical de comparaciones, y Morgan era muy consciente de sus predecesores. La increíble pausa de cuatro compases de Charlie Parker al final de los dieciséis compases de la pieza emblemática de Gillespie en el concierto del Carnegie Hall de 1947 (Diz 'N Bird at Carnegie Hall, Blue Note, 1997) había llegado a representar el estándar de oro de la improvisación jazzística, al que Morgan sólo había empezado a acercarse en sus interpretaciones en solitario de la melodía con la big band de Gillespie (Dizzy Gillespie at Newport, Verve, 1957). Y aunque la versión de Clifford Brown es a partes iguales una invención inspirada y un virtuosismo asombroso (Art Blakey, A Night at Birdland, Vol. 1, Blue Note, 1954), la ruptura desnuda de cuatro compases se da al saxo alto de Lou Donaldson, con resultados posiblemente vergonzosos.

Morgan elude astutamente los problemas, pero toma al oyente por sorpresa cuando omite todos los compases excepto los cuatro desafiantes de la etiqueta, que luego "desperdicia" haciendo que el bajo y la batería marquen el tiempo. Sin embargo, la decepción del oyente se ve rápidamente compensada por un contundente solo de trompeta que comienza en el primer tiempo del estribillo principal, lo que demuestra por qué la estrella emergente eligió un tempo tan deliberativo: casi la totalidad de su solo de dos estribillos se toca en doble tiempo. Por muy deslumbrante que sea su ejecución, Morgan se guarda un engaño más en la manga. Tanto en la anterior grabación de Gillespie como en una fecha posterior de Art Blakey (A Night in Tunisia, Blue Note, 1960), el trompetista se asegura de que se diga su pieza en el acorde alterado A7 de la cadencia de la melodía: en esta ocasión, ¡se pasa por completo!

El lado característico de Morgan es evidente en su "Heavy Dipper", un contagioso swinger de medio tiempo. Anticipándose a los manierismos de su marca -notas cortadas, ligados ascendentes, medio valvulismo, triple lengua- su solo sigue siendo tan fluido como juguetón.

El tempo de "Just One of Those Things" rompe la barrera del sonido al mismo tiempo que expone una de las debilidades del músico que aún está madurando: si un giro de frase suena bien una vez, ciertamente tocarlo unas cuantas veces más no puede ser una mala idea. Desgraciadamente, el efecto de estos momentos de aceleración, de "cinta de correr", puede acercarse incómodamente al territorio del espectáculo del "Carnaval de Venecia". La toma alternativa de la melodía resulta más sustanciosa desde el punto de vista musical, aunque el número de la balada -el requisito del bebopper "Lover Man"- hace poco por la causa del recién llegado.

Pepper Adams es una fuerza implacable en la cita, empujando al líder a estar a la altura de cada desafío. Bobby Timmons, Paul Chambers y Philly Joe Jones aportan todo el calor necesario para esta sesión de cocina, y por lo demás se mantienen juiciosamente alejados del jefe de cocina, que sirve una cocina capaz de impresionar incluso al gourmet más exigente.
POR SAMUEL CHELL
29 de enero de 2007
https://www.allaboutjazz.com/the-cooker-lee-morgan-blue-note-records-review-by-samuel-chell

Cal Tjader • Demasiado Caliente

 

 

 

Biography by Richard S. Ginell
Cal Tjader was undoubtedly the most famous non-Latino leader of Latin jazz bands, an extraordinary distinction. From the 1950s until his death, he was practically the point man between the worlds of Latin jazz and mainstream bop; his light, rhythmic, joyous vibraphone manner could comfortably embrace both styles. His numerous recordings for Fantasy and Verve and long-standing presence in the San Francisco Bay Area eventually had a profound influence upon Carlos Santana, and thus Latin rock. He also played drums and bongos, the latter most notably on the George Shearing Quintet's puckishly titled "Rap Your Troubles in Drums," and would occasionally sit in on piano as well.

Tjader studied music and education at San Francisco State College before hooking up with fellow Bay Area resident Dave Brubeck as the drummer in the Brubeck Trio from 1949 to 1951. He then worked with Alvino Rey, led his own group, and in 1953, joined George Shearing's then hugely popular quintet as a vibraphonist and percussionist. It was in Shearing's band that Tjader's love affair with Latin music began, ignited by Shearing's bassist Al McKibbon, nurtured by contact with Willie Bobo, Mongo Santamaria, and Armando Peraza, and galvanized by the '50s mambo craze. When he left Shearing the following year, Tjader promptly formed his own band that emphasized the Latin element yet also played mainstream jazz. Bobo and Santamaria eventually joined Tjader's band as sidemen, and Vince Guaraldi served for a while as pianist and contributor to the band's songbook ("Ginza," "Thinking of You, MJQ"). Tjader recorded a long series of mostly Latin jazz albums for Fantasy from the mid-'50s through the early '60s, switching in 1961 to Verve, where under Creed Taylor's aegis he expanded his stylistic palette and was teamed with artists like Lalo Schifrin, Anita O'Day, Kenny Burrell, and Donald Byrd. Along the way, Tjader managed to score a minor hit in 1965 with "Soul Sauce," a reworking of Dizzy Gillespie/Chano Pozo's "Guacha Guaro," which Tjader had previously cut for Fantasy. Tjader returned to Fantasy in the 1970s, then in 1979 moved over to the new Concord Picante label, where he remained until his death.
https://www.allmusic.com/artist/cal-tjader-mn0000643549/biography

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Biografía de Richard S. Ginell
Cal Tjader fue sin duda el líder no latino más famoso de las bandas de jazz latino, una distinción extraordinaria. Desde los años 50 hasta su muerte, fue prácticamente el hombre de referencia entre los mundos del jazz latino y el bop de corriente principal; su manera ligera, rítmica y alegre de vibráfono podía abarcar cómodamente ambos estilos. Sus numerosas grabaciones para Fantasy y Verve y su larga presencia en el área de la bahía de San Francisco tuvieron finalmente una profunda influencia en Carlos Santana, y por lo tanto en el rock latino. También tocaba la batería y los bongos, este último más notablemente en el quinteto de George Shearing titulado "Rap Your Troubles in Drums", y ocasionalmente se sentaba en el piano también.

Tjader estudió música y educación en el San Francisco State College antes de unirse a Dave Brubeck, residente en el área de la bahía, como baterista del Brubeck Trio de 1949 a 1951. Luego trabajó con Alvino Rey, dirigió su propio grupo, y en 1953, se unió al entonces popular quinteto de George Shearing como vibrafonista y percusionista. Fue en la banda de Shearing donde comenzó el amor de Tjader por la música latina, encendido por el bajista de Shearing Al McKibbon, alimentado por el contacto con Willie Bobo, Mongo Santamaría, y Armando Peraza, y galvanizado por la locura del mambo de los 50. Cuando dejó Shearing al año siguiente, Tjader rápidamente formó su propia banda que enfatizó el elemento latino pero también tocó jazz convencional. Bobo y Santamaría eventualmente se unieron a la banda de Tjader como sidemen, y Vince Guaraldi sirvió por un tiempo como pianista y colaborador del libro de canciones de la banda ("Ginza", "Thinking of You, MJQ"). Tjader grabó una larga serie de álbumes de jazz, en su mayoría latinos, para Fantasy desde mediados de los años 50 hasta principios de los 60, y en 1961 cambió a Verve, donde bajo la tutela de Creed Taylor amplió su paleta estilística y se asoció con artistas como Lalo Schifrin, Anita O'Day, Kenny Burrell y Donald Byrd. En el camino, Tjader logró anotar un éxito menor en 1965 con "Soul Sauce", una reelaboración de "Guacha Guaro" de Dizzy Gillespie/Chano Pozo, que Tjader había cortado previamente para Fantasía. Tjader regresó a Fantasía en los años 70, luego en 1979 se trasladó a la nueva discográfica Concord Picante, donde permaneció hasta su muerte.
https://www.allmusic.com/artist/cal-tjader-mn0000643549/biography

 

 

Manny Albam • The Jazz Workshop

 

Review
by Ken Dryden
As an arranger and bandleader, the works of Manny Albam seem better appreciated by jazz musicians than by record labels and the jazz-buying public. This RCA Victor LP collects three separate octets recorded over the span of a few days in December 1955, divided evenly between Albam's swinging originals and imaginative charts of standards ("Anything Goes") and oldies like "Black Bottom" and "Charmaine." The band is anchored by bassist Milt Hinton and drummer Osie Johnson, with a rotating cast of soloists who include Bob Brookmeyer, Urbie Green, Hank Jones, Al Cohn, Hal McKusick, and Joe Newman, among others. At least French RCA Victor made this valuable date available on LP for a time during the 1970s, but it has long since lapsed from print, and will be tough to locate, like far too many records by Manny Albam.
https://www.allmusic.com/album/jazz-workshop-mw0000463636

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Revisar
por Ken Dryden
Como arreglista y director de banda, los trabajos de Manny Albam parecen ser más apreciados por los músicos de jazz que por las discográficas y el público comprador de jazz. Este LP de RCA Victor recoge tres octetos separados grabados en el lapso de unos pocos días en diciembre de 1955, divididos equitativamente entre los originales de Albam y los gráficos imaginativos de estándares ("Anything Goes") y oldies como "Black Bottom" y "Charmaine". La banda está anclada por el bajista Milt Hinton y el baterista Osie Johnson, con un elenco rotativo de solistas que incluyen a Bob Brookmeyer, Urbie Green, Hank Jones, Al Cohn, Hal McKusick y Joe Newman, entre otros. Al menos la RCA Victor francesa puso a disposición esta valiosa fecha en LP durante un tiempo en la década de 1970, pero hace tiempo que dejó de imprimirse, y será difícil de localizar, como demasiados discos de Manny Albam.
https://www.allmusic.com/album/jazz-workshop-mw0000463636

Paul Horn • The Jazz Collection

 

Clifford Jordan • Bearcat

 

 

Review by Scott Yanow
This CD is a straight reissue of the original Jazzland LP. Tenor saxophonist Clifford Jordan, who is joined by pianist Cedar Walton, bassist Teddy Smith and drummer J.C. Moses, is heard in his early prime and displays an original tone while playing in the hard bop style. He stretches out on five of his swinging and fairly advanced originals, "How Deep Is the Ocean," and Tom McIntosh's "Malice Towards None." It would be 1973 before Jordan had another opportunity to be showcased in a quartet format, making this formerly rare set one of his best all-around recordings.
https://www.allmusic.com/album/bearcat-mw0000312071

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Reseña de Scott Yanow
Este CD es una reedición directa del LP original de Jazzland. El saxofonista tenor Clifford Jordan, al que acompañan el pianista Cedar Walton, el bajista Teddy Smith y el baterista J.C. Moses, se escucha en su primera época y muestra un tono original mientras toca en el estilo hard bop. Se extiende en cinco de sus originales con swing y bastante avanzados, "How Deep Is the Ocean" y "Malice Towards None" de Tom McIntosh. Pasaría el año 1973 antes de que Jordan tuviera otra oportunidad de mostrarse en formato de cuarteto, lo que hace que este conjunto, antes raro, sea una de sus mejores grabaciones en general.
https://www.allmusic.com/album/bearcat-mw0000312071

Don Ellis • Essence

 

Review
by Scott Yanow
The rarest of all Don Ellis sessions, Essence matches the trumpeter with pianist Paul Bley, bassist Gary Peacock, and either Nick Martinis or Gene Stone on drums. Ellis, who sought during this period to transfer ideas and concepts from modern classical music into adventurous jazz, often experimented with time, tempos and the use of space while still swinging. His renditions of Billy Strayhorn's "Johnny Come Lately," "Angel Eyes" and "Lover" are quite fresh, he contributes four interesting originals and introduces Carla Bley's "Wrong Key Donkey" (here simply called "Donkey"). This is thought-provoking music that was certainly way overdue to be reissued.
https://www.allmusic.com/album/essence-mw0000644476


Biography
by Scott Yanow
A talented trumpeter with a vivid musical imagination and the willingness to try new things, Don Ellis led some of the most colorful big bands of the 1965-75 period. After graduating from Boston University, Ellis played in the big bands of Ray McKinley, Charlie Barnet, and Maynard Ferguson (he was featured with the latter on "Three More Foxes"), recorded with Charles Mingus, and played with George Russell's sextet (at the same time as Eric Dolphy). Ellis led four quartet and trio sessions during 1960-1962 for Candid, New Jazz, and Pacific Jazz, mixing together bop, free jazz, and his interest in modern classical music. However it was in 1965 when he put together his first orchestra that he really started to make an impression in jazz. Ellis's big bands were distinguished by their unusual instrumentation (which in its early days had up to three bassists and three drummers including Ellis himself), the leader's desire to investigate unusual time changes (including 7/8, 9/8, and even 15/16), its occasionally wacky humor (highlighted by an excess of false endings), and an openness towards using rock rhythms and (in later years) electronics. Ellis invented the four-valve trumpet and utilized a ring modulator and all types of wild electronic devices by the late '60s. By 1971, his band consisted of an eight-piece brass section (including French horn and tuba), a four-piece woodwind section, a string quartet, and a two-drum rhythm section. A later unrecorded edition even added a vocal quartet.

Among Don Ellis's sidemen were Glenn Ferris, Tom Scott, John Klemmer, Sam Falzone, Frank Strozier, Dave MacKay, and the brilliant pianist (straight from Bulgaria) Milcho Leviev. The orchestra's most memorable recordings were Autumn, Live at the Fillmore, and Tears of Joy (all for Columbia). After suffering a mid-'70s heart attack, Ellis returned to live performing, playing the "superbone" and a later edition of his big band featured Art Pepper. Ellis's last recording was at the 1977 Montreux Jazz Festival, a year before his heart finally gave out.
https://www.allmusic.com/artist/don-ellis-mn0000180060/biography

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Revisión
por Scott Yanow
La más rara de todas las sesiones de Don Ellis, Essence, reúne al trompetista con el pianista Paul Bley, el bajista Gary Peacock y Nick Martinis o Gene Stone en la batería. Ellis, que durante este periodo trató de transferir ideas y conceptos de la música clásica moderna al jazz de aventura, experimentó a menudo con el tiempo, los tempos y el uso del espacio sin dejar de hacer swing. Sus interpretaciones de "Johnny Come Lately", "Angel Eyes" y "Lover" de Billy Strayhorn son bastante frescas, contribuye con cuatro interesantes originales e introduce "Wrong Key Donkey" de Carla Bley (aquí llamada simplemente "Donkey"). Se trata de una música que invita a la reflexión y que, sin duda, debería haber sido reeditada.
https://www.allmusic.com/album/essence-mw0000644476


Biografía
por Scott Yanow
Trompetista de talento con una vívida imaginación musical y la voluntad de probar cosas nuevas, Don Ellis dirigió algunas de las grandes bandas más coloridas del período 1965-75. Tras graduarse en la Universidad de Boston, Ellis tocó en las big bands de Ray McKinley, Charlie Barnet y Maynard Ferguson (con este último participó en "Three More Foxes"), grabó con Charles Mingus y tocó con el sexteto de George Russell (al mismo tiempo que Eric Dolphy). Ellis dirigió cuatro sesiones de cuarteto y trío durante 1960-1962 para Candid, New Jazz y Pacific Jazz, mezclando el bop, el free jazz y su interés por la música clásica moderna. Sin embargo, fue en 1965, cuando formó su primera orquesta, cuando realmente empezó a dejar huella en el jazz. Las big bands de Ellis se distinguían por su inusual instrumentación (que en sus primeros días contaba con hasta tres bajistas y tres baterías, incluido el propio Ellis), el deseo del líder de investigar cambios de tiempo inusuales (incluyendo 7/8, 9/8 e incluso 15/16), su humor ocasionalmente descabellado (destacado por un exceso de falsos finales) y una apertura hacia el uso de ritmos de rock y (en años posteriores) de la electrónica. Ellis inventó la trompeta de cuatro válvulas y utilizó un modulador en anillo y todo tipo de dispositivos electrónicos salvajes a finales de los 60. En 1971, su banda estaba formada por una sección de metales de ocho piezas (incluyendo trompa y tuba), una sección de viento-madera de cuatro piezas, un cuarteto de cuerda y una sección rítmica de dos tambores. En una edición posterior no grabada se añadió incluso un cuarteto vocal.

Entre los acompañantes de Don Ellis se encontraban Glenn Ferris, Tom Scott, John Klemmer, Sam Falzone, Frank Strozier, Dave MacKay y el brillante pianista (directamente de Bulgaria) Milcho Leviev. Las grabaciones más memorables de la orquesta fueron Autumn, Live at the Fillmore y Tears of Joy (todas para Columbia). Después de sufrir un ataque al corazón a mediados de los 70, Ellis volvió a actuar en directo, tocando el "superbone" y una edición posterior de su big band con Art Pepper. La última grabación de Ellis fue en el Festival de Jazz de Montreux de 1977, un año antes de que su corazón se rindiera definitivamente.
https://www.allmusic.com/artist/don-ellis-mn0000180060/biography

Flying Horse Big Band • The Bat Swings!

 

Although The Bat Swings! could well be taken for a baseball analogy, the focus of this third CD by the University of Central Florida's high-powered Flying Horse Big Band is on music associated with the campy Batman TV series from the late 1960s that starred Adam West as the masked superhero and Burt Ward as his sidekick, Robin. The album embodies themes by the celebrated composers Nelson Riddle, Neal Hefti and Paul Francis Webster with arrangements by Michael Philip Mossman, Harry Allen and FHBB director Jeff Rupert (two each), Mark Taylor and UCF faculty member Per Danielsson. Mossman also arranged the five concise (four-second or less) "Bat-Spins" that separate a number of tracks.

In spite of the inescapable variations in technique and tempo, the one constant is swing as the arrangers splice together essential themes and incidental music from the series to sparkle in a big-band format and the ensemble digs in hard to make it happen. The session is all Batman all the way save for Rupert's walking arrangement of the "Spider-Man Theme" and the gospel-leaning finale, "Amazing Grace," dedicated to frequent UCF guest artist and acclaimed multi-instrumentalist Ira Sullivan. Speaking of guest artists, the band welcomes four of them but only one, organist Richard Drexler, solos (on "Spider-Man" and "Amazing Grace"). The others are trumpeter Justin Diaz, percussionist Jeff Moore and vibraphonist / percussionist Marty Morell.

The album opens with Mossman's sassy "Batmobile to Airport" and continues apace with "Batman Riddles the Riddler" and the easygoing "Batman Blues" before digressing to "Spider-Man." The colorful, time-shifting "Kitka" salutes Batman's nemesis / love interest Catwoman, the mid-tempo "Holy-Hole-in-the-Doughnut" Robin's off-the-wall declamations such as "holy flypaper" and "leaping lumbago." Mossman appends an Afro-Cuban luster to "Murcielago en la Cueva" (A Bat in the Cave) before "Amazing Grace" and guitarist Ryan Waszmer ring down the curtain. There are other enticing solos along the way by Waszmer, alto saxophonist Dylan Young, tenors Andy Garcia and Dylan Hannon, trombonist Christian Herrera, trumpeter Aidan Lakshman, pianist Mudel Honore and especially baritone Saul Dautsch ("Airport," "Batman Blues").

While it may not quite keep pace with the swagger or bombast of its iconic namesake, The Bat Swings! does what it set out to do, which is to swing with the sort of POW! that Batman (and Robin) would have applauded.
Jack Bowers BY JACK BOWERS
July 17, 2018
https://www.allaboutjazz.com/the-bat-swings-jeff-rupert-flying-horse-records-review-by-jack-bowers

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Aunque The Bat Swings! bien podría tomarse por una analogía con el béisbol, el enfoque de este tercer CD de la potente Flying Horse Big Band de la Universidad de Florida se centra en la música asociada a la campechana serie de televisión de Batman de finales de los años 60, protagonizada por Adam West como el superhéroe enmascarado y Burt Ward como su compañero, Robin. El álbum incorpora temas de los célebres compositores Nelson Riddle, Neal Hefti y Paul Francis Webster con arreglos de Michael Philip Mossman, Harry Allen y el director de la FHBB Jeff Rupert (dos cada uno), Mark Taylor y el miembro de la facultad de la UCF Per Danielsson. Mossman también arregló los cinco concisos (cuatro segundos o menos) "Bat-Spins" que separan varias pistas.

A pesar de las ineludibles variaciones en la técnica y el tempo, la única constante es el swing, ya que los arreglistas empalman los temas esenciales y la música incidental de la serie para que brillen en un formato de big-band y el conjunto se esfuerza por conseguirlo. La sesión es todo Batman hasta el final, salvo el arreglo de Rupert del "Tema de Spiderman" y el final con tintes gospel, "Amazing Grace", dedicado al frecuente artista invitado de la UCF y aclamado multiinstrumentista Ira Sullivan. Hablando de artistas invitados, la banda da la bienvenida a cuatro de ellos, pero sólo uno, el organista Richard Drexler, hace un solo (en "Spider-Man" y "Amazing Grace"). Los otros son el trompetista Justin Díaz, el percusionista Jeff Moore y el vibrafonista/percusionista Marty Morell.

El álbum se abre con la atrevida "Batmobile to Airport" de Mossman y continúa con "Batman Riddles the Riddler" y la desenfadada "Batman Blues" antes de hacer una digresión con "Spider-Man". El colorido y cambiante "Kitka" saluda a la némesis/interés amoroso de Batman, Catwoman, el medio tempo "Holy-Hole-in-the-Doughnut" las declamaciones fuera de lo común de Robin como "holy flypaper" y "leaping lumbago". Mossman añade un lustre afrocubano a "Murciélago en la Cueva" antes de que "Amazing Grace" y el guitarrista Ryan Waszmer bajen el telón. Hay otros solos atractivos en el camino por Waszmer, el saxofonista alto Dylan Young, los tenores Andy García y Dylan Hannon, el trombonista Christian Herrera, el trompetista Aidan Lakshman, el pianista Mudel Honore y especialmente el barítono Saul Dautsch ("Airport", "Batman Blues").

Aunque no se mantiene al ritmo de la fanfarronería o el bombardeo de su icónico homónimo, The Bat Swings! hace lo que se propone, que es balancearse con el tipo de POW! que Batman (y Robin) habrían aplaudido.
Jack Bowers POR JACK BOWERS
17 de julio de 2018
https://www.allaboutjazz.com/the-bat-swings-jeff-rupert-flying-horse-records-review-by-jack-bowers

flyinghorserecords.com/thebatswings ...

Michel Bénébig • Yellow Purple

 

 

Michel Bénébig was born 27th June 1964 in Nouméa, New Calédonia, a small Island of the Western Southern Pacific.
Michel discovered the Hammond organ through hours of listening to his parent’s old vinyl recordings.
At 7 years of age, Michel was surprised and excited by seeing Rhoda Scott on the télévision.
At 11 years old, he played bass guitar, accordion, electronic organ ( Farfisa organ ) and the synthesizer in various orchestras and bands all over New Calédonia.
Michel joined the Territorial School of Music of Nouméa, and followed traditional courses of piano.
In 1990, Michel headed to Besançon, France, to complete a 2-years degree at the local Academy of Music. It was here that an enthusiastic friend first introduced Michel to the real thing ; the Hammond organ, an L-100 model.
Michel knew there and then that Hammond was the instrument for him !.
Upon returning to New Calédonia, Michel ordered a Hammond XB5 model, just to get started.
Michel became a music teacher at the Territoriale School of Music, the same school he attended as a student, at the same time launching an intensive study of Hammond organists such as ; Jimmy Smith, Jack Mc Duff, Jimmy Mc Griff, Shirley Scott, Rhoda Scott, Wild Bill Davis, Richard “ Groove “ Holmes, Joey Defrancesco, Doctor Lonnie Smith, Charles Earland, and so many others… you get the picture.
In February of 1995, fate took a lucky turn, Michel came in contact with “ Keyboard Exchange International “, an American company located in Florida that is dedicated to the restoration and exportation of vintage Hammond Organs.
Michel spent a month here carrying out a specialised technical training course with Gary Eddinger ( a highly regarded Hammond specialist ).
Michel also began recording an instructional vidéo with another organist named Eddy Crocetti from Fort Lauderdale, Florida. This vidéo was sold with organs in order to give young and budding organist a kick start into the world of Hammond… a fairly daunting instrument, as i’m sure you’d know, if you don’t know what you’re doing.
Whilst on the trip to Atlanta in Georgia, Michel had the extreme pleasure of meeting the great Jimmy Mc Griff. Michel was helping Joe Vaughn, the owner of the B3 being used for Jimmy Mc Griff’s tour in the small town of Rome.
When Jimmy himself asked Michel to play… the whole time Michel was playing a tune from Jimmy Smith, Jimmy Mc Griff remained next to him, tapping along, providing strong encouragement and praising Michel’s footwork ; “ Not bad for the 2 years old Hammond player !!..”.
Another pleasurable moment was the meeting with the Master : Jimmy Smith, in Oakland, California at “ Yoshis “ famous Jazz-Club , in 1996 with Pete Fallico.
The makings of wonderful memories are also meeting organists; Larry Goldings, Duck Jethro, Ronnie Foster, Rhoda Scott , Tony Monaco, Col Nolan, etc…
Michel was elected the Organist of the Month of May 2006 by the “ International Archives for the Jazz Organ “ in Germany.
Michel is an incredible Hammond player, his fancy footwork always amuzes the audiences, Michel’s smooth style is something you’ll just love..
If you’ve never heard of Michel Bénébig, then maybe it’s time to check out Hammond organists on a global scale.
Michel is the finest B3 player to hail from New Calédonia ...

 

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Michel Bénébig nació el 27 de junio de 1964 en Numea, Nueva Caledonia, una pequeña isla del Pacífico Sur Occidental.
Michel descubrió el órgano Hammond a través de horas de escuchar las viejas grabaciones de vinilo de sus padres.
A los 7 años de edad, Michel se sorprendió y emocionó al ver a Rhoda Scott en la televisión.
A los 11 años, tocó el bajo, el acordeón, el órgano electrónico (órgano Farfisa) y el sintetizador en varias orquestas y bandas de Nueva Caledonia.
Michel entró en la Escuela Territorial de Música de Nouméa, y siguió los cursos tradicionales de piano.
En 1990, Michel se dirigió a Besançon, Francia, para completar una licenciatura de 2 años en la Academia de Música local. Fue aquí donde un amigo entusiasta introdujo por primera vez a Michel en la realidad; el órgano Hammond, un modelo L-100.
Michel supo en ese momento que Hammond era el instrumento para él.
Al volver a Nueva Caledonia, Michel encargó un modelo Hammond XB5, para empezar.
Michel se convirtió en profesor de música en la Escuela Territorial de Música, la misma escuela a la que asistió como estudiante, al mismo tiempo que inició un estudio intensivo de los organistas Hammond como; Jimmy Smith, Jack Mc Duff, Jimmy Mc Griff, Shirley Scott, Rhoda Scott, Wild Bill Davis, Richard " Groove " Holmes, Joey Defrancesco, Doctor Lonnie Smith, Charles Earland, y tantos otros... ya te haces una idea.
En febrero de 1995, el destino dio un giro afortunado, Michel entró en contacto con " Keyboard Exchange International ", una empresa americana ubicada en Florida que se dedica a la restauración y exportación de órganos antiguos de Hammond.
Michel pasó un mes aquí realizando un curso de formación técnica especializada con Gary Eddinger ( un especialista de Hammond muy reconocido ).
Michel también comenzó a grabar un video instructivo con otro organista llamado Eddy Crocetti de Fort Lauderdale, Florida. Este video fue vendido con órganos para dar a los jóvenes organistas en ciernes un empujón en el mundo de Hammond... un instrumento bastante desalentador, como estoy seguro que sabrás, si no sabes lo que estás haciendo.
Durante el viaje a Atlanta en Georgia, Michel tuvo el gran placer de conocer al gran Jimmy Mc Griff. Michel estaba ayudando a Joe Vaughn, el dueño del B3 que se usaba para la gira de Jimmy Mc Griff en la pequeña ciudad de Roma.
Cuando el mismo Jimmy le pidió a Michel que tocara... todo el tiempo que Michel estaba tocando una melodía de Jimmy Smith, Jimmy Mc Griff permaneció a su lado, dando un fuerte estímulo y alabando el juego de piernas de Michel; "No está mal para el jugador de 2 años de Hammond!!...".
Otro momento agradable fue el encuentro con el Maestro : Jimmy Smith, en Oakland, California en el famoso Jazz-Club " Yoshis ", en 1996 con Pete Fallico.
También se encuentran organistas de los que se tienen recuerdos maravillosos: Larry Goldings, Duck Jethro, Ronnie Foster, Rhoda Scott, Tony Monaco, Col Nolan, etc...
Michel fue elegido Organista del Mes de Mayo de 2006 por los "Archivos Internacionales para el Órgano de Jazz" de Alemania.
Michel es un increíble intérprete de Hammond, su elegante juego de piernas siempre divierte al público, el estilo suave de Michel es algo que te encantará...
Si nunca has oído hablar de Michel Bénébig, entonces tal vez es hora de ver a los organistas de Hammond a escala mundial.
Michel es el mejor intérprete de B3 que ha venido de Nueva Caledonia ...

https://www.facebook.com/benebigmichel

https://www.amazon.com ... 

 

Eddie ''Lockjaw Davis'' - Buddy Tate - Coleman Hawkins - Arnett Cobb • Very Saxy

 

Review by Scott Yanow
Tenor saxophonist Eddie "Lockjaw" Davis and his quartet (which includes organist Shirley Scott, bassist George Duvivier and drummer Arthur Edgehill) welcome three immortal tenors (Coleman Hawkins, Arnett Cobb and Buddy Tate) to what became a historic and hard-swinging jam session. On three blues, an original based on the chord changes of "Sweet Georgia Brown" and "Lester Leaps In," the four tenors battle it out and the results are quite exciting. The spirited music on this memorable LP will hopefully be reissued on CD eventually, for the performances live up to their great potential.
https://www.allmusic.com/album/release/very-saxy-mr0003688263

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Reseña de Scott Yanow
El saxofonista tenor Eddie "Lockjaw" Davis y su cuarteto (que incluye a la organista Shirley Scott, el bajista George Duvivier y el baterista Arthur Edgehill) dan la bienvenida a tres tenores inmortales (Coleman Hawkins, Arnett Cobb y Buddy Tate) en lo que se convirtió en una jam session histórica y llena de fuerza. En tres blues, uno original basado en los cambios de acordes de "Sweet Georgia Brown" y "Lester Leaps In", los cuatro tenores se enfrentan y los resultados son bastante emocionantes. Es de esperar que la animada música de este memorable LP se reedite en CD, ya que las interpretaciones están a la altura de su gran potencial.
https://www.allmusic.com/album/release/very-saxy-mr0003688263

Vic Dickenson • Ding Dong

 

Review by Scott Yanow
This 1999 CD reissue brings back an earlier LP (simply titled Vic Dickenson Quintet), adding three previously unheard alternate takes to the original eight-song program. A sideman during most of his career, the great trombonist Dickenson had several opportunities to record as a leader during 1974-76. Dickenson, tenor-saxophonist Buddy Tate (who plays baritone on "Penthouse Serenade"), pianist Red Richards, bassist George Duvivier and drummer Oliver Jackson perform seven standards (which include such offbeat choices as "Isle of Golden Dreams," "Black Bottom" and "Five O'Clock Whistle") plus Vic's "Ding Dong." Dickenson's sly wit is very much in evidence on this strong set, the trombone/tenor blend is quite appealing and the date is easily recommended to small group swing collectors.
https://www.allmusic.com/album/ding-dong-mw0000033777

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Reseña de Scott Yanow
Esta reedición en CD de 1999 recupera un LP anterior (titulado simplemente Vic Dickenson Quintet), añadiendo tres tomas alternativas inéditas al programa original de ocho canciones. Acompañante durante la mayor parte de su carrera, el gran trombonista Dickenson tuvo varias oportunidades de grabar como líder durante 1974-76. Dickenson, el tenor-saxofonista Buddy Tate (que toca el barítono en "Penthouse Serenade"), el pianista Red Richards, el bajista George Duvivier y el baterista Oliver Jackson interpretan siete estándares (que incluyen opciones tan poco convencionales como "Isle of Golden Dreams", "Black Bottom" y "Five O'Clock Whistle") más "Ding Dong" de Vic. El ingenio astuto de Dickenson está muy presente en este sólido conjunto, la mezcla de trombón y tenor es bastante atractiva y la fecha es fácilmente recomendable para los coleccionistas de swing de grupos pequeños.
https://www.allmusic.com/album/ding-dong-mw0000033777

Tal Farlow ‎• The Return Of Tal Farlow

  

Colaborador / Contributor:  Michel

Jonah Jones • Broadway Swings Again

 

Maynard Ferguson • Jam Session

 

Happy Hammond in Slumberland • Happy Hammond in Slumberland

 

Hirofumi Asaba • Stompin At The Fair

 

 

 

 

hiroasaba.com ...